空間裝置設計有關的書籍

1. 你認為有哪些和書籍有關的裝置藝術

瑞士人 Hans Ingold 發明了 Compact Shelving [密集書架]，利用地面軌道推移，的確節省了空間。不過找書時內，那種漫步其容中，偶遇佳作的機會就減少了很多。一眼望去， 倉箱可期的感覺也淡了不少。可見人們對書籍的感情不止於獲取知識的工具。很多人對古籍善本的愛好，一部分來自於它樸素卻富有內涵的外表，不過也僅止於外表所營造的氣氛。這種氣氛所帶來的愉悅感與漫步在宜家、品牌店、購物商城、沃爾瑪、博物館、公園、景區的感覺是一樣的。實際上每個人真正閱讀的書，累積不會超過一個書架。但這種氣氛依然是必要的。

2. 有哪些和書籍有關的裝置藝術

之前把 Kindle 借人體驗，對方表示除了「非常像紙書」外，也沒有什麼感想。從書本身來看，書的內容、字體、排版、裝幀，書的結構和材料，都可以拿來做文章，比如 artist』s book gallery [藝術家手制書] 。結構可以折疊立體，字體排版可以為所欲為書，結構和材料更無限制，只要能拼成書的樣子即可。國內有像朱贏椿、皇甫珊珊設計的《蟲子書》 (豆瓣) 等。作為創作 / 傳播媒介，書是最方便——卻未必是最高效的手段。在物料觸感依然重要的今天，撐開一本書時，心中或多或少會有一份敬意。之前說是實體書店式微，後來逛購物商場，依然能找到一間裝修明亮的書店。入口擺放著頗有品味的暢銷書，輔以咖啡廳和文房具，收益似乎不是問題。怎麼樣才算是一本書呢？只有一頁算是書么？怎樣的書算裝置[這個問題不重要]。自出版 / 地下雜志 / 獨立雜志 [Zines] 一直處於邊緣狀態，也許在外形上不及正規出版社光鮮，內容沒有專題書籍豐滿，但卻是個人研究創作最稱手的媒介。不一定非要像勞森伯格這樣把書當磚使。

3. 改變空間的美國裝置藝術家——Robert Irwin

Robert Irwin（生於1928年9月12日）是一位美國裝置藝術家，他經常通過特定場地的建築干預來探索感知和藝術條件，改變空間的物理，感官和時間體驗。

Robert Irwin in the studio working on an early line painting, 1962 (© Marvin Silver, courtesy of Marvin Silver and Craig Krull Gallery) (click to enlarge)

他在20世紀50年代開始了他作為畫家的職業生涯，但在20世紀60年代轉向安裝工作，成為先鋒，他的工作有助於定義西海岸光與太空運動的美學和概念問題。他的早期作品經常使用光和紗布來改造畫廊和博物館空間，但自1975年以來，他還將景觀項目納入了他的實踐。Irwin在蓋特中心（1992-98），Dia：Beacon（1999-2003）以及德克薩斯州Marfa的Chinati基金會（2001-16）等機構構思了超過五十五個特定場地項目。洛杉磯當代藝術博物館於1993年首次回顧了他的作品; 2008年，聖地亞哥當代藝術博物館展出了另一個，他的職業生涯長達五十年。Irwin於1976年獲得古根海姆獎學金，1984年3月獲得麥克阿瑟獎學金，並於2007年當選為美國藝術與文學學院的成員。他在加利福尼亞州聖地亞哥生活和工作。

Robert Irwin, 「Untitled」 (1969), acrylic paint on shaped acrylic, 53 1/4 in. diam., installation view, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC (artwork © 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], New York, photo by Cathy Carver)

起點

Robert Irwin於1928年出生於加利福尼亞州長灘，Robert Irwin和Goldie Anderberg Irwin。從1946年到1947年在美國陸軍服役後，他參加了幾個藝術機構：1948年至1950年在洛杉磯的奧的斯藝術學院，1951年在傑普森藝術學院，以及1952年至1954年在洛杉磯的Chouinard藝術學院。他花了未來兩年生活在歐洲和北非。1957年至1958年間，他在Chouinard藝術學院任教。

Installation view of 「Band in Boston」 (1962), 「Bed of Roses」 (partial) (1962), and 「Untitled」 (partial) (1962), in 『Robert Irwin: All the Rules Will Change』 at the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (artworks © 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], New York, photo by Cathy Carver)

工作

1977年，羅伯特·歐文（Robert Irwin）寫下了關於他自己的一些信息：「我開始作為一名畫家在一個不知名的地方，幾乎沒有問題......我的第一個真正的問題涉及我畫作的任意性......我用我的畫作作為一步一步的過程，每一系列新作品都直接回應了前一系列提出的問題。我首先質疑商標作為意義然後作為焦點;然後我將框架作為遏制質疑，邊緣作為我看到的開始和結束...考慮到沒有任何東西真正超越其直接環境的可能性......我試圖直接回應我所處的每種情況的質量，而不是將其批量轉變為新的或理想的環境，而是直接參與其如何的性質當它充滿真實和觸覺事件時，一個空間怎麼可能被認為是空的呢？」（Robert Irwin，1977）Robert Irwin的藝術概念源於一系列經驗感知。作為一個抽象的，思想開明的思想家，他首先將經驗作為感知或感覺呈現。他的結論是，一種認識感或識別能力有助於澄清感知。例如，「我們知道天空的藍色，甚至在我們知道它是「藍色」之前，更不用說「天空」了。

Installation view of 「Untitled (Acrylic Column)」 (1969–2011) and 「Untitled (Acrylic Column)」 (1969–2011), in 『Robert Irwin: All the Rules Will Change』 (artwork © 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], New York, photo by Cathy Carver) (click to enlarge)

他後來解釋說，抽象思想的概念是通過自我的概念在思想中發生的。然後，識別物理形式，將形式傳達給社區。然後，客觀化合物發生，描繪行為規范和藝術規范，變得可識別。然後邊界和公理引入邏輯和推理，並且可以做出決定：歸納法或演繹法。形式主義隨之而來，證明並說服了關於被感知對象的決定。Irwin所做的研究表明：「所有的想法和價值都源於經驗，它們可以在任何時候分開，並在功能和使用的基礎上直接發展，這兩者實際上都與條件保持相關，我們的主觀和客觀存在。」Robert Irwin的哲學將他的藝術觀念定義為一系列美學探究，文化創新的機會，與社會的交流互動，以及復雜的歷史發展。

勞倫斯·韋斯勒勒 （ Lawrence Weschler）在他的著作「 看見忘記了一件事的名字」中記錄了歐文作為南加州年輕人的早期過程，以及他作為後抽象藝術世界的領導者的出現。Weschler在他的書的封面說明中描述了這些作品的迷人和常常令人著迷的品質：

Larry Bell's "6 x 6 An Improvisation", 2014

1980年5月，羅伯特·歐文回到加利福尼亞威尼斯的市場街，到那裡他一直保留著一個工作室，直到1970年，他完全放棄了工作室的工作。Melinda Wyatt在他以前的工作空間隔壁的大樓里開了一家畫廊，並邀請Irwin創建一個裝置。

Robert Irwin』s Excursus: Homage to the Square³ at Dia: Beacon, Dia Art Foundation, June 1, 2015 – May 2017

他清理了大的長方形房間，調整了天窗，將牆壁漆成了白色，然後將面向街道的牆面敲了一下，用一塊透明的半透明白色平紋棉布代替。房間似乎改變了它的方面與過去的一天：人們來了，坐在對面的路邊，看著，有時幾個小時。

由於他作品的短暫性或微妙性，本書不僅僅是一本介紹，而且對於許多藝術家和藝術學生來說，羅伯特·歐文的作品經歷的主要方式。2007年，他告訴「紐約時報」的 Jori Finkel，人們仍然會在他的講座上找他簽名。在那篇文章中，曾任命歐文「設計我們的Dia：Beacon體驗」的LACMA主任邁克爾·戈萬表示，他相信這本書「已經說服了更多的年輕人成為藝術家而不是天鵝絨地下樂隊創造了搖滾樂手」。

Similar to what Gabriel Dawe』s work, but no way related, here』s another series of colored string suspended to look like movement and reflection. Absolutely stunning and labor intensive, I would imagine.

繪畫

歐文的早期作品始於繪畫。1959年，他畫了一系列手持物品，並作為個人參展商第二次在洛杉磯的Ferus畫廊展出。次年，1960年，他被要求再次在帕薩迪納藝術博物館展出。到那時他開始了一系列連續的實驗。1962年，他開始在加州大學洛杉磯分校教學，並再次在Ferus畫廊展出。那一年，他開始了他的線條畫。他於1964年在Ferus畫廊展出並展示了他的點畫作。

Robert Irwin. Installation view, Sprüth Magers, Los Angeles, January 23 - April 21, 2018. Courtesy the artist and Sprüth Magers. Photograph: Robert Wedemeyer.

在1966年至1967年間，他開始畫鋁盤。他被邀請作為紐約佩斯畫廊的個人參展商。1968年，他開始在加州大學歐文分校任教。在接下來的兩年裡，他開始了他的工作，採用透明的亞克力圓盤，白色凸起結構固定在牆上，並用燈照亮。1970年，他開始研究「柱子」，這是一系列透明的丙烯酸柱。1972年，他開始研究西南地區的「視線」和「地方」。

Robert Irwin. Installation view, Sprüth Magers, Los Angeles, January 23 - April 21, 2018. Courtesy the artist and Sprüth Magers. Photograph: Robert Wedemeyer.

光作品

歐文在20世紀70年代首次使用熒光燈。他的場地條件裝置Excursus：對Square3的敬意，對畫家Josef Albers的冥想以及他對色彩關系的探索，於1998年至2000年間在Dia：Chelsea展出。它由18個小房間組成，被綳緊的紗布牆壁分開; 每個房間的燈光，其值取決於與窗戶的距離，通過四個白色和彩色雙熒光燈泡增強，每個燈泡垂直懸掛在每個牆壁的中心。 2015年，它在Dia：Beacon重新安裝，並將在2017年繼續展出。 2015年在紐約佩斯畫廊舉辦的展覽中，他安裝了多排柱狀燈，用彩色凝膠塗抹不同的燈管，改變光的傳播。

Robert Irwin. Installation view, Sprüth Magers, Los Angeles, January 23 - April 21, 2018. Courtesy the artist and Sprüth Magers. Photograph: Robert Wedemeyer.

安裝

自1968年以來，Irwin通過在房間，花園，公園，博物館和各種城市場所創建裝置，專注於場地本身。尤其受約翰·麥克勞林，歐文和其他光與空間藝術家的繪畫影響，對於推動藝術和感知的界限變得充滿好奇，在20世紀70年代，羅伯特·歐文離開工作室去追求直接涉及光的裝置藝術和空間：視覺感知的基礎，在室外和改良的室內場所。這些裝置允許對藝術家和觀眾進行開放式探索，通過操縱環境的環境而不是保留個別藝術作品的范圍來創造改變的體驗。參與光與空間運動的其他藝術家包括John McCracken，James Turrell，Peter Alexander，Larry Bell，Craig Kauffman，Doug Wheeler，Maria Nordman等。

Light and Space, 2007

115 fluorescent lights

271 1/4 × 620 in

689 × 1574.8 cm

1970年，現代藝術博物館邀請歐文創作裝置。使用整個項目空間，Irwin懸掛了一塊距離地面10英尺的白色平紋棉布，並在牆上貼上閃閃發光的不銹鋼絲。1971年，沃克藝術中心委託藝術家為愛德華拉臘比巴恩斯設計的建築的首次展覽創作無題（傾斜/光/卷）。對於1974年在紐約佩斯畫廊安裝的軟牆，歐文只需清潔並塗上一個長方形的畫廊，並在其中一個長牆前面懸掛一個薄薄的，半透明的白色劇院十八分之一的網格，創造出一種效果。空盪盪的房間，一面牆似乎永遠失焦。在艾倫紀念藝術博物館入口走廊的永久性牆壁裝置，無題 （1980）的尺寸恰好重復了對面的深層窗戶。在20世紀80年代早期，歐文被邀請作為合作藝術家參與設計邁阿密國際機場的復興和改善。1997年，他在聖地亞哥當代藝術博物館的拉霍亞分館改造了一個俯瞰太平洋的房間。為慶祝其成立125周年，印第安納波利斯藝術博物館委託歐文創作「光與空間III」（2008），從而成為第一個永久性室內裝置藝術家的美國博物館。對於這件作品，歐文在自動扶梯周圍的牆壁上布置了不規則網格圖案的熒光燈泡，兩側各有一層稀鬆布框架; 隨著博物館參觀者在樓層之間上下移動，他們穿過這件作品。Trifecta（Joe's Bar＆Grill）是位於印第安納州Fort Wayne的 瑞士再保險公司總部的三層永久燈具，於2012年落成。

1º 2 º 3 º 4º, 1997

Apertures cut into existing windows

115 × 320 × 221 in

292.1 × 812.8 × 561.3 cm

2013年底，歐文的一個33英尺高的丙烯酸柱在聖地亞哥聯邦法院大樓揭幕，藝術家在法院的戶外廣場上與他的長期朋友和合作者，建築師Martin Poirer和景觀設計師Andrew Spurlock合作。這座三層樓高的丙烯酸立柱建於幾十年前，但由於一系列不可預見的情況而從未給出適當的住所，當太陽穿過大廳時會折射光線和鑄造顏色。柱子的製作和與材料有關的技術問題都由傑克布羅根執行，他是光與空間運動技術演變的核心人物。Brogan發明了將柱子拋光到所需透明度的挑戰和技術，並且仍然是該領域的高水位標記。

Prism, 1971

Acrylic

143 7/10 × 5 9/10 × 5 9/10 in

365 × 15 × 15 cm

對於洛杉磯郡藝術博物館（LACMA），歐文創建了一個原始棕櫚樹的戶外裝置（Primal Palm Garden ，2008-2010）以及一個室內36英尺長的熒光燈雕塑，Miracle Mile （2013），它每天24小時在它們後面發光。

Untitled, 1969

Acrylic lacquer on cast acrylic

53 × 24 1/2 in

134.6 × 62.2 cm

自從21世紀初開始工作並重新設計他的想法為Chinati基金會創建一個巨大的裝置後，Irwin在Marfa的裝置-一個約10,000平方英尺的U形建築-將於2015年初開始，並在公眾面前完成並向公眾開放。該裝置位於原軍營軍營醫院的建築物內，將成為自2004年以來第一個加入Chinati基金會的主要裝置，以及第一個由Irwin專門致力於他的工作。

Yellow Jacket, 2015

6 ft. single pin-14 tubes and 6 ft. double pin-1 tubes, fluorescent light, colored gels

72 × 95 1/5 × 3 1/2 in

182.9 × 241.9 × 8.9 cm

其他裝置包括：碎裂光-部分平紋棉麻織物-紐約現代藝術博物館的眼睛水平（1970-1971）; 紐約惠特尼博物館的黑線室部門+擴展表格（1977年）; 華盛頓特區舊郵政局的48架影子飛機（1983年）;升入法國巴黎現代藝術博物館（Musee d'Art Moderne de Ville）（1994年）;和雙鑽石在法國里昂的當代藝術博物館（1997-1998）。

Sculpture/Configuration 2T 3L, 2018

Acrylic

119 × 36 × 32 in

302.3 × 91.4 × 81.3 cm

景觀項目

Irwin在開發了一個體驗空間的風格之後轉向了景觀項目，將他所學到的線條，顏色以及最重要的光線投射到建築環境中。自1975年以來，Irwin已經構思了五十五個網站項目。9空間9樹（1980-3）最初由西雅圖藝術委員會於1980年委託為公共安全大樓的屋頂; 它於2007年重新設想，並位於華盛頓大學的校園內。Irwin的Filigreed Line（1979）為馬薩諸塞州韋爾斯利學院製作，由一條不銹鋼線組成，沿著湖邊的草脊延伸，在其中切割出一些葉狀的圖案。他的1983年作品「 Two Running Violet V Forms」 ，兩個穿越藍色紫羅蘭色的塑料塗層鐵絲網，用高桿固定，是聖地亞哥加州大學校園內Stuart系列公共藝術品的一部分。對於位於帕薩迪納市政中心區的 Sentinel Plaza（1990），Irwin選擇了小型沙漠植物和仙人掌。他後來咨詢了Dia：Beacon的總體規劃，特別是創造了室外空間的設計和景觀，以及入口建築和窗戶設計。

#4 x 8FT. FOUR FOLD, 2012

Light+shadow+reflection+color

96 × 17 1/4 × 4 1/4 in

243.8 × 43.8 × 10.8 cm

後來他在洛杉磯蓋蒂中心設計並開發了中央花園，建於1997年。在中央花園，歐文將體驗關系與建築環境融為一體的概念非常清晰。那些經驗元素填補了空間。該項目因其設計和流程而受到廣泛贊譽。134,000平方英尺（12,400平方米）的設計擁有天然的峽谷和綠樹成蔭的走道，引導遊客體驗景點，聲音和氣味。他選擇了花園里的所有東西來突出光線，色彩和反射的相互作用。規劃始於1992年，是蓋蒂中心項目的重要組成部分。自該中心於1997年開業以來，中央花園隨著植物的發展而不斷發展。歐文的聲明，「永遠改變，永遠不會兩次相同」，刻在廣場樓層，提醒遊客這種生活藝術的不斷變化的本質。令藝術家感到沮喪的是，20世紀50年代的FernandLéger雕塑被放置在花園的廣場上。

Swiss Made, 2015

Fluorescent light, colored gels

72 × 95 3/10 × 3 1/2 in

183 × 242 × 9 cm

Irwin最近完成了2007年洛杉磯郡藝術博物館安裝原始棕櫚園的第二階段。棕櫚園以「T」形排列，東西軸線介於兩者之間。周圍，廣泛的當代藝術博物館和Resnick亭。南北軸線以日期手掌網格終止，作為藝術家Chris Burden的Urban Light裝置的對位。歐文長期以來一直對棕櫚樹如何捕捉和反映南加州的光線感興趣; 設計棕櫚園為Irwin提供了一個機會，可以同時掌握手掌的現象和文化觀念。個別種類的棕櫚樹種植在Cor-Ten箱子中，現代和正式的普通木質育苗箱。雕塑容器參考傳統上表示藝術品的基座。Irwin對棕櫚樹的使用考慮了棕櫚樹和洛杉磯圖像之間無處不在的標志性連接。

4. 住宅設計解剖書內容簡介

本書內容深入淺出，以住宅設計為起點，探索空間或裝置背後的理由、發展過程與故事。其目的不僅在於讓讀者認識到平凡住宅中的智慧與技巧，更希望激發讀者重新審視自身居住環境的渴望。即使在基礎設計領域，本書亦能提供寶貴參考。通過作者增田奏30多年的專業經驗，以及550幅易懂插圖與解說文字，讀者將能全面了解住宅設計與規劃的方方面面。

本書的獨特之處在於其幽默風趣的表達方式和巧妙比喻。比如，將住宅設計比喻為製作美味的便當，強調細節的重要性；用「冰箱是萬人迷」的比喻，強調其在住宅中的社交功能；並通過「擺錯床的位置，半夜就等著撲床了」這樣的幽默描述，強調空間布局對日常生活的影響。這些生動的比喻，讓讀者在輕松愉快的氛圍中，輕松吸取住宅設計的精華。

本書內容廣泛，涵蓋了住宅設計的各個層面，從門廊、玄關、樓梯、門、客廳、餐廳、廚房、卧房、收納、廁所、浴室、屋頂、牆壁與開口、隔熱、通風、隔音、地基道路、停車空間、動線等，一應俱全。它不僅提供專業人士的寶貴經驗和智慧，也揭示了設計中常被忽視的細節。一書在手，足以讓讀者在設計自己的居住空間時，擁有更全面、深入的理解。

5. 裝置藝術有哪些

裝置藝術的主要類型有：

地景裝置藝術

地景裝置藝術是裝置藝術的一種重要形式，它將藝術品與自然環境緊密結合。藝術家通過設計，將特定地點的自然元素與人工結構相結合，創造出令人印象深刻的藝術景觀。這種藝術形式強調與周圍環境的互動和對話，帶給觀眾一種身臨其境的體驗。

室內裝置藝術

室內裝置藝術主要在室內空間進行創作，通過運用各種材料、道具、工藝等手法，設計並布置成具有藝術氛圍的環境。它可以是對特定主題的表達，也可以是對室內空間的重新解讀。室內裝置藝術往往具有強烈的視覺沖擊力，能夠營造出特定的氛圍和情緒。

多媒體裝置藝術

多媒體裝置藝術是結合現代科技手段的一種新型藝術形式。它藉助聲、光、電等媒介，通過編程、影像等手段創造出豐富多彩的視覺效果。這種藝術形式具有很強的互動性和實驗性，能夠給觀眾帶來全新的感官體驗。

生態裝置藝術

生態裝置藝術主要關注生態問題和自然環境的保護。藝術家通過裝置藝術的形式，表達對自然環境的關注和對生態問題的思考。生態裝置藝術常常使用可再生材料或自然材料，強調與環境的和諧共生，旨在引發觀眾對環境和生態問題的思考。

總之，裝置藝術是一種開放、多元的藝術形式，其類型多種多樣，不斷有新的創作手法和風格涌現。以上所述只是其中的幾種主要類型，實際上，裝置藝術的范疇更加廣泛，不同的藝術家會根據自己的創作理念和主題，創造出更多豐富多樣的裝置藝術作品。