Ⅰ 多面设计大师陈幼坚——别树一帜的“东情西韵”
提到中国设计，至今很多日本设计名流仍会记起2002年在东京举办的，一场名为“东情西韵”的个人设计展，作品揉合“西方美学”和“东方文化”的表现手法，被亚洲乃至全球设计界津津乐道。而“东情西韵”，也成了这个获奖无数、香港殿堂级设计大师被人们熟知的标签。
他就是集设计师、艺术家、收藏家、商人、摄影师等多重身份于一体的香港新派绅士——陈幼坚。 “创意造物人”第五期 关注—— 助推中国设计国际化的设计大师 陈幼坚 的多面人生。
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| 香港水果店里的艺术启蒙 |
陈幼坚 ，香港设计大师，国际上极具代表性的华人设计师之一，其树立的“东情西韵”设计理念，深受设计界推崇。作品既有可口可乐、李锦记、香港国际机场、万科等品牌设计形象体系，也包含上海外滩3号水疗中心、香港大快活餐厅等商业场所的空间形象。
数十年来，陈幼坚及其设计团队，获得各类设计奖600多个，1996年被设计界视为“圣经”的《Graphis》杂志选为当年世界十大最佳设计公司之一。
人们好奇这样一位设计天才，是自带超凡禀赋，还是教育使然。
按照陈幼坚自己的讲述，除了20岁开始涉猎设计行业时半工半读，上了十个月的夜间设计课程外，并没有接受过其他设计类正规教育。就连这种业余学习，也因为觉得学校教太慢，不如公司学得快而放弃了。
小时候，陈幼坚起初在一个传统的中文小学上学，成绩不大好，还会被老师批评，家人便把他转到一个天主教洋学堂，之后陈幼坚成绩出人意料地名列全班前茅。后来他升入西方文化浓厚的嘉道理爵士中学，期间品学兼优，还参加了很多学校活动，打篮球、歌咏比赛、田径运动。每逢圣诞节、新年等隆重节日，陈幼坚还会负责张罗会场的布置。
但不久陈幼坚辍学了，去做了十个月的代课老师，因为无法忍受循规蹈矩的教学工作，没过多久就辞职了。
这以后，20岁的陈幼坚才真正开始进入设计行业。彼时，在东西方文化融合的香港，广告设计行业正随着经济发展日益革新，大多广告公司都是外资企业。借助在洋学堂打下的英语底子，他到了一家外资广告公司谋职。也就是在此期间接受了短短十个月、人生中唯一一段的设计教育。
放弃了学校的设计教育，广告公司成了陈幼坚的学堂。“后来我一直努力工作，加班加班再加班”。
没经过正规设计教育的陈幼坚，认为自己在艺术方面的确是有天赋的，也肯定天赋对于设计师、艺术家的重要性。“没有天赋靠后天培养也可以，如果你努力的话。但如果你有天赋，你一定会跳出来。”
陈幼坚觉得，自己的艺术天分可能来自父亲。
陈幼坚出生于1950年，成长在一个香港水果商人家庭，正是这样一个普通的原生家庭，建立起了陈幼坚对美工设计的最初印象。
陈幼坚的父亲，1940年代从广东到达香港，靠水果店卖水果谋生。“50年代，家里不是很有钱，家具都是爸爸用装水果的木头箱子来制作的。箱子还可以拼成一大块板，做家里的衣柜。”
不到十岁，陈幼坚就会像小助手一样待在父亲旁边，看父亲做这些零碎而有趣的事。陈幼坚说，过年过节的时候，父亲还会写春联，贴在水果店里，“他有艺术的天分，我的美术天分来自爸爸”。
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| 别树一帜的“东情西韵” |
有天分又努力，再加上当时东西方文化碰撞下的香港大环境，让陈幼坚逐渐有了自己的 “东情西韵”风格。
二十世纪六、七十年代的香港，中上层社会崇尚西方文化，优秀的广告创意几乎都是舶来品，不少外国广告人、创作人来到香港寻找机会。他们带动了香港广告业的发展，也培养了一批本土广告人才。
“之所以八十年代广告界、设计界出现了人才济济的景象，或多或少要归功于这些有品味又愿意倾囊相授的洋人。” 陈幼坚说，他从1970年代开始陆续加入的六个广告公司都是外资企业，相当于拜洋人为师，并且他们都在不同领域有专长。“有的文案很好，有的拍照片很好，有一个插画非常好，有一个字体很好，有一个是观点非常好。”
陈幼坚从这些来自英国、美国、澳大利亚等等不同地方的老板身上，学到国际化的语言，也逐渐开始从异国文化的角度审视中国东方文化的韵味。
直到1980年，30岁的陈幼坚带着多家广告公司积累的多元化设计思维，和妻子一起在香港成立了自己的达尔讯广告公司。陈幼坚有了一个设计师之外的身份——商人陈幼坚。6年后，又成立了陈幼坚广告设计公司。
在经营公司的过程中，陈幼坚逐渐为自己的设计思维找到了新的定位——东西文化交融的“东情西韵”，以及面向市场的商业设计思维。
陈幼坚认为，设计创作要将传统元素和现代设计手段二者配合得恰到好处，才能体现出中国传统文化的真正内涵。
陈幼坚凭借着自己的艺术天分和敏锐的设计才能，斩获了很多香港及海外的设计奖项。在46岁陈幼坚那年，他的广告设计公司被美国《平面（Graphis）》杂志评为当年全球十大设计公司之一，是这十大公司中唯一一家华人企业。
2002年，他在日本举办了个展“东情西韵”，他自认为这个展览比所获得荣誉更能涵括他的设计特点和艺术追求。在日本的设计界，他的名声就好比成龙在世界演艺界那么有名。
后来，陈幼坚回到内地，并且目前公司的一大半项目都内地不同城市，也陆续在北京、上海举办了个展。有人说他俨然像是设计界的马云。
评论家们说，陈幼坚把东西方的设计元素互相交融，柔美、雅致、深邃。他是一位名符其实的商业设计师，喜欢从不同的角度考虑作品的视觉效果，既不使作品成为纯艺术的展示，也不让作品完全放弃艺术性陷入市场营销的套路，而是让作品既面对市场，又满足客户的审美需求。
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| 设计师？艺术家？收藏家？商人？ |
陈幼坚的设计语言别树一帜，个人装扮、举止也颇具标签性。做工考究的衣衫，一副招牌圆眼镜，山羊胡，礼貌而帅气的微笑，不太标准的普通话，以及典型的香港人的礼貌和周全。
见过陈幼坚的人大概都有类似的印象——他会与每一位工作人员打招呼寒暄，整个人就像他的设计作品，带着一丝港式的洋气和东西结合的“混血气息”。熟识他的人会说，“动时，他是鬼马水瓶座老顽童；静时，他是老香港老上海电影里的绅士”。
这样有辨识度的一个人，却很难给他找到一个合适的职业标签。设计师？艺术家？收藏家？商人？摄影师？画廊主？好像都不准确，他的人生是如此多面、丰富。
在他的设计作品中，最为被人们熟知的，应该就是可口可乐在2003年启用的中文标识。这个参照原版英文标识设计的作品，线条流畅，充分体现了陈幼坚融合东西方文化的简介的设计思路。
早在80年代，陈幼坚还曾为众多香港明星设计唱片封套、演唱会海报——张国荣、梅艳芳、张学友。可以说陈幼坚的设计一定程度上推动了香港娱乐文化的发展。
提到张国荣，陈幼坚在一次采访中说，“那时他赚的还不太多，当时我已经开始穿名牌了，他还没有。他还会请我去他家里吃饭”。“我们不算是很好的朋友，但是我们心灵上，沟通得很畅快”。
至今陈幼坚还保留着自己借给张国荣拍过唱片封套的外套。
很多北京设计圈的人，对2012年陈幼坚在北京798新时代画廊举办的“iEye 爱 –陈幼坚iPhone摄影展”还有印象。那会儿很多人才知道，陈幼坚除了设计师、艺术家、商人的标签，还是一个摄影爱好者。
当时展出的摄影作品，也延续了他的一贯风格，用西方的iPhone这一摄影工具，来拍摄中国传统建筑，反映中国人的生存环境及状态。
陈幼坚另一个为人熟知的身份，是收藏家陈幼坚。 “从20年前的潘家园到现在的潘家园，再到上海的豫园，伦敦的Portobello Road等等，我买了很多垃圾、假货，也买了很多好东西。”
陈幼坚并不忌讳艺术品投资，他很风趣地说，投资和找老公是一个原理，“就好比我和我妻子，开始拍拖的时候我还是个打工仔，存款两三万都不到，而妻子身边的男性朋友都开跑车过来送她吃饭，可是她却唯独看上了我，也就是投资了我。”
陈幼坚在上海开了家外之家“27”这样特别的生活概念店。他说建“27”目的是将他生活真实的状态和大家分享，也希望这个空间能够给年轻人提供更大的平台，去潜心做他们的创意。
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| 65至75岁，艺术的黄金十年 |
时间对陈幼坚似乎格外优待，如今他看上去依然是气定神闲的绅士，不过可能是时常前往上海的缘故，多了几分上海“老克拉”的“腔调”。
陈幼坚曾向外界公开称，他将会把自己从65岁至75岁的十年，定位为做艺术的黄金十年，从设计界延展到艺术领域。“六十多岁以后，用十年考虑自己的身后事，用奉献的状态去讲课，去做艺术空间”。
发展艺术也许是陈幼坚钟爱设计的升华。“我发展艺术，也不代表放弃设计，只是要减少一点，精挑细选。”
对视觉艺术的探索是陈幼坚的乐趣所在，他从平面设计走来，又走向空间设计和艺术装置设计，再到对大艺术的钟情，无论是哪类作品形象都深刻传递出陈幼坚对东方文化的宠爱之情，以及他如何表达“融合表达，亲近天然”的美学理念。
对于自己的设计师、艺术家等多面“人设”，陈幼坚说，自己原本就是典型的水瓶座个性，整天在变，是个“花心”的男人，因为不“花心”不可能有这么多创意项目。如果整天在同一个类型上，自己会不开心。“所以一直在跨界，这允许我跨越原有行为达到另一状态，允许我从框框里跳出来”。
而这种随心而为，却也讲究“坚持”二字。回顾自己46年的设计、艺术生涯时，陈幼坚说自己每一天都没有停过，跑到这个阶段，很有使命感，一直没放弃。“人生就是这样，不断寻找，不断增加自己的能量，从外表到内心。我应该利用我有生的时间，将我学来的东西进行分享。”
“从第一天20多岁出来打工到现在，可以有今天，我非常感恩”。
就在前年，陈幼坚这样描述自己现在的状态，“我不是很有钱，但是我生活很安定，我觉得人生不需要很多钱。我有两个公寓、两部车，有一个太太，两个小孩，我的妈妈还在，94岁了，基本上我非常满足现有的一切。”
撰文：慕容MA
Ⅱ 改变空间的美国装置艺术家——Robert Irwin
Robert Irwin（生于1928年9月12日）是一位美国装置艺术家，他经常通过特定场地的建筑干预来探索感知和艺术条件，改变空间的物理，感官和时间体验。
Robert Irwin in the studio working on an early line painting, 1962 (© Marvin Silver, courtesy of Marvin Silver and Craig Krull Gallery) (click to enlarge)
他在20世纪50年代开始了他作为画家的职业生涯，但在20世纪60年代转向安装工作，成为先锋，他的工作有助于定义西海岸光与太空运动的美学和概念问题。他的早期作品经常使用光和纱布来改造画廊和博物馆空间，但自1975年以来，他还将景观项目纳入了他的实践。Irwin在盖特中心（1992-98），Dia：Beacon（1999-2003）以及德克萨斯州Marfa的Chinati基金会（2001-16）等机构构思了超过五十五个特定场地项目。洛杉矶当代艺术博物馆于1993年首次回顾了他的作品; 2008年，圣地亚哥当代艺术博物馆展出了另一个，他的职业生涯长达五十年。Irwin于1976年获得古根海姆奖学金，1984年3月获得麦克阿瑟奖学金，并于2007年当选为美国艺术与文学学院的成员。他在加利福尼亚州圣地亚哥生活和工作。
Robert Irwin, “Untitled” (1969), acrylic paint on shaped acrylic, 53 1/4 in. diam., installation view, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC (artwork © 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], New York, photo by Cathy Carver)
起点
Robert Irwin于1928年出生于加利福尼亚州长滩，Robert Irwin和Goldie Anderberg Irwin。从1946年到1947年在美国陆军服役后，他参加了几个艺术机构：1948年至1950年在洛杉矶的奥的斯艺术学院，1951年在杰普森艺术学院，以及1952年至1954年在洛杉矶的Chouinard艺术学院。他花了未来两年生活在欧洲和北非。1957年至1958年间，他在Chouinard艺术学院任教。
Installation view of “Band in Boston” (1962), “Bed of Roses” (partial) (1962), and “Untitled” (partial) (1962), in ‘Robert Irwin: All the Rules Will Change’ at the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (artworks © 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], New York, photo by Cathy Carver)
工作
1977年，罗伯特·欧文（Robert Irwin）写下了关于他自己的一些信息：“我开始作为一名画家在一个不知名的地方，几乎没有问题......我的第一个真正的问题涉及我画作的任意性......我用我的画作作为一步一步的过程，每一系列新作品都直接回应了前一系列提出的问题。我首先质疑商标作为意义然后作为焦点;然后我将框架作为遏制质疑，边缘作为我看到的开始和结束...考虑到没有任何东西真正超越其直接环境的可能性......我试图直接回应我所处的每种情况的质量，而不是将其批量转变为新的或理想的环境，而是直接参与其如何的性质当它充满真实和触觉事件时，一个空间怎么可能被认为是空的呢？”（Robert Irwin，1977）Robert Irwin的艺术概念源于一系列经验感知。作为一个抽象的，思想开明的思想家，他首先将经验作为感知或感觉呈现。他的结论是，一种认识感或识别能力有助于澄清感知。例如，“我们知道天空的蓝色，甚至在我们知道它是“蓝色”之前，更不用说“天空”了。
Installation view of “Untitled (Acrylic Column)” (1969–2011) and “Untitled (Acrylic Column)” (1969–2011), in ‘Robert Irwin: All the Rules Will Change’ (artwork © 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], New York, photo by Cathy Carver) (click to enlarge)
他后来解释说，抽象思想的概念是通过自我的概念在思想中发生的。然后，识别物理形式，将形式传达给社区。然后，客观化合物发生，描绘行为规范和艺术规范，变得可识别。然后边界和公理引入逻辑和推理，并且可以做出决定：归纳法或演绎法。形式主义随之而来，证明并说服了关于被感知对象的决定。Irwin所做的研究表明：“所有的想法和价值都源于经验，它们可以在任何时候分开，并在功能和使用的基础上直接发展，这两者实际上都与条件保持相关，我们的主观和客观存在。”Robert Irwin的哲学将他的艺术观念定义为一系列美学探究，文化创新的机会，与社会的交流互动，以及复杂的历史发展。
劳伦斯·韦斯勒勒 （ Lawrence Weschler）在他的着作“ 看见忘记了一件事的名字”中记录了欧文作为南加州年轻人的早期过程，以及他作为后抽象艺术世界的领导者的出现。Weschler在他的书的封面说明中描述了这些作品的迷人和常常令人着迷的品质：
Larry Bell's "6 x 6 An Improvisation", 2014
1980年5月，罗伯特·欧文回到加利福尼亚威尼斯的市场街，到那里他一直保留着一个工作室，直到1970年，他完全放弃了工作室的工作。Melinda Wyatt在他以前的工作空间隔壁的大楼里开了一家画廊，并邀请Irwin创建一个装置。
Robert Irwin’s Excursus: Homage to the Square³ at Dia: Beacon, Dia Art Foundation, June 1, 2015 – May 2017
他清理了大的长方形房间，调整了天窗，将墙壁漆成了白色，然后将面向街道的墙面敲了一下，用一块透明的半透明白色平纹棉布代替。房间似乎改变了它的方面与过去的一天：人们来了，坐在对面的路边，看着，有时几个小时。
由于他作品的短暂性或微妙性，本书不仅仅是一本介绍，而且对于许多艺术家和艺术学生来说，罗伯特·欧文的作品经历的主要方式。2007年，他告诉“纽约时报”的 Jori Finkel，人们仍然会在他的讲座上找他签名。在那篇文章中，曾任命欧文“设计我们的Dia：Beacon体验”的LACMA主任迈克尔·戈万表示，他相信这本书“已经说服了更多的年轻人成为艺术家而不是天鹅绒地下乐队创造了摇滚乐手”。
Similar to what Gabriel Dawe’s work, but no way related, here’s another series of colored string suspended to look like movement and reflection. Absolutely stunning and labor intensive, I would imagine.
绘画
欧文的早期作品始于绘画。1959年，他画了一系列手持物品，并作为个人参展商第二次在洛杉矶的Ferus画廊展出。次年，1960年，他被要求再次在帕萨迪纳艺术博物馆展出。到那时他开始了一系列连续的实验。1962年，他开始在加州大学洛杉矶分校教学，并再次在Ferus画廊展出。那一年，他开始了他的线条画。他于1964年在Ferus画廊展出并展示了他的点画作。
Robert Irwin. Installation view, Sprüth Magers, Los Angeles, January 23 - April 21, 2018. Courtesy the artist and Sprüth Magers. Photograph: Robert Wedemeyer.
在1966年至1967年间，他开始画铝盘。他被邀请作为纽约佩斯画廊的个人参展商。1968年，他开始在加州大学欧文分校任教。在接下来的两年里，他开始了他的工作，采用透明的亚克力圆盘，白色凸起结构固定在墙上，并用灯照亮。1970年，他开始研究“柱子”，这是一系列透明的丙烯酸柱。1972年，他开始研究西南地区的“视线”和“地方”。
Robert Irwin. Installation view, Sprüth Magers, Los Angeles, January 23 - April 21, 2018. Courtesy the artist and Sprüth Magers. Photograph: Robert Wedemeyer.
光作品
欧文在20世纪70年代首次使用荧光灯。他的场地条件装置Excursus：对Square3的敬意，对画家Josef Albers的冥想以及他对色彩关系的探索，于1998年至2000年间在Dia：Chelsea展出。它由18个小房间组成，被绷紧的纱布墙壁分开; 每个房间的灯光，其值取决于与窗户的距离，通过四个白色和彩色双荧光灯泡增强，每个灯泡垂直悬挂在每个墙壁的中心。 2015年，它在Dia：Beacon重新安装，并将在2017年继续展出。 2015年在纽约佩斯画廊举办的展览中，他安装了多排柱状灯，用彩色凝胶涂抹不同的灯管，改变光的传播。
Robert Irwin. Installation view, Sprüth Magers, Los Angeles, January 23 - April 21, 2018. Courtesy the artist and Sprüth Magers. Photograph: Robert Wedemeyer.
安装
自1968年以来，Irwin通过在房间，花园，公园，博物馆和各种城市场所创建装置，专注于场地本身。尤其受约翰·麦克劳林，欧文和其他光与空间艺术家的绘画影响，对于推动艺术和感知的界限变得充满好奇，在20世纪70年代，罗伯特·欧文离开工作室去追求直接涉及光的装置艺术和空间：视觉感知的基础，在室外和改良的室内场所。这些装置允许对艺术家和观众进行开放式探索，通过操纵环境的环境而不是保留个别艺术作品的范围来创造改变的体验。参与光与空间运动的其他艺术家包括John McCracken，James Turrell，Peter Alexander，Larry Bell，Craig Kauffman，Doug Wheeler，Maria Nordman等。
Light and Space, 2007
115 fluorescent lights
271 1/4 × 620 in
689 × 1574.8 cm
1970年，现代艺术博物馆邀请欧文创作装置。使用整个项目空间，Irwin悬挂了一块距离地面10英尺的白色平纹棉布，并在墙上贴上闪闪发光的不锈钢丝。1971年，沃克艺术中心委托艺术家为爱德华拉腊比巴恩斯设计的建筑的首次展览创作无题（倾斜/光/卷）。对于1974年在纽约佩斯画廊安装的软墙，欧文只需清洁并涂上一个长方形的画廊，并在其中一个长墙前面悬挂一个薄薄的，半透明的白色剧院十八分之一的网格，创造出一种效果。空荡荡的房间，一面墙似乎永远失焦。在艾伦纪念艺术博物馆入口走廊的永久性墙壁装置，无题 （1980）的尺寸恰好重复了对面的深层窗户。在20世纪80年代早期，欧文被邀请作为合作艺术家参与设计迈阿密国际机场的复兴和改善。1997年，他在圣地亚哥当代艺术博物馆的拉霍亚分馆改造了一个俯瞰太平洋的房间。为庆祝其成立125周年，印第安纳波利斯艺术博物馆委托欧文创作“光与空间III”（2008），从而成为第一个永久性室内装置艺术家的美国博物馆。对于这件作品，欧文在自动扶梯周围的墙壁上布置了不规则网格图案的荧光灯泡，两侧各有一层稀松布框架; 随着博物馆参观者在楼层之间上下移动，他们穿过这件作品。Trifecta（Joe's Bar＆Grill）是位于印第安纳州Fort Wayne的 瑞士再保险公司总部的三层永久灯具，于2012年落成。
1º 2 º 3 º 4º, 1997
Apertures cut into existing windows
115 × 320 × 221 in
292.1 × 812.8 × 561.3 cm
2013年底，欧文的一个33英尺高的丙烯酸柱在圣地亚哥联邦法院大楼揭幕，艺术家在法院的户外广场上与他的长期朋友和合作者，建筑师Martin Poirer和景观设计师Andrew Spurlock合作。这座三层楼高的丙烯酸立柱建于几十年前，但由于一系列不可预见的情况而从未给出适当的住所，当太阳穿过大厅时会折射光线和铸造颜色。柱子的制作和与材料有关的技术问题都由杰克布罗根执行，他是光与空间运动技术演变的核心人物。Brogan发明了将柱子抛光到所需透明度的挑战和技术，并且仍然是该领域的高水位标记。
Prism, 1971
Acrylic
143 7/10 × 5 9/10 × 5 9/10 in
365 × 15 × 15 cm
对于洛杉矶郡艺术博物馆（LACMA），欧文创建了一个原始棕榈树的户外装置（Primal Palm Garden ，2008-2010）以及一个室内36英尺长的荧光灯雕塑，Miracle Mile （2013），它每天24小时在它们后面发光。
Untitled, 1969
Acrylic lacquer on cast acrylic
53 × 24 1/2 in
134.6 × 62.2 cm
自从21世纪初开始工作并重新设计他的想法为Chinati基金会创建一个巨大的装置后，Irwin在Marfa的装置-一个约10,000平方英尺的U形建筑-将于2015年初开始，并在公众面前完成并向公众开放。该装置位于原军营军营医院的建筑物内，将成为自2004年以来第一个加入Chinati基金会的主要装置，以及第一个由Irwin专门致力于他的工作。
Yellow Jacket, 2015
6 ft. single pin-14 tubes and 6 ft. double pin-1 tubes, fluorescent light, colored gels
72 × 95 1/5 × 3 1/2 in
182.9 × 241.9 × 8.9 cm
其他装置包括：碎裂光-部分平纹棉麻织物-纽约现代艺术博物馆的眼睛水平（1970-1971）; 纽约惠特尼博物馆的黑线室部门+扩展表格（1977年）; 华盛顿特区旧邮政局的48架影子飞机（1983年）;升入法国巴黎现代艺术博物馆（Musee d'Art Moderne de Ville）（1994年）;和双钻石在法国里昂的当代艺术博物馆（1997-1998）。
Sculpture/Configuration 2T 3L, 2018
Acrylic
119 × 36 × 32 in
302.3 × 91.4 × 81.3 cm
景观项目
Irwin在开发了一个体验空间的风格之后转向了景观项目，将他所学到的线条，颜色以及最重要的光线投射到建筑环境中。自1975年以来，Irwin已经构思了五十五个网站项目。9空间9树（1980-3）最初由西雅图艺术委员会于1980年委托为公共安全大楼的屋顶; 它于2007年重新设想，并位于华盛顿大学的校园内。Irwin的Filigreed Line（1979）为马萨诸塞州韦尔斯利学院制作，由一条不锈钢线组成，沿着湖边的草脊延伸，在其中切割出一些叶状的图案。他的1983年作品“ Two Running Violet V Forms” ，两个穿越蓝色紫罗兰色的塑料涂层铁丝网，用高杆固定，是圣地亚哥加州大学校园内Stuart系列公共艺术品的一部分。对于位于帕萨迪纳市政中心区的 Sentinel Plaza（1990），Irwin选择了小型沙漠植物和仙人掌。他后来咨询了Dia：Beacon的总体规划，特别是创造了室外空间的设计和景观，以及入口建筑和窗户设计。
#4 x 8FT. FOUR FOLD, 2012
Light+shadow+reflection+color
96 × 17 1/4 × 4 1/4 in
243.8 × 43.8 × 10.8 cm
后来他在洛杉矶盖蒂中心设计并开发了中央花园，建于1997年。在中央花园，欧文将体验关系与建筑环境融为一体的概念非常清晰。那些经验元素填补了空间。该项目因其设计和流程而受到广泛赞誉。134,000平方英尺（12,400平方米）的设计拥有天然的峡谷和绿树成荫的走道，引导游客体验景点，声音和气味。他选择了花园里的所有东西来突出光线，色彩和反射的相互作用。规划始于1992年，是盖蒂中心项目的重要组成部分。自该中心于1997年开业以来，中央花园随着植物的发展而不断发展。欧文的声明，“永远改变，永远不会两次相同”，刻在广场楼层，提醒游客这种生活艺术的不断变化的本质。令艺术家感到沮丧的是，20世纪50年代的FernandLéger雕塑被放置在花园的广场上。
Swiss Made, 2015
Fluorescent light, colored gels
72 × 95 3/10 × 3 1/2 in
183 × 242 × 9 cm
Irwin最近完成了2007年洛杉矶郡艺术博物馆安装原始棕榈园的第二阶段。棕榈园以“T”形排列，东西轴线介于两者之间。周围，广泛的当代艺术博物馆和Resnick亭。南北轴线以日期手掌网格终止，作为艺术家Chris Burden的Urban Light装置的对位。欧文长期以来一直对棕榈树如何捕捉和反映南加州的光线感兴趣; 设计棕榈园为Irwin提供了一个机会，可以同时掌握手掌的现象和文化观念。个别种类的棕榈树种植在Cor-Ten箱子中，现代和正式的普通木质育苗箱。雕塑容器参考传统上表示艺术品的基座。Irwin对棕榈树的使用考虑了棕榈树和洛杉矶图像之间无处不在的标志性连接。