抽象表現主義裝置設計

『壹』 抽象藝術有什麼特徵

抽象藝術是指藝術形象較大程度偏離或完全拋棄自然對象外觀的藝術表現形式，那麼你對抽象藝術了解多少呢?下面就讓我來給你科普一下什麼是抽象藝術。

抽象藝術的簡介

抽象藝術一般被認為是一種不描述自然世界的藝術，它透過形狀和顏色，以主觀方式來表達。

在很多時候，抽象藝術的概念指的就是抽象畫。當然，除了抽象畫以外，抽象藝術還應該包括更多的藝術領域、抽象雕塑、抽象裝置、音樂、抽象詩歌、抽象攝影、建築、抽象舞蹈等。

抽象是外來語，在藝術中的抽象最初只是對具象的概括和提煉，使得畫面消解了具體的輪廓和細節，變得高度象徵性。我們可以從畢加索的《牛》和蒙德里安的《樹》的演變來理解西方人的抽象概念最初的含義。後來，抽象走向了極端，徹底擺脫了具體的形象和物象，畫面必須沒有任何我們的視覺所熟悉的物體，純粹由色彩、構成、符號、點線面、肌理構成的畫面，才稱為抽象畫。

抽象藝術的歷史起源

“抽象”一詞原義指人類對事物非本質因素的舍棄與對本質因素的抽取。一部分原始藝術品和大部分工藝美術作品以及書法、建築等藝術樣式，就其形象與自然對象的偏離特徵來說應屬抽象藝術。但作為自覺的藝術思潮的抽象藝術則在20世紀興起於歐美。諸多現代主義藝術流派如抽象表現主義、立體主義、塔希主義等均受此影響。

抽象藝術是與具象藝術相對的名稱，也可稱為非具象藝術。它的特徵是缺乏描繪，用情緒的方法去表現概念和作畫，而這種方法基本上就是屬於表現現實主義的，最早見於康定斯基的作品。它是由各種反傳統的藝術影響融合而來，特別是由野獸派、立體派演變而來。

“抽象”藝術在畢加索看來並不存在，他認為只不過有人強調風格，有人強調生活罷了。在米歇爾·塞弗爾看來，抽象藝術是：“我把一切不帶任何提醒，不帶任何對於現實的回憶——不管這一現實是否是畫家的出發點——的藝術都叫作抽象藝術。

實際上野獸派和立體派促進了形與色的獨立發展。是康定斯基進一步發現了它的奧妙，他在1910年畫了第一幅斷然抽象的水彩畫，是一幅無具象願望的、充滿活力的重疊色點。康定斯基的創造性發明是從音樂中獲得美學啟迪，爾後捷克人庫普卡直接從音樂中獲取靈感進行抽象藝術創作。人稱他是音樂主義畫家鼻祖，後來他們共同組成抽象派。

抽象藝術的本質

抽象是宇宙的空間概念，永恆是宇宙的時間概念。抽象與永恆，共同構成宇宙時空的本質。

抽象是宇宙的原生態，誕生於人類之前。宇宙是由構成(星際關系)、色彩(宇宙本色)、點(星球)線(星球軌跡、流星和光)、面(宇宙空間)、肌理(星系或星球表面)組成的抽象世界。

天空、雲層、電閃、水浪、岩縫、草莖、泥沼、葉脈、斑馬紋、虎紋、蝶紋，大自然的很多畫面和細節都是抽象的。人的生命中的血象、細胞、基因，瞳孔、膚色、指紋也是抽象的。物質世界裡的粒子、質子、中子、誇克，都是抽象的。

抽象是宇宙的自然本質，也是人類認識世界的一種視覺方式。人類可以通過抽象閱讀來感覺宇宙。欣賞抽象美是人類與生俱來的能力，是人類的天賦，也是人類不可缺少的生命方式。

抽象藝術的范圍

世界架上抽象繪畫，是100年前從康定斯基開始的。在康定斯基之前，世界上還沒有出現過“抽象藝術”、“抽象畫”這個詞。但是，這並不表明在他之前，抽象符號、圖案沒有在世界上發生過。人類對太陽系的認識，只有幾百年，可是太陽系存在了永恆的時間。同理，我們只能說世界認識架上抽象畫是從康定斯基開始的，但是，人類的抽象文化和藝術創造，已經有了幾千年的歷史。

宇宙原本就是抽象的。人類有抽象審美和抽象藝術創造的天賦。

在中國5000年的歷史上，抽象符號、抽象元素、抽象形式、抽象裝飾、抽象審美比比皆是。從人類早期的塗鴉、彩陶紋飾、瓦罐圖案、甲骨刻痕、青銅鑄紋、服飾佩戴，到後來的庭院設計、山石擺設、斗拱窗格、縷衣綉品，篆刻書法、玩玉賞石，無不透露出生命和抽象審美交織、糾纏的淵源。中國人創造和欣賞抽象美的歷史已經幾千年。中國是一個有著燦爛抽象文化悠久歷史的國家。

沒有西方抽象美術史，宇宙抽象依舊，人類抽象審美和抽象創造依舊。因此，即使我們不從西方美術史來認識和理解抽象藝術，而從宇宙的本原，從人的生命本質和天賦來認識抽象藝術，也能找理解和解讀抽象藝術的途徑。

抽象藝術的特徵

抽象藝術是無主題無邏輯無故事的藝術，是經驗之外的生命感受，是通過抽象的色彩、線條、色塊、構成來表達和敘述人性的藝術方式。

抽象藝術追求獨創性，並把創新作為唯一的藝術。抽象藝術要挑戰經驗與世界，創造出前所未有的新美圖畫。

我們常常會覺得抽象藝術的不可接受與不可理喻，會感嘆抽象藝術作品驚人的陌生和晦澀。其實，這一切只是經驗與想像的矛盾所致。要知道藝術並不是具體的物質展示，而是抽象的感覺過程，是主觀意識的活動。抽象藝術的獨創性，給我們主觀意識以最大的活動空間，感受藝術才能成為最美好的享受。

抽象藝術注重形式更甚於注意內容。形式可以千變萬化，可以柳暗花明。抽象繪畫還特別強調繪畫語言的單純性，即繪畫形式的純粹性，不帶任何經驗的構想。不模仿任何已有的創造，刻意在視覺空間，創造出獨特的繪畫語言，以鮮明的個性及藝術符號來完成畫家對藝術的生命體驗。

欣賞抽象藝術，懂與不懂是相對的。而人的文化修養、藝術修養決定了人的審美能力，這是絕對的。

靈魂藝術

抽象藝術的世界是縹緲的世界，是游離的捉摸不定的世界，這個世界裡的語言和生命深處的靈魂里的語言更為接近。因此當現實以精確的尺寸與標准讓心與視線受禁錮，抽象藝術無邊無際的漫遊和沒有圍牆時空感應，給現代人的審美提供了新的平台，激活著現代人的獵奇心和創新意識，人們願意在抽象藝術提供的平台上，編織自己的美感網路，構築獨屬於自己靈魂的色彩世界。

思維藝術

具像藝術是經驗藝術，是理性和邏輯藝術，欣賞成為習慣，所以很少審美障礙。抽象藝術是非理性的，既無主題又無故事，完全要靠審美者自己的創造能力，思維想像能力，才能完成審美，因此抽象藝術對審美者要求特別高。在色綵線條面前，每個人的答案是不同的，不同的答案即是不同的思維。一個沒有創造性思維的人是很難體會抽象藝術的奧秘的。

高雅藝術

普及藝術是大眾藝術，抽象藝術是高雅藝術。藝術的初衷也許只是玩耍，是輕松的發泄，是一種調皮，更是一種形式發現。是社會更讓藝術成為生活備忘錄，承擔起本來應由政治來獨自承擔的責任。抽象藝術使藝術回歸人性。著力於開發人性尚未被開發的潛意識和想像空間。人的需求分低級需求(溫飽)、次低級需求(物質炫耀：如豪宅、汽車)，高級需求：藝術享受：音樂、繪畫等。

抽象藝術作為高級生命享受物，無疑是會受到越來越多的關注和發現。

抽象藝術符合現代人的審美觀點和創造慾望，現代家居裝潢空間、現代生活理念、服裝品位元素是抽象藝術得以發展的前提。越來越多具有獨立價值判斷的高智商人群，將是抽象藝術消費的主流人群，他們不滿足現實的空間，需要想像空間，來完成審美精神上的探尋。(許德民)西方抽象

架上抽象畫是現代藝術的一部分，是和現代藝術一起發展和起步的。

現代藝術是在19世紀中期在歐洲起步，從印象主義開始。在西方藝術史教材里，被視為現代藝術劃時代的作品是馬奈1863年創作的《草地上的午餐》。莫奈是最具代表性的印象派畫家，印象主義的“印象”之名，就是出自他1872年的作品《印象·日出》。

後印象主義的代表人物之一塞尚，是第一個把現代主義藝術從具象帶往抽象形式的畫家。塞尚對色彩的理解是現代畫家中最精闢的。他認為，對於一個畫家來說，只有色彩是真實的。他的“把自然還原為圓柱、圓錐與球體的三種基本形狀”的認識，影響了立體派的誕生，從而促成抽象藝術的發展。塞尚是理論意義上的西方現代形式主義主流藝術的鼻祖，而被尊稱為“現代藝術之父”。

從塞尚那裡，抽象畫有了理論和實踐上的萌芽，立體主義的出現，讓抽象畫有了表現和施展拳腳的機會。最初抽象畫和具象畫是混雜在一起的，也就是半抽象的。在畫面上有一些形象，只是這些形象是通過幾何體的方式變形表現的，還不是純粹的抽象。即使是一些純粹以幾何體加顏色的方式來表現的繪畫作品，也會用一些具象的符號，來表達某種象徵的意味。立體主義的出現，大大縮短了邁向抽象藝術的步履，並且直接導致了抽象畫兩大流派(熱抽象和冷抽象)的誕生。

荷蘭藝術家蒙德里安1911年在巴黎接受了立體派的繪畫觀念，並且把立體派演化為具有自己鮮明特色的幾何抽象畫。蒙德里安認為，造型藝術表現為兩種傾向：寫實主義和抽象主義，前者是我們的審美情感的一種表現，這種審美情感是被自然和生活的外表形象喚起的。後者是一種色彩、形和空間的抽象表現，它是通過一種更抽象的手段表現出來的，而且常常是幾何狀的形和空間，其目的是創造一種新的真實。

總的來說，抽象藝術具有以下三個特點：一、看似平凡簡單甚至拙劣，卻極為傳神;二、人，景，物，經久生趣，耐人尋味;三、其中傳達的，通俗且文盲看得出的偉大精神。

『貳』 抽象表現主義

1. 二戰後，整個世界的勢力范圍被重新劃分，世界秩序被重新塑造，藝術領域也不例外。美國無疑是二戰的最大贏家，由於沒有受到戰火波及，歐洲大量的藝術家、科學家等湧向美國。美國作為當時一個開放的避風港，成為了世界的文化中心、藝術中心，抽象表現主義是這一時期美國最具有代表性的風格流派。

2. 抽象表現主義（Abstract Expressionism）是奠定紐約作為新的藝術中心的第一次藝術運動，之前的眾多主義流派都是目標明確、觀點具體，但抽象表現主義在藝術風格上沒有明確的定義，沒有共同的視覺觀感。

3. 抽象表現主義是對一種繪畫精神的描述，而不是對某種繪畫觀感的概括，代表藝術家傑克遜·波洛克（Jackson Pollock）和馬克·羅斯科（Mark Rothko），前者偏向線條式的抽象藝術，後者則是完全沒有線條，全都是色塊，甚至拋棄了形狀，兩位代表藝術家總體的視覺效果完全不同，而在精神根源上又有著共性。

4. 抽象表現主義中的「抽象」指的是繪畫表現的手法，「表現」則是指繪畫的精神內涵，本質上還是一種表現主義，只不過表現方式是抽象的。

5. 波洛克，全名傑克遜·波洛克（Jackson Pollock，1912-1956）是抽象表現主義最重要且最具有代表性的藝術家，他是一位美國人，被認為是讓美國現代繪畫擺脫歐洲標準的重要功臣。

6. 波洛克的作品完全看不出具體的形象，大量的潑墨和線條，是一種非常凌亂的畫面效果。與康定斯基的畫作相比，兩人雖然在畫面上有相似的效果，但是所追求的目標並不同。康定斯基的追求是理性的，用抽象的圖形表達具體的事物，例如音樂中具體的、具有功能性的元素。而波洛克的作品從表現手法到表達目的，都是抽象的。

7. 波洛克的創作過程是純粹、無意識、自發的創作過程。畫家們大多是支起畫布作畫，但波洛克是將畫布平鋪在地板上，畫幅通常都非常大，他會以一種非常快速類似於舞蹈的方式，將顏料直接灑在畫布上。這種創作方式是純粹的表現主義形式，非常具有行為藝術的特徵。

8. 波洛克的抽象表現主義中，表現主義的特徵更為明顯，不只是創作的作品，就連創作方式都非常表現主義。波洛克將顏料甩在畫布上，最終呈現的效果他自己也無法控制。從這個意義上來講，表現主義內涵更為深刻。

9. 羅斯科，全名馬克·羅斯科（Mark Rothko，1903-1970），出生於俄國，後來移民美國，是一位和波洛克重要程度相當的抽象表現主義藝術家，但是二人的畫作風格截然不同，羅斯科的作品中沒有任何線條，甚至不存在形。

10. 從表面上看，羅斯科的畫作是由很多方塊形狀組成，但其實是羅斯科想要盡可能地去破壞形。因為如果想要在長方形的畫布上讓形狀接近消失，最應該用方形。羅斯科還會將方形的邊緣處理得非常模糊毛糙，在過渡中逐漸邊緣消失。

11. 羅斯科的表現主義是用純色綵帶來情感上的巨大沖擊，羅斯科的真跡作品給人極大的沖擊，在視野完全沉浸在整個畫布范圍中時，會給人全身心沉浸的感受，就好像閉著眼睛在陽光下產生的視覺感受。

12. 羅斯科作品給人的沉浸式體驗，突破了人們傳統觀賞畫作的視覺界限，只是通過色彩的搭配組合，激起不同的情緒觀感，非常了不起。

『叄』 抽象表現主義畫派都有哪些著名畫家

印象畫派對光和色有著濃厚的興趣,認為光和色就是表現的目的,大千世界,萬物造化的生動和美感,同志歸於光和色的作用；印象畫派作品的畫面明亮燦爛,令人耳目一新;畫面不秒度第秒了豐富生命力和光色和諧的藝術風格.後期印象畫派主張書法個性,吸收東方藝術的特點;他們的畫大多線條粗獷形式誇張,色彩明快,富有裝飾味.
抽象藝術是有著嚴格界定的，只有無形象、非理性、純形式的繪畫、雕塑和裝置，才是真正意義上的抽象藝術。在整個藝術史上，只有抽象表現主義中沒有形象和意象的那部分、抽象藝術、至上主義、光效應藝術、抽象的極多主義或極少主義、抽象的裝置藝術等，屬於抽象藝術范圍。
宇宙是抽象的，地球的內核是抽象的，細胞是抽象的，原子、中子、核子、質子是抽象的，基因是抽象的。還有大自然的許多細節是抽象的，石紋是抽象的、水紋是抽象的、光影是抽象的、泥濘是抽象的。世界的視覺本質是抽象的。即使有一天，地球毀滅了，人類消失了，所有的具象都煙飛雲散，只有抽象還在。
抽象處處都存在，存在與我們的理性之外，存在於我們的忽略中，存在於陌生的領域『存在於虛無飄渺中，存在與我們的理性之眼忽略的地方，存在於我們肉眼看不到看不見的地方。
抽象藝術，就是把自然界的抽象，把生命中的抽象，把人類想像中的抽象，通過藝術的方式表現出來。藝術，應該是把人的肉眼看不到，只有靈魂可以感應的畫面呈現出來。
希望我的回答對你有用，呵呵，我也是美術教師

『肆』 抽象畫怎麼去欣賞

親近抽象藝術——怎樣欣賞抽象畫12008-03-18 12:13抽象藝術的概念
非理性的純粹視覺形式。有三個內涵：
首先：繪畫作品中不描繪、不表現現實世界的客觀形象，也不反映現實生活；
其次：沒有繪畫主題，無邏輯推理和理性詮釋，既不表達思想也不傳遞情緒；
第三：純粹由顏色和點、線、面構成的視覺形式。
抽象藝術是非理性的，抽象藝術的純粹形式將人類有史以來的理性排斥在外。這里的藝術非理性，只是說明抽象藝術表達的不是一個社會的、政治的、道德的道理，這種道理是人類社會用理性加以分析和總結的。而藝術不需要這種思想和道理，藝術就是藝術自己。
非理性的意義包含兩個方面：一是心理學意義上人的本能和無意識；二是哲學意義上人的認識結構中的非邏輯的認識方式。
在藝術創作中的本能和無意識我們通常理解為那種沒有事先構思好或者是在創作中自由發揮的創作方式。就是在創作中注重即興創作和偶然性。
非邏輯的創作，就是無主題、無形象和無故事人物的，純粹形式的創作。
歷來的藝術都是有主題的，包括一些現代藝術、後現代藝術。藝術的主題從來不是為了藝術自己，往往是社會問題、道德問題、民族問題或者政治問題。這種主題讓藝術成為工具。藝術不是工具，當藝術成為生命方式的時候，藝術是目的。
抽象藝術是唯一把自己當作自己的藝術。他沒有庸俗的、無聊的、教條的、煩瑣的思想，也沒有強權的、自私的、指令的主題。它不需要任何現實的強加於它理念和形象，
它用完全屬於自己的臉注冊，不再需要看別人的眼色或者聽別人的指令。抽象藝術不僅讓創造者自由，更讓審美者自由。
抽象藝術不需要思想（角度強調觀點），不需要那些以現實的利益為驅動的各種思想。因為所有的思想的目的並不是為了思想。思想是人類生存的一種思維工具，思想不是生命的目的。人在受苦受難的時候，往往是思想的時候，是思想讓人類變得復雜變得精明。而一切復雜和精明都是針對別人的，任何個體生命對自己都不需要復雜和精明。生命在享受的時候，往往是不思想的時候，思想是為了不思想。既然生命是這樣認識思想的，藝術為什麼非要有思想？沒有思想的抽象藝術就是真正意義上的公正的、公平的、公開的藝術，它讓人類接受它無私的給予和洗禮，它給人們的享受是陽光和空氣般的慷慨。我們有見過有思想的陽光和空氣嗎。如果陽光和空氣也有思想的話，我們還怎樣裸露我們的身體和自由呼吸。思想是人類為了應付生存而被迫發生的思維過程，這種過程使得生命變得更加敏感和脆弱。而抽象藝術不想再接受它的羈絆，抽象藝術將直接面對生命本體，成為生命方式。
創造藝術就是創造陽光和空氣。享受藝術就是享受陽光和空氣。
我們要創造的抽象藝術是陽光的溫暖和煦，是陽光折射時光暈的朦朧和感覺的直白，是陽光透過重重雲霧仍然不改初衷的義無返顧，是陽光的芳香蓋在你的肌膚上的那種滲透和舒展。
我們的抽象藝術還是空氣般的靈動和悠揚，是空氣的曠遠和博大，是空氣的無私和富有，是空氣的慷慨和大方，是空氣無處不在無時不在的虔誠和執著。也是空氣什麼也不爭不想的姿態，是無須感激和思考的存在，是你可以忘記但絕對不可缺少的需要。
享受陽光和空氣的時候，是生命最放鬆、最自在、最沒有思想的時候，也是最幸福、最愜意的時候。抽象藝術，你還有什麼可以懷疑的嗎？
抽象藝術也不需要情緒（這是角度獨創觀點）。幾乎所有的藝術樣式盡管形式不同，但是都不否認藝術作品中情緒的重要性。甚至抽象藝術的鼻祖康定斯基也是明確的認為，他在表達自己的情緒。所有的過去的藝術家們都認為藝術是在表達情緒。
對具象藝術來說，通過理性來表達的情緒是可以通過畫面來完成的。畫家通過畫面把自己的情緒表露出來。因為畫家的情緒是理性的，或者是直白的，因此表現出來的畫面也是簡單的理性，情緒也是單元的。按照心理學的觀點，情緒是人作為社會的人在生活的環境里受到了刺激所發生的情感波動，它帶有強烈的指向性。在這時，情緒的產生的原因是清晰可辯的，是理性的，甚至是具體的。因為貧窮而情緒、因為不平等而情緒、因為壓抑而情緒，情緒的物質性是十分突出。當情緒成為藝術的驅動力，藝術的情緒化並不能擴張藝術的內涵，而只能限制藝術的張力，讓藝術成為情緒的累贅。
抽象藝術的本質是純粹的視覺形式，你的個人情緒和這種形式的情緒並沒有直接的關系。即使藝術家自以為是的情緒產生了作品，但是作品並不是情緒。當你的情緒在轉化為顏色和形式的時候，已經變成了顏色和形式自己，而已不是你原有的情緒。你說你的情緒還保留在形式里，這只是你的一廂情願或者是自作多情。
同時，作為無主題的抽象藝術，也不需要你用情緒來作為主題，因為對於那些看到你的作品的人來說，他們的欣賞的只是他們眼裡的藝術，不是你心裡的藝術，他們不必要也不可能來了解你創作時的心態，你的情緒和心態和他們也沒有必然的聯系。當作品從藝術家的手裡完成以後，還不是真正意義上的完成，真正的完成必須在審美者那裡。
審美者沒有義務要接你的情緒的接力棒，他根本就不用在看一幅作品時考慮作者的情緒和想法，他完全由畫面本身作出自己個人獨立的審美價值判斷，他在完成的藝術審美時，即使動用了情緒也是自己的，和作者的情緒無關。他以自己的個人的審美方式來最終完成他心目中的藝術。作者創造作品時的情緒，在作品完成時，已經和作品無關。
既然無關，那麼作者的情緒還有什麼用？看到這樣的提問，肯定會有人覺得好笑，沒有了創作的激情，那麼怎樣完成作品創作？答案已經出來了，我們創作作品時需要的是激情而不是情緒。作為一個職業的藝術家，是不需要情緒來製造畫面的，他只需要形式和對形式的研究和理解，對形式的迷戀和游戲，形式會把更多的非理性的思想和情緒，把人的經驗之外的時空，通過形式完美的呈現給你。
這些原因，足以說明藝術家在創造抽象藝術的時候，作品裡的思想和情緒並不重要，重要的是讓你的藝術產生自己的思想和情緒，而不是藝術家的。
事實上，當顏色離你而去，當圖式獨立存在，當畫面自己展開的時候，你完成了你宣洩的過程，而它，已經成為不需要你的思想和你的情緒來照顧的作品，它已經有了自己的語言和形象。
思想和情緒，到作者為止，和作品無關，這就是抽象藝術的個性。
形式，形式，還是形式。形式至上，形式高於一切。每一個光顧形式的人，都能在形式里找到自己的回味，這種回味可以是單純的也可以是復雜的，可有是情緒的也可以是理性的，那是他自己的，和作品無關。
抽象藝術是獨立的，它獨立的存在與作者和審美者之間。
形式就是意味。尋找不一樣的形式，就有了不一樣的意味。只有不一樣的形式，沒有一樣的意味。抽象藝術更需要不一樣的形式。
抽象藝術，無中生有，有中還無；莫名其妙，妙不可言！

抽象藝術的特徵界定（人文的和自然的）
抽象藝術是20世紀初最早出現在歐洲的藝術形式，公認的開派代表人物是俄羅斯的康定斯基和荷蘭的蒙德里安。康定斯基的抒情抽象被認為是「熱抽象」，而蒙德里安的幾何抽象被認為是「冷抽象」，從而形成了抽象藝術的兩大流派，一直延續到今。
與抽象藝術相對應的是具象藝術。在一份藝術史的編年表上，我們可以看到這樣的變化，在抽象藝術出現之前，一直是具象藝術的一統天下，抽象藝術出現之後，就是兩統天下了。不管藝術發展的概念怎樣變化，稱號如何改變，從其藝術的本質來說，只有兩大類的劃分：抽象藝術和具象藝術。凡是有現實世界的客觀形象的，不管是古典主義、浪漫主義、寫實主義、印象主義，還是立體派、野獸派、達達主義、超現實主義、波普藝術、觀念藝術、後現代主義、行為主義、攝象藝術等等，都是屬於具象藝術范圍的。這些藝術門類里，大多都是有主題的、有人類社會意識、政治觀念的，有的主題清晰一些，有的模糊一些，有的單元主題，有的是復合主題，但是都是有主題、有邏輯推理在藝術方式中的，一律是具象藝術，或稱為主題藝術。
抽象藝術是有著嚴格界定的，只有無形象、非理性、純形式的繪畫、雕塑和裝置，才是真正意義上的抽象藝術。在整個藝術史上，只有抽象表現主義中沒有形象和意象的那部分、抽象藝術、至上主義、光效應藝術、抽象的極多主義或極少主義、抽象的裝置藝術等，屬於抽象藝術范圍。
還有一些介於兩者之間，我們稱之為半抽象。有時是畫面上是有一點形象的或變形的，而題目又是抽象的。有的是畫面是超現實的，盡管有具體的形象，但是時空是錯位的，通感的，給人的理性判斷是非常規的，而是特別的。這樣的畫似是而非，主題模糊，有抽象的意味，因此被納入半抽象范圍。
以上所說的是人文的抽象藝術的歷史脈絡。而自然的抽象是宇宙天生的，也是永恆的。
宇宙是抽象的，地球的內核是抽象的，細胞是抽象的，原子、中子、核子、質子是抽象的，基因是抽象的。還有大自然的許多細節是抽象的，石紋是抽象的、水紋是抽象的、光影是抽象的、泥濘是抽象的。世界的視覺本質是抽象的。即使有一天，地球毀滅了，人類消失了，所有的具象都煙飛雲散，只有抽象還在。
抽象處處都存在，存在與我們的理性之外，存在於我們的忽略中，存在於陌生的領域『存在與虛無飄渺中，存在與我們的理性之眼忽略的地方，存在於我們肉眼看不到看不見的地方。
抽象藝術，就是把自然界的抽象，把生命中的抽象，把人類想像中的抽象，通過藝術的方式表現出來。藝術，應該是把人的肉眼看不到，只有靈魂可以感應的畫面呈現出來。
關鍵片語：只有抽象是永恆的。抽象藝術的起源和形成
抽象藝術是現代藝術的一部分，是和現代藝術一起發展和起步的。
現代藝術是在19世紀中期在歐洲起步，從印象主義開始。在西方藝術史教材里，被視為現代藝術劃時代的作品是馬奈1863年創作的《草地上的午餐》。莫奈是最具代表性的印象派畫家，印象主義的「印象」之名，就是出自他1872年的作品《印象·日出》。
後印象主義的代表人物之一塞尚，是第一個把現代主義藝術從具象帶往抽象形式的畫家。塞尚對色彩的理解是現代畫家中最精闢的。他認為，對於一個畫家來說，只有色彩是真實的。一幅畫首先是也應該是表現顏色。直至今日，當我把抽象藝術理解為顏色和形式的藝術時，才知道，顏色曾在印象派畫家裡，占據了多麼重要的意義。他的「把自然還原為圓柱、圓錐與球體的三種基本形狀」的認識，影響了立體派的誕生，從而促成抽象藝術的發展。塞尚是理論意義上的西方現代形式主義主流藝術的鼻祖，而被尊稱為「現代藝術之父」。
從塞尚那裡，抽象藝術有了理論和實踐上的萌芽，立體主義的出現，讓抽象藝術有了表現和施展拳腳的機會。最初抽象藝術和具象是混雜在一起的，也就是半抽象的。在畫面上有一些形象，只是這些形象是通過幾何體的方式變形表現的，還不是純粹的抽象。即使是一些純粹以幾何體加顏色的方式來表現的繪畫作品，也會用一些具象的符號，來表達某種象徵的意味。立體主義的出現，大大縮短了邁向抽象藝術的步履，並且直接導致了抽象藝術兩大流派的誕生。
立體主義的代表人物是畢加索。在塞尚幾何分割畫面的觀念的影響下，1907年畢加索畫了他著名的《亞威農少女》。立體派將透視散點化，用大小的幾何形狀鑲拼，使畫面的人和物幾何立體化，使得繪畫有了明顯的抽象意味。但在立體派繪畫里，大部分作品還是能夠找到生活中的原形，題目也是具象的，即使是完全無形的立體派作品，也不是真正意義抽象作品，但是，是立體派的巨大影力，直接導致了幾何抽象主義的產生。
荷蘭藝術家蒙德里安1911年在巴黎接受了立體派的繪畫觀念，並且把立體派演化為具有自己鮮明特色的幾何抽象畫。蒙德里安認為，造型藝術表現為兩種傾向：寫實主義和抽象主義，前者是我們的審美情感的一種表現，這種審美情感是被自然和生活的外表形象喚起的。後者是一種色彩、形和空間的抽象表現，它是通過一種更抽象的手段表現出來的，而且常常是幾何狀的形和空間，起目的是創造一種新的真實。
康定斯基於1910創作的一幅取名為「即興」的抽象繪畫，被視為人類有史以來第一幅純粹抽象的作品。這幅作品是完全無形的，不是象在這幅畫以前，多少還有一點具象的痕跡或影子，抽象意味只是使得具象的東西簡單和概括，最典型的例子就是畢加索的「牛」，從具象慢慢的抽離成幾根線條構成的極其簡潔的牛的象徵。我們在習慣上也稱這樣的藝術方式為抽象藝術方式，把畢加索最後的一頭牛稱為抽象牛，但是和我們這里討論的抽象還是有本質的區別的。真正的抽象是沒有任何具象或象徵的啟示。
康定斯基在創作第一幅抽象作品的時候，不僅在實踐上有了質的突破，而且還有理論上的重要的闡述。他在1912年發表的藝術專著《論藝術中的精神》，就提出了藝術應該是藝術家內心的主觀感受，藝術應該從客觀物象中解救出來。他還十分明確的提出：形式和色彩本身就能構成一種足以表達情緒的語言因素，如同音樂一樣直接訴諸於心靈。藝術家的工作就是尋找形式和組織色彩，以完成表達藝術家的情緒和溝通審美者的作品。
康定斯基的早期抽象都是自由抽象，也被稱為抒情抽象，特徵是構成和色彩非常隨意，常是即興發揮，自由奔放。1921年以後，康定斯基從自由抽象轉化為幾何抽象，以精確的幾何體和點、線、面構成繪畫，並且在1926年出版了又一本抽象藝術專著《點、線、面》，從而確立了他作為抽象藝術之父的學術地位。
康定斯基對抽象藝術的貢獻是巨大的，他的對形式的研究和實踐，為後人開辟了廣闊的道路，並且使得抽象藝術在短短的時間里，就席捲整個西方藝術界，成為100年以來生命力最頑強的藝術。 與康定斯基和蒙德里安一起，俄國人馬列維奇創造了「至上主義」藝術。他們三個人被稱為是抽象藝術的三駕馬車。至上主義的最高境界就是「空」和「無」，空和無才是純粹抽象的絕對存在，也是繪畫的最高境界。最著名的畫就是《白色背景上的黑色方塊》（1913）和《白色背景上的白色方快》。馬列維奇對抽象藝術的境界的理解是比較純粹的，接近現在的對抽象藝術的觀念。
抽象藝術是現代藝術的一部分，是和現代藝術一起發展和起步的。
現代藝術是在19世紀中期在歐洲起步，從印象主義開始。在西方藝術史教材里，被視為現代藝術劃時代的作品是馬奈1863年創作的《草地上的午餐》。莫奈是最具代表性的印象派畫家，印象主義的「印象」之名，就是出自他1872年的作品《印象·日出》。
後印象主義的代表人物之一塞尚，是第一個把現代主義藝術從具象帶往抽象形式的畫家。塞尚對色彩的理解是現代畫家中最精闢的。他認為，對於一個畫家來說，只有色彩是真實的。一幅畫首先是也應該是表現顏色。直至今日，當我把抽象藝術理解為顏色和形式的藝術時，才知道，顏色曾在印象派畫家裡，占據了多麼重要的意義。他的「把自然還原為圓柱、圓錐與球體的三種基本形狀」的認識，影響了立體派的誕生，從而促成抽象藝術的發展。塞尚是理論意義上的西方現代形式主義主流藝術的鼻祖，而被尊稱為「現代藝術之父」。
從塞尚那裡，抽象藝術有了理論和實踐上的萌芽，立體主義的出現，讓抽象藝術有了表現和施展拳腳的機會。最初抽象藝術和具象是混雜在一起的，也就是半抽象的。在畫面上有一些形象，只是這些形象是通過幾何體的方式變形表現的，還不是純粹的抽象。即使是一些純粹以幾何體加顏色的方式來表現的繪畫作品，也會用一些具象的符號，來表達某種象徵的意味。立體主義的出現，大大縮短了邁向抽象藝術的步履，並且直接導致了抽象藝術兩大流派的誕生。
立體主義的代表人物是畢加索。在塞尚幾何分割畫面的觀念的影響下，1907年畢加索畫了他著名的《亞威農少女》。立體派將透視散點化，用大小的幾何形狀鑲拼，使畫面的人和物幾何立體化，使得繪畫有了明顯的抽象意味。但在立體派繪畫里，大部分作品還是能夠找到生活中的原形，題目也是具象的，即使是完全無形的立體派作品，也不是真正意義抽象作品，但是，是立體派的巨大影力，直接導致了幾何抽象主義的產生。
荷蘭藝術家蒙德里安1911年在巴黎接受了立體派的繪畫觀念，並且把立體派演化為具有自己鮮明特色的幾何抽象畫。蒙德里安認為，造型藝術表現為兩種傾向：寫實主義和抽象主義，前者是我們的審美情感的一種表現，這種審美情感是被自然和生活的外表形象喚起的。後者是一種色彩、形和空間的抽象表現，它是通過一種更抽象的手段表現出來的，而且常常是幾何狀的形和空間，起目的是創造一種新的真實。
康定斯基於1910創作的一幅取名為「即興」的抽象繪畫，被視為人類有史以來第一幅純粹抽象的作品。這幅作品是完全無形的，不是象在這幅畫以前，多少還有一點具象的痕跡或影子，抽象意味只是使得具象的東西簡單和概括，最典型的例子就是畢加索的「牛」，從具象慢慢的抽離成幾根線條構成的極其簡潔的牛的象徵。我們在習慣上也稱這樣的藝術方式為抽象藝術方式，把畢加索最後的一頭牛稱為抽象牛，但是和我們這里討論的抽象還是有本質的區別的。真正的抽象是沒有任何具象或象徵的啟示。
康定斯基在創作第一幅抽象作品的時候，不僅在實踐上有了質的突破，而且還有理論上的重要的闡述。他在1912年發表的藝術專著《論藝術中的精神》，就提出了藝術應該是藝術家內心的主觀感受，藝術應該從客觀物象中解救出來。他還十分明確的提出：形式和色彩本身就能構成一種足以表達情緒的語言因素，如同音樂一樣直接訴諸於心靈。藝術家的工作就是尋找形式和組織色彩，以完成表達藝術家的情緒和溝通審美者的作品。
康定斯基的早期抽象都是自由抽象，也被稱為抒情抽象，特徵是構成和色彩非常隨意，常是即興發揮，自由奔放。1921年以後，康定斯基從自由抽象轉化為幾何抽象，以精確的幾何體和點、線、面構成繪畫，並且在1926年出版了又一本抽象藝術專著《點、線、面》，從而確立了他作為抽象藝術之父的學術地位。
康定斯基對抽象藝術的貢獻是巨大的，他的對形式的研究和實踐，為後人開辟了廣闊的道路，並且使得抽象藝術在短短的時間里，就席捲整個西方藝術界，成為100年以來生命力最頑強的藝術。
與康定斯基和蒙德里安一起，俄國人馬列維奇創造了「至上主義」藝術。他們三個人被稱為是抽象藝術的三駕馬車。至上主義的最高境界就是「空」和「無」，空和無才是純粹抽象的絕對存在，也是繪畫的最高境界。最著名的畫就是《白色背景上的黑色方塊》（1913）和《白色背景上的白色方快》。馬列維奇對抽象藝術的境界的理解是比較純粹的，接近現在的對抽象藝術的觀念。
親近抽象藝術——怎樣欣賞抽象畫 32008-03-18 12:15抽象藝術的幾種類型1.熱抽象和冷抽象
2.理性抽象和非理性抽象
3.自由抽象和規則抽象
4.平面抽象和透視抽象
5.抒情抽象和幾何抽象
熱抽象和冷抽象的劃分界線有兩個角度，一是根據圖式標准，二是根據色彩標准。
在圖式上比較活潑、自由、隨意、熱情和富有動感、節奏感的抽象畫，稱之為熱抽象。在圖式上比較嚴謹、理性、冷靜，有明顯的圖案規律的稱之為冷抽象。
從顏色上來區分，顏色比較明亮、明快，保持著較強視覺沖擊的為熱抽象，而用冷色調，黑、灰、藍調子的稱為冷抽象。
熱抽象也叫自由抽象和抒情抽象。冷抽象也叫規則抽象或者幾何抽象。
熱抽象的代表人物是俄羅斯的康定斯基，冷抽象的代表人物是荷蘭的蒙德里安。
形式的意義一.形式是獨立自主的。形式是獨立的視覺存在，形式是不依賴社會思想和政治的自覺的存在，形式決定形式，形式影響審美意識。
二.形式是自由多變的。形式的自由體現在形式的無窮變化----形式的組合是無窮的，這讓抽象藝術最大的資源
三.形式是輕松游戲的。形式是輕松和游戲的。形式是一種游戲，沒有思想，沒有歧視和偏見，沒有情緒，沒有驕橫和失落。形式的游戲性讓形式成為意義。
四.形式是永恆的。形式是宇宙的延伸，形式永恆。宇宙是最大的形式，是宏觀的形式體現，宇宙讓我們感到了神秘和新鮮，探索宇宙的奧秘成為人類生存的一種樂趣。抽象藝術是人類唯一能夠融入宇宙創造的形式，也是宇宙唯一可以認可的延伸。
抽象藝術的價值標准抽象藝術由於多變和評判標準的不確定性，因此如何評介抽象藝術的價值，就成了一個比較困難的問題。事實上，現代藝術在他們誕生之初，都是不被認可甚至是遭到當時的主流藝術貶毀的。但是最終現代藝術得以流行，是和社會的文化和觀念的發展聯系一起的。
評介一幅作品的價值標准從嚴格的意義上來說，是模糊的，因為每一個人的價值標准不同。對作品的認知程度也不同。第一，原創，原創的意義是創新一種新的藝術圖式，原創不是原作的意思，現在的很多人把原作當作原創是錯誤的，對古典主義來說，印象主義是原創，立體派是原創，野獸派是原創，超現實是原創，抽象畫是原創。
同樣的道理在一個派別里，原創的概念就是圖式不同，或者題材不同、畫風不同。抽象畫里，康定斯集是原創，蒙德里安是原創、博洛克是原創，每一個人的畫風不同，這種不同的距離越大，原創的形式就越純，原創的價值就越高。第二，原創的作品還必須是唯美的，所謂的唯美是一種美學理念，就是一幅畫須是美的，美的也就是能夠給人的審美帶來愉悅給生命帶來呵護給未來帶來祝福的藝術。美不是指一個單獨的審美取向，而是關於藝術的本質。唯美不是為漂亮，。美是多種多樣的美，美是平衡、是協調、是有形式的意味、是和諧、是獨特。美有含蓄、奔放、熱情、冷靜、力量和粗獷之美。唯美，就是符合人性的生命性。
人性的唯美體現在人對生命的美好的嚮往。人的心理總是希望擁有一個健康的、幸福的、吉祥的、太平的人生，因此，人心總是願意陶醉在小資情調和浪漫里，而不希望生命中早早就出現不愉快或者悲劇。事實上，生命的悲劇性是一個人人皆知事實，從來也不用誰來提醒。

『伍』 波普藝術、裝置藝術、大地藝術，三者之間相同和與不同的藝術觀念

波普藝術：是正當抽象表現主義在美國風行之時，有人提出抽象表現主義完全依賴畫布和顏色的革新既是前進的，又是退縮的，因為它逾越傳統純繪畫的程度不夠，於是一部分藝術家從達達主義那裡得到啟示，生活中的實物也是藝術。他們開始大膽的用材料實驗，採用畫面與接拼的方法，或者乾脆用實物集合的辦法達到打破藝術之間各門類，藝術與生活之間的界限，以此替代活力耗盡的抽象表現主義，這便是波普藝術。
1960年前後美國開始盛行的一種藝術，不久英國與歐洲也流行起來，波普（Pop）一詞含通俗，大眾，流行之意，這是由英國藝術評論家阿勞威提出的，他在給利用大眾影像為內容的美術命名時所作的一個統稱，後來被評論界所接受而廣泛採用。60年代初期，先在倫敦後在紐約相繼舉行了大型的波普美展，波普美術最早的作品可能要數英國藝術家漢密爾頓的照片拼貼畫《是什麼使我們今天的家如此不同，如此吸引人》，畫中現代公寓內一個傲慢的裸女和一個作健美姿態的男子正看著畫外，男子手握上面印有Pop的網球拍。波普藝術的表現手法多種多樣，但其表現的對象基本可分為兩類：一是以日常生活用具為對象，一類是對畫報，連環畫，影星和名人照片進行復制，廣泛展出與散發。所以波普藝術具有低廉，浮華，短暫，大量生產，很快流行等特點。

裝置藝術： 是藝術家在特定的時空環境里，將人類日常生活中的已消費或未消費過的物質文化實體、進行藝術性地有效選擇、利用、改造、組合，以令其演繹出新的展示個體或群體豐富的精神文化意蘊的藝術形態。簡單地講，裝置藝術，就是「場地+材料+情感」的綜合展示藝術。
裝置藝術的發展如同其它藝術發展的景況一樣，都是受當下多種單一與復合的觀念所左右的，也受其自身發展經驗的積累所促動。裝置藝術日漸在內容關注、題材選擇、文化指向、藝術到位、價值定位、情感流向、操作方法等方面，都呈現出多元繁復的狀態。

大地藝術20世紀60年代末出現於歐美的美術思潮，由最少派藝術的簡單、無細節形式發展而來。
大地藝術家普遍厭倦現代都市生活和高度標准化的工業文明，主張返回自然，對曾經熱戀過的最少派藝術表示強烈的不滿，以之為現代文明墮落的標志，並認為埃及的金字塔、史前的巨石建築、美洲的古墓、禪宗石寺塔才是人類文明的精華，才具有人與自然親密無間的聯系。大地藝術家們以大地作為藝術創作的對象，如在沙漠上挖坑造型，或移山湮海、壘築堤岸，或潑濺顏料遍染荒山，故又有土方工程、地景藝術之稱。是60年代活躍於美國的現代主義後期的藝術活動，它可說是介於工程與雕塑，建築與風景，藝術與大自然之間的一種邊緣概念，也是一種荒謬的反藝術現象。它除了依仿照概念藝術否棄作品實體外，還不需要購買人而只需要贊助人，且作品尺寸，材料，形態，價值觀早已與傳統觀念決裂，對藝術的界定漠不關心，他們一般以廣闊的大地，田野，海灘，山谷，湖泊，為藝術材料，通過大規模的挖掘，堆疊，染色，包裹，築構等方式，改造自然的某一部分外觀，企圖創造一種體量巨大的，不能為博物館接受的永不被人佔有的環境藝術。

波普藝術不是以「作品」的形式來確證自己的存在的，至少，它不是被審美性地欣賞，它也用不著有以往作為一個藝術家所必需的繪畫或造型技藝，它不可作為某種範本供學習者臨摹，它經過大批量印刷絲毫不會造成效果的衰減，它的原作收藏不具有藝術價值，甚至它作為一種行為瞬間就消逝了，等等。事實上，波普藝術只是一種「現象」，這種現象智慧地向人們傳達了某種意義，而這個意義只是更集中、更強烈地加深了政治的、經濟的、社會的、文化的等各方面已經存在的某種觀念或道理。
裝置藝術似乎滿足了繁忙的當代人的生理需要和心理平衡。由於裝置藝術中眾多的藝術門類，以及眾多實物的非邏輯，非再現的陳列，它們之間的張力構成了無窮大的觀念的「排列組合」關系。同時，裝置藝術還充分反映變化中的世界，因為裝置藝術中靜止的物品並不是絕對靜止的，它們所存在的空間環境和社會處於永恆的運動中，因此它們本身的意義也在不斷變化。裝置藝術正是這樣一個說不清的世界－－雜亂的實物，令人目不暇接的錄像，昏亂怪異的聲響，玄言斷句，雕塑加繪畫。這體現西方當代人迷茫而又無可奈何，不得不以自我為中心，放棄傳統宗教，在神秘中尋求對不可知的答案。裝置藝術解讀的不確定性暗示這種神秘，承認人類的認知是相對的，而無法逾越的不可知才是絕對的。

後期的大地藝術家很少大規模挖掘工程，更多藉助攝影完成。

『陸』 抽象繪畫的發展歷程是什麼樣的以及抽象繪畫在西方現代主義藝術運動中顯示出活力的表現是什麼

抽象繪畫在20年代30年代的西方現代主義藝術運動中便顯示出活力，尤其是俄羅斯先鋒派藝術家和荷蘭的「風格派」藝術家，他們的抽象繪畫創作和藝術理念直接影響了「包浩斯」的設計。戰後抽象繪畫得到了新的發展，在戰爭剛剛結束的1945年，巴黎一批抽象藝術家便組織「五月沙龍」，同年在巴黎舉辦了題為「具體藝術」的抽象繪畫展覽。1946年巴黎的「新現實沙龍」成為首次展出抽象藝術的沙龍，展出了大量的抽象藝術作品。1949年「新現實沙龍」與「五月沙龍」合並，抽象藝術有了更大的聲勢。在美國則有「抽象表現主義」藝術的興起。像戰前從德國來到美國的「包浩斯」設計家莫霍里—納吉、阿爾伯斯和同樣來自德國的漢斯·霍夫曼，對於美國的「抽象表現主義」藝術都產生了巨大的影響。50年代美國抽象表現主義繪畫的代表人物德·庫寧和傑克遜·波洛克創作出了揮灑點滴的「行動繪畫」，新一代藝術家作品有著強烈的感染力，與當時的裝飾藝術設計具有密切的聯系。

『柒』 為什麼歐洲英國工業革命的大腦沒有產生前衛藝術 為什麼會先在法國產生前衛藝術

西方藝術發展史
在西方漫長的古代史中，因為宗教占據了社會整體的核心地位，是這個整體的基本凝聚力，藝術不僅因為依靠宗教而得到了縱貫歷史的輝煌發展，而且藝術本身的存在（形式和內容）也是統一於宗教的——它是宗教活動的一種基本工具和方式。在西方藝術發展史的研究中，不深入理解西方宗教精神，不把這種精神作為藝術的內在動機，是不能真正把握自古希臘以至於前浪漫主義時代的西方藝術實質的。比如，人體藝術的發達，是西方藝術的一個基本傳統。這個傳統的確立，是以西方世界根深蒂固的宗教情懷為基礎的。傳統藝術家是把為人塑像作為為神造像的神聖事業來進行的。在此，我們看到藝術與宗教的內在統一性，也因此藝術是傳統西方社會所絕對必須的。

14—16世紀的文藝復興運動拉開了西方近代美術史的開端，它在很大程度上拉動了整個藝術史的步伐，影響之深，涉及之遠，范圍之廣在藝術發展的長河中都是高高捲起的浪花，閃耀奪目。任何事物的發生都不是獨立存在的個體，既不會突然出現，也不會瞬間消失。在整個文藝復興背後的推手是歐洲封建社會內部出現了資本主義經濟的萌芽，城市工商業的繁榮及其政治上的相對獨立或自治。經濟基礎決定上層建築，人們在滿足了物質需求後必然會追求更高層次——精神需求。文藝復興期間湧出了眾多著名的藝術家，代表人物有.達·芬奇、 米開朗琪羅、拉斐爾、安吉利特、尼德蘭等，他們的藝術手法深深地影響了後世的藝術愛好者們。
二十世紀雖然不及文藝復興來的精絕，可在整個藝術史中也是一個活躍的年代，短短百年間，涌現出眾多的藝術流派，從野獸派開始，經歷了表現主義、立體主義、未來主義、抽象主義、達達主義、風格派、形而上畫派、包豪斯、超現實主義、巴黎畫派、抽象表現主義、新現實主義、波普藝術、歐普藝術、地境藝術、觀念藝術、行為表演藝術、照相寫實、激浪派、極少主義、女性主義、塗鴉主義、裝置藝術、影像藝術、新媒介藝術、全球化時期、象徵主義、俄國前衛藝術、構成藝術、八人畫派、現代雕塑、後現代名詞解釋，直至世界現代設計。
從最初的野獸派到最後的世界現代設計，我們大可以將其看作是一個社會發展史，只不過形式上用了另一種語言。
事物發展到一定階段必定會有質的改變，野獸派的產生是對學院派的背叛，他們對感動力稀薄，表現不夠深入的印象派畫風持一種反抗的態度，繼續著後印象主義梵谷、高更、塞尚等人的探索，追求更為強烈的藝術表現。第一次世界大戰的爆發後，社會動盪不安，一群受著康德哲學、柏格森的直覺主義和弗洛伊德精神分析學的影響，強調反傳統，不滿於社會現狀，要求改革，要求「革命」的藝術家形成了表現主義，他們在藝術中強調表現主觀感情和自我感受，而導致對客觀形態的誇張、變形乃至怪誕處理的一種思潮，用以發泄內心的苦悶，認為主觀是唯一真實，否定現實世界的客觀性，反對藝術的目的性，它是20世紀初期繪畫領域中特別流行於北歐諸國的藝術潮流，是社會文化危機和精神混亂的反映，在社會動盪的時代表現尤為突出和強烈。
20世紀初工業文明、機器時代的到來，年輕的藝術家們普遍關注的是如何革新形式，來表現在迅猛變革的工業社會里人們的內在情緒和心理。立體主義的產生時期和表現主義差不多，不同的是表現主義宣洩的是藝術家們對戰爭、社會現實的不滿，而立體主義起源於塞尚的理論和創作實踐，藝術家們把塞尚的「要用圓柱體、圓球體、圓椎體來表現自然」這句話當著自己藝術追求的理想。立體主義更多是在折射工業文明、機器時代的社會現實。代表人物就是全民偶像的畢加索，他熱衷於前衛藝術創新，也不放棄對現實的表現。《亞維農的少女》這幅不可思議的巨幅油畫，不僅標志著畢加索個人藝術歷程中的重大轉折，而且也是西方現代藝術史上的一次革命性突破，它引發了立體主義運動的誕生。

有人反對戰爭就必定有人支持，未來主義者們就是一群支持戰爭的藝術家們，他們對現代戰爭大加頌揚，認為戰爭是藝術最終極的形式。一些未來主義者們曾是第一次世界大戰的倖存者，懷有深刻的民族主義思想，這些經歷使得他們未來主義者公然支持義大利的法西斯主義。正好迎合了帝國主義侵略擴張政策的需要，使義大利的未來主義成為官方的藝術，也成了我前面所說的所謂的「御用畫家」。而抽象主義則是屬於第三種，他們提倡「抽離」，在藝術創造中,除了情移的沖動以外,還有一種與之相反的沖動支配著,這便是「抽離的趨勢」。產生抽離的原因是因為人與環境之間存在著沖突,人們感受到空間的廣大與現象的紊亂,在心理上對空間懷有恐懼,並感到難以安身立命。人們的心靈既然不能在變化無常的外界現象中求得寧靜,祗有到藝術的形式里尋找慰藉。當然抽象主義的產生除了有逃避現實的因素外,還有受到工業、科學技術推動的原因。

達達主義在我看來是藝術史的一次小意外，卻也是一場驚天動地的變革。達達主義最初的含義是為了反對藝術，其中最著名的人物就是杜尚，他從不把藝術當回事，以滑稽幽默的方式給嚴肅的藝術開了一個巨大的玩笑而正是這種態度打破了一直以來藝術的遮羞布，藝術總被人們當做是一件多麼了不起的事物，而杜尚用自己的行動作品告訴我們，Art isnothing! 他顛覆了人們的慣性思考，隨手拿起的一個小便池放在了不同的環境就變成了一件藝術品！達達主義有其特殊的政治意識形態原因：第一次世界大戰期間，人們的日常生活和周邊環境遭到嚴重摧毀，導致精神上的崩潰，以往安閑平穩的繪畫面貌已經不再能夠打動人，達達主義用一種幻想和離奇的視覺形象來表達對世界的反映。

隨著社會的逐漸穩定，社會環境有了很大的提高，這一期間出現的畫派大都沒有太多革新，受著前面一些流派影響。值得一提的是包豪斯，1919年在德國成立的一所設計學院，世界上第一所完全為發展設計教育而建立的學院。雖然只經歷了短短的十四年，但在藝術史上卻有著重要的地位，包豪斯優越嚴謹的教學體系更是沿用至今。它本身就是一件藝術品，無論是外在還是內涵，都值得人們學習欣賞。一直被稱為20世紀最具影響力也最具有爭議的藝術院校，在當時它是烏托邦思想和精神的中心。它創建了現代設計的教育理念，取得了在藝術教育理論和實踐中無可辯駁的卓越成就。包豪斯的歷程就是現代設計誕生的歷程，也是在藝術和機械技術這兩個相去甚遠的門類見搭建橋梁的歷程。設計在藝術史上始終不能像繪畫那麼受人關注，而正是包豪斯，引發了人們對設計的重視，這也順應了工業高度發展的社會需求。

在此之後的藝術流派中不得不提的是抽象表現主義，在藝術內容上它沒有什麼巨大的創舉，但卻是第一個由美國興起的藝術運動。美國興起此藝術運動跟當時紐約想要取代巴黎成為世界藝術中心是有影響的。也是二戰之後西方藝術的第一個重要的運動，享有的地位無與倫比。它是戰後漫長風格實驗的開端，標志著一個新的時代的到來，自此之後的一段時期里，西方現代藝術的中心從巴黎轉移到了紐約。研究中國美術史也會發現，藝術中心往往代表著經濟中心，這也從側面的反映，隨著藝術中心的轉移，世界的經濟中心也發生了變化。

正像波普藝術，雖然起源於英國，真正發展至鼎盛卻是在美國，文化的傳承拋開不說，經濟在無形中猶如一張大手暗自操控著。美國波普藝術家聲稱他們所從事的大眾化藝術與美洲的原始藝術和印第安人的藝術類似，是美國文化傳統的延續和發展。波普藝術也是一個探討通俗文化與藝術之間關連的藝術運動。它試圖推翻抽象藝術並轉向符號，商標等具象的大眾文化主題。簡單來說，波普藝術是當今較底層藝術市場的前身。60年代，波普藝術的影響力量開始在英國和美國流傳，造就了許多當代的藝術家。後期的波普藝術幾乎都在探討美國的大眾文化。波普藝術特殊的地方在於它對於流行時尚有相當特別而且長久的影響力，不少服裝設計，平面設計師都直接或間接的從波普藝術中取得或剽竊靈感。 可以這樣說，在藝術精神上波普雖沒有深造，卻發展了藝術的其他道路。其中的代表人物是安迪.沃霍爾，他成了惡搞、前衛、瘋狂、流行、經典的代名詞。

伴隨著社會穩定，高科技的誕生也對藝術帶來了重大的影響，其中照相寫實就是一個最好的體現，而社會涌現的各種思潮也影響了藝術的發展。女性主義、激浪派、極少主義、地境藝術、塗鴉主義正是由各種社會思潮帶來的結果。

影響藝術的到來意味著人類已經邁入了科技時代，人類在科學技術領域里最偉大的進步，不是原子彈的爆炸和太空梭的上天，而是信息技術的發展；人類在藝術領域中最重在的突破，不是電影和電視技術的發明和發展，而是數碼影象技術的誕生。數字影象是真正的科學技術與文化藝術完美。接踵而來就是新媒介藝術，它將藝術變換了一種手段不再是單純的平面空間，而用動態改變了藝術一直以來的靜止。

藝術隨著歷史長河的流動也在不斷地向前發展，不管什麼時期的藝術，都是藝術家們用自己的方式傳遞著信息，可以是個人的，可以是社會的。藝術的發展也在經歷著大大小小的分裂合並，趨同創新。藝術史是人類歷史的另一種語言，它用美的形式撰寫了整個歷史的變遷，繪出了人類一個個前進的腳步！
希望採納

『捌』 名詞解釋：野獸派、表現派、立體派、未來派、達達派、超現實主義派、抽象派美術、波普藝術、新達達派。

野獸派 ：
野獸派也叫野獸主義(Fauvism)是自1898至1908年在法國盛行一時的一個現代繪畫潮流。它雖然沒有明確的理論和綱領，但卻是一定數量的畫家在一段時期里聚合起來積極活動的結果，因而也可以被視為一個畫派。野獸派畫家熱衷於運用鮮艷、濃重的色彩，往往用直接從顏料管中擠出的顏料，以直率、粗放的筆法，創造強烈的畫面效果，充分顯示出追求情感表達的表現主義傾向。

表現派：
表現派是二十世紀初葉興起於德國的藝術運動。18世紀法國啟蒙主義哲學家D·狄德羅在《關於演員的是非談》 表現派
一文中，談到演員表演時，主張刻苦鑽研人物性格，創造「理想典範」，在每次公演時，演員應准確地像一面鏡子那樣把這典範形象真實地重現在舞台上。他反對演員只憑天賦和敏感，主張冷靜和判斷力，依靠對四周物質世界與精神世界的現象進行勤勉的觀察，並用心模仿自然。19世紀法國演員哥格蘭繼承並發展了狄德羅的觀點，在《演員的雙重人格》一文中提出了「兩個自我」論，認為第一自我的演員始終冷靜地隨心所欲地控制著自己的創造物第二自我，不論角色應如何激動，演員「在竭盡全力、異常逼真地表現情感的同時，應當始終保持冷靜，不為所動」，不能讓角色「拐跑」。他認為第一自我是扮演者，是靈魂；第二自我是工具，是聲音和肉體。因此他主張演員要把工具鍛煉得像雕塑家手裡的一堆柔軟的粘土，可以讓扮演者隨心所欲地捏成各種形狀。他非常強調演員創造人物性格，要求演員鑽研劇本，理解角色，不僅外形相似，還要像角色那樣「走路、談話、傾聽」，用屬於角色的「那種腦筋來思想」。他的名言是「藝術不是『合一』，而是『表現』！」因而被稱為表現派。

立體派：
立體派是西方現代藝術史上的一個運動和流派。又譯為立方主義,1908年始於法國。這個名稱的出現含有偶然性。1908年,G.布拉克在卡恩韋勒畫廊展出作品,馬蒂斯批評勃拉克的畫是在描繪立方體.評論家L.活塞列斯在《吉爾.布拉斯》雜志上引用此話評論說:」布拉克先生將每件事物都還原了……成為立方體」,這種畫風因此得名。

未來派：
未來派(Futurism)，是由義大利詩人菲利波·托馬索·馬里奈締（Filippo Tomasso Marinetti)作為一個運動而提出和組織的。他在1909年整個一年中，向全世界發表了一個宣言，這個宣言以浮誇的文辭宣告過去藝術（過去派）的終點和未來藝術（未來派）的誕生。未來派的理論反映了一群義大利的年輕美術家要求創新的意圖。他們不滿足義大利文藝在19世紀停滯不前、落後於歐洲其他國家的狀況，希望本民族的文藝跟上前進的步伐。他們的藝術追求，也確實受到工業和科技革命鼓舞的一面。但是，未來主義又是在義大利民族主義情緒高漲的情況下出現的，它既多少反映了義大利民族自我覺醒和自我奮起的精神，又反映了這個民族在歷史轉折時期傍徨、不穩定、虛無和偏激的弱點。

達達派：
達達主義藝術運動是1916年至1923年間出現於法國、德國和瑞士的一種藝術流派。達達主義是一種無政府主義的藝術運動，它試圖通過廢除傳統的文化和美學形式發現真正的現實。達達主義由一群年輕的藝術家和反戰人士領導，他們通過反美學的作品和抗議活動表達了他們對資產階級價值觀和第一次世界大戰的絕望。關於「達達」一詞的由來，歷來眾說紛紜。有些人認為這是一個沒有實際意義的詞，有一些人則認為它來自羅馬尼亞藝術家查拉和詹可頻繁使用的口頭語「da, da」，在羅馬尼亞語中意為「是的，是的」。最流行的一種說法是，1916年，一群藝術家在蘇黎世集會，准備為他們的組織取個名字。他們隨便翻開一本法德詞典，任意選擇了一個詞，就是「dada」。在法語中，「達達」一詞意為兒童玩耍用的搖木馬。 因此，這場運動就被命名為「達達主義」，以昭顯其隨意性，而非一場一般意義上的「文藝運動」。

超現實主義派：
超現實主義是指人們在室內設計中追求並體現超現實的藝術再現。通過調動所有的設計手段，力求在有限的設計空間中創造出所謂的「無限空間」，體現出設計師在現實與理想的矛盾沖突中，渴望虛幻空間成為寄託自身困惑的載體。在超現實主義的室內空間中，注重奇特的造型、濃重的色彩和變幻莫測的燈光效果，突出其流動的線條以及抽象的裝飾圖案的藝術效果。

抽象派美術：
抽象表現主義(Abstract Expressionism)，即抽象藝術、抽象表現派、抽象主義、抽象派，又稱紐約畫派(The New York School)或行動畫派(Action Painting)，一般被了解為一種非直接描繪自然世界的藝術，反而透過形狀和顏色以主觀方式來表達。是二次大戰前的藝術運動，受超現實主義及繼承蘇俄構成主義的影響。20世紀初期，抽象藝術主要是指表達自然世界的藝術，譬如立體主義和未來派藝術。雖然奪取某事它不變的內在質量而不是由仿效它的外在表現。抽象派被定義為沒有比喻現實參考的藝術。更廣闊的定義是以簡化但又可以保留原始自然的方式來描述真實題材。Joan Miro的抽象畫是這個更寬的定義一個好例子。

波普藝術：
波普藝術是流行藝術（popular art)的簡稱，又稱新寫實主義，因為波普藝術（Pop Art）的POP通常被視為「流行的、時髦的」一詞（popular）的縮寫。它代表著一種流行文化。 在美國現代文明的影響下而產生的一種國際性藝術運動，多以社會上流的形象或戲劇中的偶然事件作為表現內容。它反映了戰後成長起來的青年一代的社會與文化價值觀，力求表現自我，追求標新立異的心理。

新達達派：
新達達(New Dada)，現代藝術流派。新達達追求的目標是在日常生活的意外現象或狀況與人們因此產生的直接反應之間，做一個批判性的分析。凡能表現藝術家思想的一切材料、環境和行為，畫家都可以拿來使用。因此，新達達與大眾寫實主義、新寫實主義等都不存在明顯的界限。
具有不同面目的新達達，可說都淵於杜尚的觀念。新達達的萌芽可追溯到50年代。到1960一1977年間成為西方各國美術家共同的實驗領域。達達藝術可以說是對日常物體做物理性的探討，而新達達除繼承其手法以外，則對於幻想與現實之間的關系，做進一步的精神分析和哲學性的探討。杜尚1962年在一封信里寫道：「新達達也就是有些人所說的新寫實主義、波普藝術、集合藝術等，是達達的余灰復燃而成的。我使用現成品是想侮辱傳統的美學，可是新達達卻乾脆接納現成品，並發現其中之美。」達達是以懷疑和破壞起家的，並沒有建設性的藝術創造，而新達達則想用能表達藝術家思想的視、聽、味、嗅、行為等作為媒介來創造新的藝術，這是他們之間的主要區別。

『玖』 抽象表現主義是人人能畫的藝術嗎你怎麼看

小朋友喜歡塗鴉，盡管他們沒有造型設計專業技能，但塗抹出的兒童繪畫作品，藝術的主要表現惟妙惟肖，鮮活而有意思。他們沒有藝術的認知，它的塗抹無拘無束，天馬行空的想像，手隨心動。少年兒童塗鴉，也是抽象化的藝術著作。小朋友可以抽象地塗鴉，更何況成人。

他嚮往單純的藝術表述。抽象表現主義美術繪畫，或抽象繪畫從外表來說，似乎是人人都能畫的藝術，因為它對造型設計工作能力的標准並不是乃至不要求，對顏色的冷色和暖色的需求也並不像寫實性和印象派繪畫那樣嚴苛，咋看上去很隨意，好像人人都能夠搞，沒有美術基礎知識也可以擔任，其實要不然。這就像我們的傳統書法一樣，一切會寫漢字得人都可以書法寫作，看上去門坎很低，事實上在藝術的行業里，要求越低的類別到後來對人規定越高。抽象表現主義美術繪畫也跟他們的書法藝術藝術一樣，它對一個人的本質文化修養，本人經驗和見識的標准非常高，看起來無意間，好的藝術家可以掌握的物品是許多的，它對藝術史的熟悉和了解，他對工藝美術時尚潮流的分辨和掌握，他們的本人氣場和涵養，都會影響到他創作的質量。因此，抽象表現主義藝術或抽象繪畫藝術的行業人人都能進到，但是想要好的成績和發展趨勢還要看自身後天性的拼搏和先天的才能。