公共空间装置艺术设计作品

㈠ 公共艺术

随着城市发展，城市公共空间的艺术情趣和社会功能越来越受到重视，人们对公共空间有了更高的精神需求，这就需要用艺术手段去结合当地的特征、人文历史、地理环境用艺术去赋予特定空间内的场所精神。

公共艺术是城市的思想，是一种当代文化的形态。简而言之，公共艺术指的是由艺术家为某个既定的特殊公共空间所创作的作品或者设计。它既体现了公众空间所要传达的艺术文化精神，同时带有独特的设计含义，进而也成为了当代艺术与文化教育中必不可少的一部分。

公共艺术不像其他艺术作品可以作为度立体被放置在艺术馆里展览，公共艺术的存在依托于环境，是对景观环境的视觉补充，公共性和开放性是公共艺术的最大特征。

公共艺术涉及的领域很广，它包含了视觉艺术、听觉艺术、环境艺术、行为艺术等一些前卫实验性艺术。但在大多数公共艺术作品中，主要在美术领域和视觉造型艺术领域内广泛使用。

公共艺术没有固定的艺术“形式”，它的规模可大可小，或十几米高的庞然大物，或仅是人们脚下的一段铺路。甚至连它的形态都不一定是实体的，一场演出、一个事件……可见公共艺术的形态是多样化的。

公共艺术最早至少可以追溯到古罗马时期广场上的公共雕塑。至今雕塑也是公共艺术的重要形式，例如人行道上的铜像，广场或公园的纪念碑。公共艺术也可包括公共空间里的各种艺术表现，例如建筑物；或是可以使用的物品与设施，如桌椅和路灯。

发展到今天，公共艺术作品在表现形式上已经不再拘泥于雕塑。

举个栗子~

作为公共艺术基金会的40周年纪念展，设计师Anish Kapoor最引人注目的作品“旋涡”于2017年5月第一次在纽约展出。

这件艺术品被放置在布鲁克林大桥公园，其特殊材料展现的巨大的旋涡状漏斗，与相邻的东河形成强烈对比。

Anish Kapoor作为这一代最有影响力的艺术家之一，将毕生精力投入到对空间的感知研究中，其最著名的作品都来自于他的公共艺术品。

此次的“旋涡”作品创造了消极动态的地面下降空间，打破了我们熟悉的对边界的感知。

装置位于纽约公园的中心地带，Anish Kapoor以这种非一般的形式激发我们纯粹的自然感知。此作品于2017年5月展出于布鲁克林大桥公园。

自1990中期以来，Kapoor 已经通过创造有透视感的，消失在墙壁或地板上的，或以某种方式破坏对物理世界假设的各种作品来探索空洞的概念。

“旋涡”实现了艺术家一直以来的愿望，即创造一个有能量的，不断运行的消极空间。被栏杆包围的水池直径26英尺，它将观察者的好奇心紧紧抓住。Kapoor将材料和物体固有物质转换，并试图以这种方式模糊自然，景观和艺术之间的界限，让我们有不同的感知体验。

“Anish Kapoor还提醒了我们会出现的一些偶然事件，即感觉会不可避免的欺骗我们。通过这个作品，设计师创造了一个积极的对象，与我们对世界的感知和体验产生共鸣，”Baume说道。“因此，Kapoor更感兴趣于我们所不了解的而不是我们所做的，并认识到对物体感知限制了人类的想象力。

公共艺术的表现形式有无限的可能性。比如加拿大建筑师珍•韦维尔的最新装置DANCE FLOOR，由5000多个金脚印构成，引导穿行的人自主的活动起来，鼓励人们以他们的跳舞方式进入蒙特利尔美术馆。

5000多个金脚印平铺在地面上，作为道路的一部分。虽然人们能够使用脚印引导人们跳舞，他们也可以自由使用和改变脚步。

相对于国内，国外的公共艺术作品在表现形式上较为丰富多样，其公共艺术的发展也更具艺术化和审美趣味，这些作品普遍的特点是：观念奇特、材料新颖、技术跨界、文化交融、构成简练。

国内的公共艺术多以雕塑、廊道、建筑或者场馆的方式出现，虽具备一定的观赏性，但是互动性较差。与国外相比，在新技术、新媒介的手段应用上大部分仍是空白的。

如芝加哥千禧公园中的皇冠喷泉，喷泉兼具纪念碑式视频雕塑与公共空间的双重功能，由西班牙艺术家Jaume Plensa设计，于2004年7月建成开放。

整租喷泉由两座玻璃砖塔和二者之间的黑色花岗岩反射池组成。相对的表面采用了LED视频技术。每年5月1日到10月31日的早上6点到晚上11点，天气许可的条件下喷泉都会正常工作。

Jaume Plensa的设计目的是建造一个可营造当地环境自然特性的、与社会有关联的，并且能保证芝加哥漫长冬季中喷泉活力的互动喷泉。

LED随机播放的人脸视频，来自对约1000位芝加哥各阶层人脸图像的采集，由芝加哥艺术学院的师生从2001年开始负责拍摄。

二元论一直是Jaume Plensa所要在作品中探讨的主题。喷泉设计中的两个面对面的人脸，随机播放在塔的LED屏幕上。在他的设计理念中，变换多样的人脸，可以体现出芝加哥不同种族和年龄段人群的多样性特征，反映城市社会文化的演变。

公共艺术的真正意义其实在于其个性化的艺术性及面向公众的感染力。

公共艺术在某种程度上可以改变所在地点的景观，突出某些特质而唤起人们对相关问题的思考与认识，从而展现城市的历史与价值，反映出艺术家对这个世界的看法。而国内的公共艺术大多是基于形态去设计的，如果无法打破形态的单一，公共艺术便等同于单纯的雕塑装置。

在这个意义上来说，公共艺术具有一种强大的力量，它改变了城市的面貌，能够长时间地影响着公众的精神状态与对周遭世界的认知;它也会成为城市身份的标识，在塑造城市的独特性格方面发挥极其重要的作用。

㈡ 2021灯光美陈夜空彩虹案例

不知不觉,夜空彩虹与各位又相互陪伴着走过一年。回顾2020,我们走遍全国各地,创造了许多有爱、有趣的创意灯光装置、灯画,也在许多领域进行新尝试、新合作。

01“羽之城”装绘新地标

类型:综合亮化;地点:广州番禺天河城

2020年末,夜空彩虹与番禺天河城艺术顾问共同为番禺天河城策划设计了以“一城·亿梦”为主题的全新室内外灯光氛围亮化及创意灯光装置,成功将番禺天河城打造成广州新网红地标。

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㈢ 福冈的著名雕塑和公共艺术作品有哪些

1. 大濠公园的“巨大金鱼”：艺术家宫本忠长所创作的雕塑，成为公园内的地标之一，吸引了众多游客驻足拍照。
2. 中洲的“心之灯”雕塑：象征爱的雕塑，位于中洲岸边，每到夜晚灯光亮起，成为夜景中的一部分。
3. 博多站前的“时间之钟”：装置艺术，融合了现代科技，展示了时间的流逝，吸引过往行人驻足观赏。
4. 福冈市美术馆前的“白色大象”雕塑：它的特殊形态和设计使其成为了城市公共艺术的一部分，常被用作展览空间。

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㈤ 改变空间的美国装置艺术家——Robert Irwin

Robert Irwin（生于1928年9月12日）是一位美国装置艺术家，他经常通过特定场地的建筑干预来探索感知和艺术条件，改变空间的物理，感官和时间体验。

Robert Irwin in the studio working on an early line painting, 1962 (© Marvin Silver, courtesy of Marvin Silver and Craig Krull Gallery) (click to enlarge)

他在20世纪50年代开始了他作为画家的职业生涯，但在20世纪60年代转向安装工作，成为先锋，他的工作有助于定义西海岸光与太空运动的美学和概念问题。他的早期作品经常使用光和纱布来改造画廊和博物馆空间，但自1975年以来，他还将景观项目纳入了他的实践。Irwin在盖特中心（1992-98），Dia：Beacon（1999-2003）以及德克萨斯州Marfa的Chinati基金会（2001-16）等机构构思了超过五十五个特定场地项目。洛杉矶当代艺术博物馆于1993年首次回顾了他的作品; 2008年，圣地亚哥当代艺术博物馆展出了另一个，他的职业生涯长达五十年。Irwin于1976年获得古根海姆奖学金，1984年3月获得麦克阿瑟奖学金，并于2007年当选为美国艺术与文学学院的成员。他在加利福尼亚州圣地亚哥生活和工作。

Robert Irwin, “Untitled” (1969), acrylic paint on shaped acrylic, 53 1/4 in. diam., installation view, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC (artwork © 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], New York, photo by Cathy Carver)

起点

Robert Irwin于1928年出生于加利福尼亚州长滩，Robert Irwin和Goldie Anderberg Irwin。从1946年到1947年在美国陆军服役后，他参加了几个艺术机构：1948年至1950年在洛杉矶的奥的斯艺术学院，1951年在杰普森艺术学院，以及1952年至1954年在洛杉矶的Chouinard艺术学院。他花了未来两年生活在欧洲和北非。1957年至1958年间，他在Chouinard艺术学院任教。

Installation view of “Band in Boston” (1962), “Bed of Roses” (partial) (1962), and “Untitled” (partial) (1962), in ‘Robert Irwin: All the Rules Will Change’ at the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (artworks © 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], New York, photo by Cathy Carver)

工作

1977年，罗伯特·欧文（Robert Irwin）写下了关于他自己的一些信息：“我开始作为一名画家在一个不知名的地方，几乎没有问题......我的第一个真正的问题涉及我画作的任意性......我用我的画作作为一步一步的过程，每一系列新作品都直接回应了前一系列提出的问题。我首先质疑商标作为意义然后作为焦点;然后我将框架作为遏制质疑，边缘作为我看到的开始和结束...考虑到没有任何东西真正超越其直接环境的可能性......我试图直接回应我所处的每种情况的质量，而不是将其批量转变为新的或理想的环境，而是直接参与其如何的性质当它充满真实和触觉事件时，一个空间怎么可能被认为是空的呢？”（Robert Irwin，1977）Robert Irwin的艺术概念源于一系列经验感知。作为一个抽象的，思想开明的思想家，他首先将经验作为感知或感觉呈现。他的结论是，一种认识感或识别能力有助于澄清感知。例如，“我们知道天空的蓝色，甚至在我们知道它是“蓝色”之前，更不用说“天空”了。

Installation view of “Untitled (Acrylic Column)” (1969–2011) and “Untitled (Acrylic Column)” (1969–2011), in ‘Robert Irwin: All the Rules Will Change’ (artwork © 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], New York, photo by Cathy Carver) (click to enlarge)

他后来解释说，抽象思想的概念是通过自我的概念在思想中发生的。然后，识别物理形式，将形式传达给社区。然后，客观化合物发生，描绘行为规范和艺术规范，变得可识别。然后边界和公理引入逻辑和推理，并且可以做出决定：归纳法或演绎法。形式主义随之而来，证明并说服了关于被感知对象的决定。Irwin所做的研究表明：“所有的想法和价值都源于经验，它们可以在任何时候分开，并在功能和使用的基础上直接发展，这两者实际上都与条件保持相关，我们的主观和客观存在。”Robert Irwin的哲学将他的艺术观念定义为一系列美学探究，文化创新的机会，与社会的交流互动，以及复杂的历史发展。

劳伦斯·韦斯勒勒 （ Lawrence Weschler）在他的着作“ 看见忘记了一件事的名字”中记录了欧文作为南加州年轻人的早期过程，以及他作为后抽象艺术世界的领导者的出现。Weschler在他的书的封面说明中描述了这些作品的迷人和常常令人着迷的品质：

Larry Bell's "6 x 6 An Improvisation", 2014

1980年5月，罗伯特·欧文回到加利福尼亚威尼斯的市场街，到那里他一直保留着一个工作室，直到1970年，他完全放弃了工作室的工作。Melinda Wyatt在他以前的工作空间隔壁的大楼里开了一家画廊，并邀请Irwin创建一个装置。

Robert Irwin’s Excursus: Homage to the Square³ at Dia: Beacon, Dia Art Foundation, June 1, 2015 – May 2017

他清理了大的长方形房间，调整了天窗，将墙壁漆成了白色，然后将面向街道的墙面敲了一下，用一块透明的半透明白色平纹棉布代替。房间似乎改变了它的方面与过去的一天：人们来了，坐在对面的路边，看着，有时几个小时。

由于他作品的短暂性或微妙性，本书不仅仅是一本介绍，而且对于许多艺术家和艺术学生来说，罗伯特·欧文的作品经历的主要方式。2007年，他告诉“纽约时报”的 Jori Finkel，人们仍然会在他的讲座上找他签名。在那篇文章中，曾任命欧文“设计我们的Dia：Beacon体验”的LACMA主任迈克尔·戈万表示，他相信这本书“已经说服了更多的年轻人成为艺术家而不是天鹅绒地下乐队创造了摇滚乐手”。

Similar to what Gabriel Dawe’s work, but no way related, here’s another series of colored string suspended to look like movement and reflection. Absolutely stunning and labor intensive, I would imagine.

绘画

欧文的早期作品始于绘画。1959年，他画了一系列手持物品，并作为个人参展商第二次在洛杉矶的Ferus画廊展出。次年，1960年，他被要求再次在帕萨迪纳艺术博物馆展出。到那时他开始了一系列连续的实验。1962年，他开始在加州大学洛杉矶分校教学，并再次在Ferus画廊展出。那一年，他开始了他的线条画。他于1964年在Ferus画廊展出并展示了他的点画作。

Robert Irwin. Installation view, Sprüth Magers, Los Angeles, January 23 - April 21, 2018. Courtesy the artist and Sprüth Magers. Photograph: Robert Wedemeyer.

在1966年至1967年间，他开始画铝盘。他被邀请作为纽约佩斯画廊的个人参展商。1968年，他开始在加州大学欧文分校任教。在接下来的两年里，他开始了他的工作，采用透明的亚克力圆盘，白色凸起结构固定在墙上，并用灯照亮。1970年，他开始研究“柱子”，这是一系列透明的丙烯酸柱。1972年，他开始研究西南地区的“视线”和“地方”。

Robert Irwin. Installation view, Sprüth Magers, Los Angeles, January 23 - April 21, 2018. Courtesy the artist and Sprüth Magers. Photograph: Robert Wedemeyer.

光作品

欧文在20世纪70年代首次使用荧光灯。他的场地条件装置Excursus：对Square3的敬意，对画家Josef Albers的冥想以及他对色彩关系的探索，于1998年至2000年间在Dia：Chelsea展出。它由18个小房间组成，被绷紧的纱布墙壁分开; 每个房间的灯光，其值取决于与窗户的距离，通过四个白色和彩色双荧光灯泡增强，每个灯泡垂直悬挂在每个墙壁的中心。 2015年，它在Dia：Beacon重新安装，并将在2017年继续展出。 2015年在纽约佩斯画廊举办的展览中，他安装了多排柱状灯，用彩色凝胶涂抹不同的灯管，改变光的传播。

Robert Irwin. Installation view, Sprüth Magers, Los Angeles, January 23 - April 21, 2018. Courtesy the artist and Sprüth Magers. Photograph: Robert Wedemeyer.

安装

自1968年以来，Irwin通过在房间，花园，公园，博物馆和各种城市场所创建装置，专注于场地本身。尤其受约翰·麦克劳林，欧文和其他光与空间艺术家的绘画影响，对于推动艺术和感知的界限变得充满好奇，在20世纪70年代，罗伯特·欧文离开工作室去追求直接涉及光的装置艺术和空间：视觉感知的基础，在室外和改良的室内场所。这些装置允许对艺术家和观众进行开放式探索，通过操纵环境的环境而不是保留个别艺术作品的范围来创造改变的体验。参与光与空间运动的其他艺术家包括John McCracken，James Turrell，Peter Alexander，Larry Bell，Craig Kauffman，Doug Wheeler，Maria Nordman等。

Light and Space, 2007

115 fluorescent lights

271 1/4 × 620 in

689 × 1574.8 cm

1970年，现代艺术博物馆邀请欧文创作装置。使用整个项目空间，Irwin悬挂了一块距离地面10英尺的白色平纹棉布，并在墙上贴上闪闪发光的不锈钢丝。1971年，沃克艺术中心委托艺术家为爱德华拉腊比巴恩斯设计的建筑的首次展览创作无题（倾斜/光/卷）。对于1974年在纽约佩斯画廊安装的软墙，欧文只需清洁并涂上一个长方形的画廊，并在其中一个长墙前面悬挂一个薄薄的，半透明的白色剧院十八分之一的网格，创造出一种效果。空荡荡的房间，一面墙似乎永远失焦。在艾伦纪念艺术博物馆入口走廊的永久性墙壁装置，无题 （1980）的尺寸恰好重复了对面的深层窗户。在20世纪80年代早期，欧文被邀请作为合作艺术家参与设计迈阿密国际机场的复兴和改善。1997年，他在圣地亚哥当代艺术博物馆的拉霍亚分馆改造了一个俯瞰太平洋的房间。为庆祝其成立125周年，印第安纳波利斯艺术博物馆委托欧文创作“光与空间III”（2008），从而成为第一个永久性室内装置艺术家的美国博物馆。对于这件作品，欧文在自动扶梯周围的墙壁上布置了不规则网格图案的荧光灯泡，两侧各有一层稀松布框架; 随着博物馆参观者在楼层之间上下移动，他们穿过这件作品。Trifecta（Joe's Bar＆Grill）是位于印第安纳州Fort Wayne的 瑞士再保险公司总部的三层永久灯具，于2012年落成。

1º 2 º 3 º 4º, 1997

Apertures cut into existing windows

115 × 320 × 221 in

292.1 × 812.8 × 561.3 cm

2013年底，欧文的一个33英尺高的丙烯酸柱在圣地亚哥联邦法院大楼揭幕，艺术家在法院的户外广场上与他的长期朋友和合作者，建筑师Martin Poirer和景观设计师Andrew Spurlock合作。这座三层楼高的丙烯酸立柱建于几十年前，但由于一系列不可预见的情况而从未给出适当的住所，当太阳穿过大厅时会折射光线和铸造颜色。柱子的制作和与材料有关的技术问题都由杰克布罗根执行，他是光与空间运动技术演变的核心人物。Brogan发明了将柱子抛光到所需透明度的挑战和技术，并且仍然是该领域的高水位标记。

Prism, 1971

Acrylic

143 7/10 × 5 9/10 × 5 9/10 in

365 × 15 × 15 cm

对于洛杉矶郡艺术博物馆（LACMA），欧文创建了一个原始棕榈树的户外装置（Primal Palm Garden ，2008-2010）以及一个室内36英尺长的荧光灯雕塑，Miracle Mile （2013），它每天24小时在它们后面发光。

Untitled, 1969

Acrylic lacquer on cast acrylic

53 × 24 1/2 in

134.6 × 62.2 cm

自从21世纪初开始工作并重新设计他的想法为Chinati基金会创建一个巨大的装置后，Irwin在Marfa的装置-一个约10,000平方英尺的U形建筑-将于2015年初开始，并在公众面前完成并向公众开放。该装置位于原军营军营医院的建筑物内，将成为自2004年以来第一个加入Chinati基金会的主要装置，以及第一个由Irwin专门致力于他的工作。

Yellow Jacket, 2015

6 ft. single pin-14 tubes and 6 ft. double pin-1 tubes, fluorescent light, colored gels

72 × 95 1/5 × 3 1/2 in

182.9 × 241.9 × 8.9 cm

其他装置包括：碎裂光-部分平纹棉麻织物-纽约现代艺术博物馆的眼睛水平（1970-1971）; 纽约惠特尼博物馆的黑线室部门+扩展表格（1977年）; 华盛顿特区旧邮政局的48架影子飞机（1983年）;升入法国巴黎现代艺术博物馆（Musee d'Art Moderne de Ville）（1994年）;和双钻石在法国里昂的当代艺术博物馆（1997-1998）。

Sculpture/Configuration 2T 3L, 2018

Acrylic

119 × 36 × 32 in

302.3 × 91.4 × 81.3 cm

景观项目

Irwin在开发了一个体验空间的风格之后转向了景观项目，将他所学到的线条，颜色以及最重要的光线投射到建筑环境中。自1975年以来，Irwin已经构思了五十五个网站项目。9空间9树（1980-3）最初由西雅图艺术委员会于1980年委托为公共安全大楼的屋顶; 它于2007年重新设想，并位于华盛顿大学的校园内。Irwin的Filigreed Line（1979）为马萨诸塞州韦尔斯利学院制作，由一条不锈钢线组成，沿着湖边的草脊延伸，在其中切割出一些叶状的图案。他的1983年作品“ Two Running Violet V Forms” ，两个穿越蓝色紫罗兰色的塑料涂层铁丝网，用高杆固定，是圣地亚哥加州大学校园内Stuart系列公共艺术品的一部分。对于位于帕萨迪纳市政中心区的 Sentinel Plaza（1990），Irwin选择了小型沙漠植物和仙人掌。他后来咨询了Dia：Beacon的总体规划，特别是创造了室外空间的设计和景观，以及入口建筑和窗户设计。

#4 x 8FT. FOUR FOLD, 2012

Light+shadow+reflection+color

96 × 17 1/4 × 4 1/4 in

243.8 × 43.8 × 10.8 cm

后来他在洛杉矶盖蒂中心设计并开发了中央花园，建于1997年。在中央花园，欧文将体验关系与建筑环境融为一体的概念非常清晰。那些经验元素填补了空间。该项目因其设计和流程而受到广泛赞誉。134,000平方英尺（12,400平方米）的设计拥有天然的峡谷和绿树成荫的走道，引导游客体验景点，声音和气味。他选择了花园里的所有东西来突出光线，色彩和反射的相互作用。规划始于1992年，是盖蒂中心项目的重要组成部分。自该中心于1997年开业以来，中央花园随着植物的发展而不断发展。欧文的声明，“永远改变，永远不会两次相同”，刻在广场楼层，提醒游客这种生活艺术的不断变化的本质。令艺术家感到沮丧的是，20世纪50年代的FernandLéger雕塑被放置在花园的广场上。

Swiss Made, 2015

Fluorescent light, colored gels

72 × 95 3/10 × 3 1/2 in

183 × 242 × 9 cm

Irwin最近完成了2007年洛杉矶郡艺术博物馆安装原始棕榈园的第二阶段。棕榈园以“T”形排列，东西轴线介于两者之间。周围，广泛的当代艺术博物馆和Resnick亭。南北轴线以日期手掌网格终止，作为艺术家Chris Burden的Urban Light装置的对位。欧文长期以来一直对棕榈树如何捕捉和反映南加州的光线感兴趣; 设计棕榈园为Irwin提供了一个机会，可以同时掌握手掌的现象和文化观念。个别种类的棕榈树种植在Cor-Ten箱子中，现代和正式的普通木质育苗箱。雕塑容器参考传统上表示艺术品的基座。Irwin对棕榈树的使用考虑了棕榈树和洛杉矶图像之间无处不在的标志性连接。