❶ 这6部日本科普纪录片，保管孩子看得停不下来，惊呼连连
作者：川妈
大家都知道，日本的科学教育一直都是走在世界前列的。这也难怪为啥日本会出现“诺奖井喷”的现象——
迄今为止，日本已经获得了27个诺贝尔奖，而在迈入21世纪的最初20年里，更是平均每年都会获得1枚诺贝尔奖牌。
那日本的科学教育到底牛在哪呢？我觉得，或许从他们制作的这些儿童科普纪录片里，我们就能找到答案。
1、啊！设计
2、像乌鸦一样思考
3、大科学实验
4、献给未来的科学家们
5、毕达哥拉斯装置 迷你特辑
6、王牌儿童科普节目 TEXICO
01 啊！设计
每集时长：15min
适合年龄：4岁+
NHK的一档经典设计节目，联合多位日本顶尖设计师，将复杂的设计美学掰开了、揉碎了讲给孩子听。
隈研吾、原研哉、深泽直人……还有大名鼎鼎的佐藤卓，日本设计界的半壁江山都在这儿了
这个节目把视角聚焦在 “生活应用” 上，让孩子透过生活物品、活动空间领会设计的基础内涵—— 设计源于生活，服务生活。
它的小版块很多，每个也就几秒钟，并不固定在每集出现；旁白也很少，主要是通过图片和视频，让孩子感悟设计之美。
①设计的观察
这个版块 用特写和对比的镜头，呈现出了事物本来的样子。
你发现了吗？同样多的水，倒在不同的杯子里，高度却不一样：
不同材质的球，滚动、掉落的速度和样子，也不一样：
可乐瓶、酱油瓶的设计，是不是很像我们的腰线？
谁说设计很抽象？它明明就在我们周围啊，难道不是吗？
什么材质、形状、大小……统统不管它，我们只要“看”就行了！
设计体现在生活的方方面面，重要的是，我们要有一双善于“发现”的眼睛。
②拆解
从吃的到用的，万物皆可“拆”！
但这个版块又和我们平常理解的不一样，它拆得特别彻底，让人叹为观止。
铅笔和橡皮被拆解到谁都不认识：
葡萄君也有些凌乱了：
如此清奇的视角，孩子看着看着就上瘾了。就连咱们大人，也会折服于这样的思维，对它赞不绝口。
没有孩子不爱拆东西， 这正是他们 探索 和理解事物的方式。
③动线的设计
这个版块用简单的动画讲述生活中约定俗成的规则，但它不会直接告诉孩子“就是这样”，而是用反证法让孩子理解其中的逻辑。
比如，电话线为什么一圈一圈、卷得跟麻花似的，就不能用直线吗？
我们这就来试试看：
哦，线不能太短，不然够不到远处的东西。
那就设计长一些，这下子不就解决问题了。
可是线太长，很容易把人绊倒，还会缠在一起。
所以，还是设计成弹簧圈式的。想拉长拉长，想放着就放着。用起来才方便。
孩子学会这种思考方式了吗？这可比我们唠唠叨叨说半天“你要开动脑筋”管用多了。
此外，节目里还有 素描版块 ：让不同人从不同角度，把眼中所见画下来：
设计师访谈： 这些设计大师每人聊3个问题，包括最满意的作品、设计工作中最重要的东西、怎样精进设计。
但每个人只能说几句，多了可不行。
原研哉说，多想想 “如果这样的话，会怎样” ~
柴田文江说， 凡事试着把感受转化成语言。
……
短短的15分钟，内容却很丰富。不仅孩子看了有收获，对大人来说也会有不少启发，而且看完超减压。
02 像乌鸦一样思考
每集时长：10min
适合年龄：5岁+
这部由日本NHK教育频道专门为小朋友打造的科普纪录片，名字取自伊索寓言中“乌鸦喝水”的故事。
节目开篇就播放了一只乌鸦是怎样通过观察、思考，把小石子一个个丢进水里，最后吃到杯子里的食物的过程。
乌鸦凭什么做到的？当然是智慧！那智慧是从哪儿来呢？当然是从“思考”中来的。
这部纪录片，就是要通过生动有趣、可视化的形式，告诉孩子“ 思考什么”“如何思考”。
和大多数科普纪录片不同， 它不会给孩子现成的答案， 而是会让孩子的小脑瓜一直转个不停，欲罢不能地思考下去。
每集10分钟左右，一共20集。包括 “观察中思考、德德尼翁、思考练习” 三个主要环节。
透过日常生活中的现象，向孩子解释科学思考的4个步骤：
①观察
在我们的日常生活中，有很多值得观察的对象。
比如硬币、笔帽、列车、影子……有一集就带孩子观察了“ 浮在水面的硬币 ”：
把一枚一日元硬币放在水上，它会浮在水中央，即便把它推到边缘，过一会它还会回到中央。
作为对比，再放上木片。木片就没有像硬币那样浮在中间，而是跑到了水的边缘。
再放入一枚同等面值的硬币，两枚硬币紧紧挨着，飘在水中央。木块还是在边缘。
此时，再加入水，情况发生了变化：木块和硬币的位置对调了。
减少水量又恢复了过来。这到底是为什么呢？就需要孩子们去思考、找答案了哦
正当我们思考前一波神操作时，3个德德尼翁小人儿登场了。
他们看到小水坑前有一条长线，长线的两侧，还有好多小短线。于是开始好奇，大开脑洞假设起来。
是恐龙行走留下的痕迹？
是前面一条蛇，后面跟着个蠢蠢的蜥蜴？
正想得热闹时，一个工人推着独轮车来了，留下的轨迹跟之前的一模一样。
好吧， 结果来得就是这么干脆。
德德尼翁的动画结束后，就迎来了真人实验。比如， 高低蜡烛 ：
点燃一高一低两只蜡烛，再罩上玻璃杯。是高的先灭，短的先灭，还是同时熄灭呢？
这又会让孩子们主动去思考、找答案。
实验结果是怎样的呢？原来是：高的会先灭！
问题来了，为什么呢？
“关键在于二氧化碳，一般来说，二氧化碳是比氧气重的……”实验者还没解释完，节目就戛然而止了。
此时飘来一句旁白： “接下来请自己思考！今后，大家都是思考的乌鸦。“
想要现成的答案？对不起，这里没有。这部纪录片，让孩子不再被动接受知识，而是主动去思考和 探索 。
毕竟，孩子不应该只是知识的“存储器”，而应是知识的创造者和利用者。
03 大科学实验
每集时长：10min
适合年龄：5岁+
这是日本NHK电视台从2010年3月开始播放的系列科学实验节目。
它以 “不试不知” 为主题，通过看似夸张的大型实验对各种科学法则、自然现象进行验证。
“理所当然，就是真的吗？”科学需要质疑和探究精神，孩子们也不能总是被动地接受知识。
节目不使用CG特效技术，而是真实呈现实验的每个环节，场面壮观，过程好玩，能让孩子身临其境地感受科学 探索 的乐趣。
每一集都会提出一个“大挑战”，来验证科学原理的正确性，让人看起来会非常上瘾。比如， 有一集的主题是挑战“蛋上骆驼”。
在这一集中，先提出这样一个假设： 蛋壳只要受力均匀、数量足够，就可以承载一只骆驼。
然后，就开始动手准备材料。
先打孔吸出蛋黄和蛋清，再用橡胶皮把孔封住：
可千万别小看蛋宝宝，它在打过孔后可是特别强悍哦~
现在，让骆驼踩上来试试吧！
一个蛋，轻而易举就给踩破了：
四个蛋，还是行不通：
到底多少蛋足够呢？实验者随机取来10个蛋，每个承重都不一样，所以我们可以取其平均值——5kg。
那么，孩子可以算算了：骆驼重750kg，多少个蛋能承受它的重量呢？答案是：150个。
接下来，就要准备实验装置了。计划是这样的：
因为亚克力板重450kg，加上骆驼的重量将超过1200kg，至少需要240个蛋，实验者准备了500个！
500个，这工程也太浩大了~
当当当~骆驼闪亮登场了。
实验会成功吗？大家都屏住了呼吸，看亚克力板缓缓下降：
最终，蛋壳承载住了1只骆驼的重量！实验成功了。
这个节目还挑战了“太阳能做饭”：
用静电作画：
用食盐做漂亮的婚纱：
不得不说，个个都是大工程！孩子在接受知识的同时，也开阔了眼界。
04 献给未来的科学家们
每集时长：3~6min
适合年龄：6岁+
这部纪录片由日本国立材料研究所（NIMS）监制， 从材料的物理性质出发，用一个个创意无限的小实验，向孩子展现材料物质里隐藏的“生命力”。
它把科学知识变成一系列可视化的创意，让我们印象中晦涩无趣的科学变得特别有意思，能充分激活孩子的创造力。
比如，第2集讲 “形状记忆物质” 。这种物质长什么样？记性很好吗？我们一起来看看。
实验者拿出一根用记忆合金做的金属丝，把它折得弯弯曲曲：
然后放到60度以上的水里，金属丝立马恢复了原样！
吃惊吧？还没等咱合拢嘴，实验者又拿来一个质地坚硬的紫色小薄片，怎么都撕不开：
但热水是它的克星。放水里轻轻一泡，不费力就拉开了：
那要是再放回热水里呢？见证奇迹的时刻到了：拉伸变形的小薄片，恢复如初。
现在，你知道“形状记忆物质”的厉害了吧？它们都是用形状记忆材料做成的，只要遇上高温就可以恢复原状。
既然如此，你能猜到一根记忆弹簧被拉伸后，遇高温会发生什么吗？
答对了，弹簧会恢复原状。
那么，脑洞时刻到了。
做一个“蜡烛车”装置：用两根记忆弹簧架起轨道，把蜡烛车放在上面。轨道两端加挡块，防止小车跑出去。
这个时候，点燃蜡烛，会发生什么？
弹簧遇火会向上收缩，这个你肯定猜到了。之后呢？
之后，轨道的一侧被抬起，小车会滑向另一边。另一边弹簧收缩后，小车又会滑回来。
如此循环往复，直到两根弹簧都恢复如初。
原来这就是“形状记忆物质”。节目中没有过多解释这种物质的概念、性质，它只让孩子跟着“看”，但孩子却懂了。
除此之外，节目里还讲了 “超导体物质” ：
“隐形的玻璃” ：
“超疏水材料” ：
……
节目组曾表达过制作这档节目的初衷，他们 不奢求每个孩子都能成为科学家，但希望大家能够把“看不见的科学”和“看得见的生活”联系起来。
希望孩子们都对这个世界多一些了解，也能拥有一双善于发现的眼睛和一颗永葆好奇的心。
05 毕达哥拉斯装置（迷你特辑）
每集时长：5min
适合年龄：4~7岁
这部科普片同样由日本NHK教育频道制作，它很擅长 挖掘日常生活创意，涉及物理、数学等有趣现象，利用生活化的场景和脑洞大开的设计，激发孩子对科学的兴趣。
自打2015年推出以来，它一直都在重播，深受小朋友喜爱~里面设置了很多巧妙的小版块，绝对能让孩子们尖叫起来
①毕达哥拉斯装置
在片头和片尾，都会有一个“毕达哥拉斯装置”。它用精密而复杂的机械组合，迂回曲折地完成一些非常简单的工作。
每次看到关键之处，都会不自觉屏住呼吸，生怕它会出什么差错。同时又会忍不住叹服节目组别具匠心的巧思和巧手。
②圆圈和三角形
大家来看看在站台上等车的这些人，他们被划分成了两组，并且头上被标注了不同的记号，有的是“圆圈”，有的是“三角形”。
划分的依据是什么呢？性别？高矮？衣服颜色？好像都不是。
当一辆列车疾驰而过，他们的不同才一目了然。不知道你看懂了没？
生活中像这样的科学现象数不胜数，这部纪录片可以帮孩子去发现它们。
③会说话的黑盒子
这次的主角是一个会说话的黑盒子。很多工厂的生产线都会应用这种装置。
在计算机、机械工程、脑科学、人工智能等领域，也会研究“黑盒问题”。即，向某个系统输入A后，会得到B，但中间变化的过程无从而知，就像被装在黑盒子里一样。
有一期研究“螺柱零件”。当它朝上进入黑盒子时，是立着出来的。
朝下进入黑盒子，也是立着出来的。
即使是侧着，出来的时候也是立着的。
这个零件在黑盒子里经历了什么？揭秘时刻到了——
上、下两个边框装置将不同方向的零件立了起来。
侧着的零件，在通过小柱子时就改变了方向。
④这是什么动物
全黑的幕布下，一个白点在移动，接着出现两个点、三个点……
你能猜出来，这是什么动物吗？
通过捕捉运动轨迹，让孩子换个角度看小动物，特别有趣，又激发了孩子的想象力。
此外，还有很多“突发奇想”的版块：
定格动画。 看起来不可思议的现象，其实都有理可循。
只要拍几张朝不同方向转圈跳起来的照片，就可以做出悬浮效果了。
空间透视。 “这究竟是什么东西”，换个角度看，你就知道了！
一种新生物。 赋予某些小东西生命后，会发生什么？橡皮恐龙、吸管蚯蚓、锡箔变形怪......它们的故事有梗又有趣~
五秒理解。 科普小知识怎么都不理解？那要是直接“上手”呢
？
这个纪录片版块很多，并不会固定在每一集都出现。但这脑洞，开起来真心不怕孩子不喜欢。
06 王牌儿童科普节目 TEXICO
每集时长：10min
适合年龄：6岁+
这是 2020年NHK全新的王牌科教节目 ，可以培养孩子的 程序性思考方式 。
这种思维方式听起来很高大上，其实很简单，就是 做某件事前，先在脑子里过一遍步骤，把时间分配最优化。
程序性思维的本质，包括5个要素： 分解、组合、概括、抽象、模拟 。节目的每一集，都会通过好玩的小装置和生活现象，探讨其中的2~3个要素。
这里给大家说说我印象特别深的几个：
①发现规律（概括）
生活中有很多看起来很神奇的事，其实都是有规律可循的。
比如，一个简单的逻辑小魔术。
魔术师先让参与者把一张纸平均分成9份。
然后，他随机选出一张纸，让参与者在上面写1-9中的任意一个数字。参与者写的时候，魔术师会转过身。
参与者写好心仪数字8后，再把其余数字写到其他纸片上。之后全部翻转，并打乱顺序。
最后，魔术师转过身，大展神威。一下子就找到了参与者心仪的数字。
这是怎么做到的呢？
仔细观察你会发现，9份小纸片，只有最中间的那张四周都是撕痕，其余则不是。魔术师看似随意选中的，其实早有预谋。
②组合（流程最优）
这个节目里有一个版块叫“分步小兵”，我特别喜欢。它简单直观，又特别有说服力和感染力。
我们不管做什么事，都是可以拆解为几个步骤的，但不同的排列组合，效率却不大一样。
有一集，小兵和主管一起清理垃圾。一开始，他们用了3个步骤：
但主管觉得效率太低。小兵们经过思考，改变了清理顺序——先横着推，再纵着推。
这样只要两步就够了，效率立马提升了。
③在脑海中过一遍流程（模拟）
这个版块会准备一些小道具，让孩子主动思考：接下来会发生什么。
有一集，实验者先准备好轨道和门挡，再把玩具车放到轨道上。
小车遇门挡停下后，轨道开始移动，直到尽头。
根据这个规律，场景升级。在一个圆形轨道上，有门档，还有一个三角形。
移动三角形，轨道也会跟着动。
那么，此时放上小车会发生什么呢？请孩子们自己在脑海里过一遍。
终于，实验者松开小车。发生的情景和你想的一样吗？
三角形木块很难进入想象吧？但孩子经过这样的练习，思路一定会更清晰。
好啦，这6部纪录片就先给大家介绍到这里了。
我们再回头看看文章最开始的问题，日本的科学教育到底厉害在哪里？
我想，那就是注重激发孩子对科学的热爱，鼓励孩子自己去思考、 探索 和创新。
从一些诺奖获得者的感言里，我们也能看出日本科学教育的这一“精髓”：
第一次见这么爆笑的纪录片，娃看到停不下来，还好每集只有5分钟
❷ 日本建筑大师隈研吾的十座小房子
十座有温度的小房子，
来自日本建筑大师隈研吾。
2003
中国北京
竹屋
2014
日本泷上町
成长的巢居
2018
德国慕尼黑
PILE冥想小屋
2018
加拿大温哥华
空中茶室
2018
日本东京
Zuishoji寺庙
2018
日本轻井泽
桦树苔藓教堂
2019
日本东京
星巴克臻选烘焙工坊
2019
日本静冈
平梦观景台
2019
日本镰仓
OZU-ANA移动装置
2020
泰国普吉岛
安缦璞瑞零售概念店
❸ 隈研吾浅草观光中心（一）
首先面对的要求是建一座40米的高楼，浅草观光中心的环境是一个位于以浅草寺为中心的区域，这里自江户时代（17世纪至19世纪）以来，浅草寺一直作为东京的商业中心，它包括仲见世商业街和这个巨大的雷门。综上我们可以看出是在一个文化历史感很强的地方建立一座40米高的楼。
设计师选择将浅草观光中心的大门，正对着雷门（像是山上寺庙的山门，进去是一条商业街）。
隈研吾认为这里是东京极具象征意义的地方，希望可以把这片东京的下町（传统社区）文化保存最好的区域和现代世界相连接，设计师首先想到的是将它与风格概念分离。建筑被理论化，并以建筑符号学或建筑风格分类，但设计师想要超越这种分门别类，以体现出作品的深刻和独特。
并且设计师发现社区在布局上由各种聚集的小元素组合而成，设计师打算以此为概念进行设计深化。
数直式的表达是塔楼的一种刻板印象，设计师希望这座建筑能够超越塔楼的传统风格，把它看作像是竖直的聚集在各微小部件的塔楼，用设计师的话来说，我想把塔重新定义为此地层叠小尺度建筑，通过这种方式，超越过去塔在符号学或风格上的惯例，想创造出人们可以理解其目的的设计，去创造一类可以清楚体现出空间的实质和各元素融合组成的建筑，想设计一些让任何人都能欣赏的，这不是一座顶部有塔尖的楼，总的来说，设计师的灵感源于日语中称为平屋的一类单层建筑。
设计师认为平屋是人类家园，一个很好的象征，而平屋这种建筑不只是在日本，而是在世界各地都有，通过堆叠这些平屋达到了40米的高度，并想证明堆起一座40米的塔，其空间感可以与人体比例相契合，平屋基本上是地面上的单层住房结构，因此屋顶比墙壁更有意义，并把他视作人类家人的原型，并试着考虑如何弱化外墙，外墙实在是碍事，外场的存在削弱了地面与屋顶之间的关系，隈研吾发现采用数值的百叶系统是消除外墙厚重感的一个非常有用的工具，所以我开始在我的项目中采用百叶系统，隈研吾用百叶系统消除外墙的这种感觉，通过缓解垂直立面的压迫感，能够更好地强调建筑物的底部和顶部
轴线作为城市规划的一种功绩。与被应用于各种不同的文化中。在这里可以充分利用商业街的轴线来建立与建筑与周围环境之间的关系，这个门的位置也相当的显眼，这条购物街所处的区域就是用这个门来命名的，这些凌乱的商业区就位于神圣的圣殿领域内，非常有趣，一个门不会建立封闭的边界，而一连串的门，在功能不同的空间之间，创造出模糊的过渡，这是日本寺庙一个常见的特征，这种松散的空间层次感，隈研吾认为在建筑中也可以感受到同样的特质，宽松的边界是浅草观光中心这个建筑的哲学核心主题之一，隈研吾认为在垂直和水平方向聚合层状的元素非常有趣，可以营造一种渐变的效果，以此影响人们的感受，认为这种空间设计法非常适合像这样的城市区域
内部设更倾向于使用明亮轻盈的元素，营造空间层次，例如在建筑内部，这种用天花板中像椽子一样的轻型材料，或者我们应该称他们为托梁。这种椽子营造出一种渐变的效果，并且可以在空中指示方向，使它具有突出空间密度和透明度的效果，设计师利用这些材料以此来定义空间的质感，与用竖直的百叶系统打造外立面的方式相同，建筑内部的墙面也可以用轻盈微小的元素，营造出相同效果，一些特定的墙面装饰方式可以用来表达空间的的质感，几个世纪以来随着建筑生产的发展，人们学会了将椽子，主要结构元素以及主要结构组件结合起来，换句话说，通过将椽子暴露在外，作为可视化元素，它超越了结构用途和非结构用途的分类，椽子成为建筑词汇和空间表达的工具，在现代的建筑形式服从功能的逻辑中，类似椽子的结构并不认为是建筑的主要部分，他们只是装饰性元素，但对浅草观光中心来说，这些椽子似乎是主要部分，他们不仅具有结构功能，还可以产生空间效果，确实，现代主义的一个学说或教条就是一切都应该是一个结构要素，但向密斯凡德罗这样的大师却擅长使用非结构元素呈现结构化的观感，从而营造空间效果，在现代主义中，结构和非结构之间的区别其实很模糊，然而，在后现代主义时期的一些建筑非结构元素被夸大利用了，他们最主要的功能是创造空间效果，浮夸的表现在建筑结构，隈研吾的方法是融合结构和非结构元素，超越现代主义和后现代主义的条条框框。
这个空间呈螺旋式延伸，很久以前螺旋式结构已被用于将水平空间在竖直向上延伸，螺旋式结构是非常有用的空间，结构可用来保持单层结构的同时，提升结构的高度，弗兰德劳埃德赖特在古根海姆博物馆中使用了螺旋结构，我在我在这里使用了相同的方式，隈研吾认为城市空间都是循环空间，古根海姆博物馆是一个非常有都市特征的博物馆，他像是在都市街头展出的一件工艺品，同样的设计师希望在这座建筑浅草文化中心也可以被看做这座城市的景点
设计师认为徒步旅行的意义变得越来越重要了，与其被看做是长串的车流和交叠的盒状建筑物，城市更应该是能够用来徒步旅行的空间，在这个空间内存在着有屋顶和没屋顶的场所，我们正处在一个寻求替代汽车文明的时代，也许可能是时候重新将城市定义为一个可以四处逛的空间
那边的墙更像是一件家具，而不是固定不动的物体，就像这些椽子，我希望尽量不用带有厚重感，强大感，分裂感的的物体，而是用轻盈微小的元素来营造整体空间质感，所以关键是这个空间所有的东西都是由微小轻盈的元素构成的，例如这个台面就设计的很薄，这个展示台也一样，是用薄钢板做成的，这些都是一些细节方面，他们让人产生一种这些轻盈的物件，都像是漂浮或散落在空间之中的感觉，设计师认为老东京城是用同样的方式来营造出同样的感觉，现在的技术能够使我们无需使用坚固的重型材料，就能搭建出稳固的建筑结构，我们从地面上开始，一层层堆叠透明的平屋，是通过使用轻型材料和计算分析。让其成为可能
正是因为有先进的科学技术，才能够呈现出微小物体散落的三维空间
设计师想表达的感觉是这个建筑一进来，首先是地面，然后它在三维空间里延伸着，最终达到了40米的高度，如果你从这里看，其实很难区分寺庙和那些杂乱无章的居民住所，从这个视角，你能真正了解城市整体构成的逻辑，这个城市像是由各种漂浮的模块渐变构成的，这是一种非常日本化，创造宗教空间的方式
也就是说。城市是以一个不那么清晰的等级组织起来的。因此，人们不会感到不适，隈研吾认为这是一种很先进的社会组织形态，如果边界太清晰，就容易产生冲突，但如果一切都以渐变形式呈现，那么城市的各元素就很好地融合在一起
即便不明确区分，人们也能求同存异。这是一个非常现代化的理论，且与我们现有的科技高度兼容，
这个小剧院有很多用途，包括上演传统的日本表演和音乐会等，如果把屏幕升起，中间是的商业街就会出在你眼前，这块地方就会立马转变成另外一种场景，在斜坡上铺置台阶，自然的就成为了一个剧院，你们就可以轻而一举的看到都市景观了。
❹ 当建筑师遇到玩具，这些童心未泯的设计让人惊呆了！
你什么时候开始意识到自己想要成为一名建筑师的？
如果你问了建筑行业的任何一人，相信大多数建筑师都会回想起他们的童年， 积木、乐高、模型屋…… 都是启发他们想象力、带给他们建造启蒙、对空间和材料产生兴趣，所必不可少的玩具。
而当“从未真正长大”的建筑师，遇到玩具设计的时候，会发生什么样的神奇反应呢？
我们细数那些尝试玩具设计的建筑师们，以此来证明我们都有一颗不老的心。
1、安妮·唐 （Anne Tyng）
安妮·唐 （Anne Tyng）为世人所熟悉的是她对美国著名现代建筑师路易斯·康在建筑风格上的巨大影响以及两人的浪漫关系。但她并没有通过和康合作的作品得到应得的名誉。
她是1944年美国首批从哈佛建筑系毕业的女建筑师，也是美国唯一一个参加建筑师注册考试的女建筑师。唐一直在为自己的性别和职业生涯作斗争。
安妮·唐漫长的设计生涯，一直对 五个柏拉图式的实体 着迷：立方体，四面体，八面体，十二面体和二十面体。这些立方体也不断出现在她的建筑设计与装置设计当中。
在路易斯康设计耶鲁大学美术馆的室内设计中，安妮·唐设计了三角形的天花板多边形渗透在她的设计中，玩具设计也不例外。
1947年，27岁的唐设计了一套儿童玩具。这是一套用多层板切割的儿童组合玩具，几块多边形通过槽口、定位销栓来拼接。
这套玩具可以任 意拆装为各种简单的日用家具 ，比如桌子，画架，凳子，木马，小轮车等。这套玩具在1950年登上了《大众机械》杂志（Popular Mechanics）。
2、格里特·里特维尔德 （Gerrit Rietveld）
格里特·里特维尔德 （Gerrit Rietveld）是荷兰著名的建筑与工业设计大师。偏爱单纯的线条、颜色，这种简洁的设计概念深刻地影响了日后的设计界。而他最著名的设计当属1917年设计的现代主义设计运动的重要经典作品红蓝椅。
里特维尔德在20世纪40年代为他的一位客户——Jesse家族，设计了一套给玩偶住的小房子，由当时一位木工制作并于1952年送给那家人的孩子。
麻雀虽小，但五脏俱全，虽然是玩具大小的房子，但对比起里特维尔德设计的建筑，依然丝毫不逊色。
这个模型房子在1956年后，被收藏于布鲁克林博物馆内。
3、伊姆斯夫妇 （Charles、Ray Eames）
美国夫妻档设计师 伊姆斯夫妇 （Charles及Ray Eames）是被誉为20世纪最有影响力的设计师之一，是建筑、家具和工业设计领域的先锋设计师，也是现今工业设计中使用模铸胶合版的先锋。至今，已有近百件他们的作品被各大博物馆所永久典藏。
伊姆斯夫妇在他们著名的职业生涯中构思了许多玩具。 The Toy ，可以组装成一个极简的室内帐篷或书房，有51种搭配组装方式。
另一个组由他们创作的玩具 The Solar Do-Nothing Machine 。完成于1957年。
复杂的运动雕塑设计是太阳能发电运用于玩具的第一次尝试。
4、隈研吾 （Kengo Kuma）
日本建筑师隈研吾的建筑散发日式和风与东方禅意，以自然景观的融合为特色，在业界被称为“负建筑”、“隈研吾流”。
虽然隈研吾的作品虽然伴随着争议，但不可否认的是非常具有话题性以及个人特色，他设计的玩具也是如此。
建筑积木 Tsumiki 是隈研吾与坂本龙一的森林保护组织More Trees合作为孩子们特别设计的一组玩具。
这款建筑积木采用了隈研吾的建筑设计要素 “三角形的木板” 。用线、面、交点，可平面可立体的组合游玩方式，让孩子可以在玩耍中充分发挥想像力，随意搭配出任意组合的木雕。
模块化系统允许组件以各种方式堆叠，骆驼、狗、金字塔看似有无限搭配组合。积木选用的日本宫崎县产的杉木材质，让孩子在材质触感上也有了启蒙。
5、Torafu Architects
日本建筑设计事务所 Torafu Architects 由两个年轻设计师创办，他们采用基于建筑思维的工作方法，作品包括从建筑设计、商店室内设计、展览空间设计、产品设计、空间安装和电影制作等多种产品。
在前段时间大热的建筑师狗屋设计中，他们的作品用主人的衣服结合木质构架别有心思，让人印象深刻。
Torafu Architects设计的玩具模仿了Anne Tyng之前的设计，名为 Dowel-Block Toy 通过榫头链接，几块不同形状的积木块可组装出形态各异的造型。
明媚的色彩激发孩子想象力的设计，让这套升级版的“七巧板”和他们的其他设计一样，给人留下了深刻印象。
6、扎哈·哈迪德 （Zaha Hadid）
扎哈·哈迪德 一贯的设计都非常大胆，挑战着世人对于建筑的固有理解。即便她已逝去，留下的不仅是一件件设计作品，还有那影响深远的，具有抨击性的思想。
2013年，在扎哈的带头下，包括David Adjaye,FAT和dRMM在内的建筑师和设计师，共同打造了一系列的玩具屋，以筹集15万美元用于残疾儿童慈善机构KIDS。
扎哈设计的拼图式玩具屋，题为Must Be the Place，自带雕塑感的设计，虚实的体块对比，可随意组合成不同功能的空间。
虽然乍眼看去，没有扎哈过往的建筑作品或工业设计让人震撼，但细细观察一下，设计的独到之处，还是让人佩服女魔头的想象力。
7、大卫哈·阿加耶 （David Adjaye）
大卫·阿加耶 （David Adjaye）这个传奇的非裔英国建筑师，长期致力于研究非洲独特地域文化和严酷气候条件下的建筑的建筑师。
他的最近作品是得到极高赞誉的美国非洲裔历史文化国家博物馆，其独特的成长经历和建筑实践使得他也成为普利兹克奖的大热门。
在扎哈带领的玩具设计中，阿加耶设计的玩具屋，复制了他之前的 Elektra设计 。是一个配有精致金色小家具的作品。
玩具屋几个立面均可拆卸，让孩子能在拆解模型的过程中，了解建筑的构造与分布。
玩具是每个孩子童年必不可少的陪伴，一个好的玩具设计某种意义上，将会决定孩子的一生，感谢这些童心未改的建筑师，给我们带来了如此引发思索的好设计。
❺ 【三分钟读书】《负建筑》读书笔记
《负建筑》是一本不止于谈建筑的书。作为建筑，何为“声”？何为“负”？在隈研吾看来，负建筑绝非是失败的建筑，而是人类真正需要的建筑。
在不刻意追求象征意义，不刻意追求视觉需要，也不刻意追求满足占有私欲的前提下，可能出现什么样的建筑模式？除了高高耸立的、洋洋得意的建筑模式之外，难道就不能有那种俯伏于地面之上、在承受各种外力的同时又不失明快的建筑模式吗？
隈研吾，著名日本建筑师，曾获日本、意大利、芬兰等国之建筑奖。建筑作品散发日式和风与东方禅意，在业界被称为“负建筑”、“隈研吾流”；又以自然景观的融合为特色，运用木材、泥砖、竹子、石板、纸或玻璃等天然建材，结合水、光线与空气，创造外表看似柔弱，却更耐震、且让人感觉到传统建筑的温馨与美的“负建筑”
1995年1月发生的阪神大地震及3月奥姆真理教地铁沙林毒气恐怖事件使隈研吾认识到超高超宏伟的所谓“强建筑”的不堪：再牢固的建筑，一旦碰到自然灾害（例如地震）和人祸，会变得何其脆弱，它到底能否保护人成了疑问。
他认为，强建筑之脆弱与它的“恶”紧密相连：其一是体量庞大，越大越招摇，越大越碍眼；其次是物质的消耗，体积越大，消耗物质越多，而地球资源却日渐枯竭；再有就是建筑物的不可逆改性，一旦完成，寿命比人长得多，它坚固的外表仿佛在嘲笑人类短暂而脆弱的生命。
而所有这一切的根源，是因为强建筑的理念奠基于“建筑为主、环境为辅”的关系之上，他指出，从一开始，建筑就背负着必须从环境中突出自己的可悲命运，而20世纪的建筑思潮，就更是强化了建筑与环境的割裂。
隈研吾决心摒弃强建筑的理念，提出了他的 “负建筑”“弱建筑”的理念，那就是要“把建筑作为配角、而要把环境放在主要位置”。他认为，与“强建筑”相比，“弱建筑”或许更经得起冲击，而更为重要的是，它还能让失去安全感的现代人感受到传统建筑的温情和柔性之美。
用设计家原研哉的话来说就是，“负建筑”不是失败的建筑，而是无中生有，以柔克刚，表面上是对“强建筑”的一种示弱，实际上却是一种以退为进。在日语的语境里，“负”还有“适宜”的意思，“负建筑”也就是人类真正需要的建筑。
隈研吾心目中的负建筑，不刻意追求象征意义，不刻意追求视觉需要，也不刻意追求满足占有私欲，而是俯伏于地面之上，在承受各种外力的同时又不失明快。
他设计建造那珂川汀马头广重美术馆，正是这一建筑理念的绝佳体现。这个美术馆是为了纪念浮世纪大师安藤广重而建的，它的屋顶、墙壁、隔断、家具等建筑的绝大部分因素都用当地山上所产的杉木做的百叶来实现，尽量不使用混凝土，以达到建筑与周围环境和谐交融浑然一体的效果。同时，整个美术馆建得非常低，以一种俯伏的姿态，低于神社和山林，非常低调，隈研吾以此低调谦逊的手法来使建筑“消失”于环境之下。
“负建筑”与隈研吾的另一个基本概念“反造型”息息相关。他意识到，强建筑重造型，重象征，重视觉效果，使建筑与周围环境格格不入，他要反其道而行之，要将建筑融合在环境之中，反造型，消解造型，反割裂，反“大”……
“反造型”首先是从“反混凝土”开始，他认为，在材料的质感上，“混凝土盒子这样封闭的形式让我的身体感到难受，困在这样的盒子里，呼吸不畅，身体拘束，就连体温好像被吸走了似的。”
他指出，从建筑作为社会批判这个角度看，混凝土正是一种隔绝了批评、封锁了声音的物质，使人懈怠、麻木而顺从，也使建筑变得毫无个性。如果说二十世纪，混凝土是最国际化的建筑材料，那么在二十一世纪，建筑强调的是当地的自然材料，因为在自然环境中居住变得日趋重要。“反造型”因而是向二十世纪的现代主义建筑说“不”，那才可以安心地回归自然。
在建筑设计实践中，隈研吾极力避免混凝土，却对自然材料的研究与创新充满热情，广重美术馆利用了当地的杉木，芦川石材美术馆利用了当地产的石材，高柳町的阳乐屋和三得利美术馆利用了看似柔软的日本和纸，长城下的竹屋利用了中日文化中柔弱却充满力量的竹子，这都是隈研吾利用当地的自然材料创造出“以柔克刚”的建筑的典型例子。
因此，隈研吾的“负建筑”，是消弭了建筑和环境割裂的建筑、对人类释发善意的建筑，不张扬，不卑不亢，关照生活的初衷，诚实，坚持空间与时间的对话，温暖，朴实，从建筑本位和单体层面都回归生活，造就以人以生活、而不是以建筑为中心的场景。
我们未必那么“喜欢”建筑物本身，比如国内最丑建筑之一的天子大酒店（福禄寿三仙造型）这种毫无美感的建筑既浪费了物资、拆除也要大量成本；我们“欢迎的”是建筑行为，顺应经济和政治上的需求。
有两种激模式，美国的方法是采取住房抵押贷款：人们为还贷辛勤工作，政治上也偏保守，促进了经济发展、政治稳定。同时凯恩斯提出了政府财政行为的“乘数效应”：通过投资“大建筑”来创造有效需求，有效需求将会以财政投入的数倍倍率产生；长远来看，将伴随经济兴旺，以增大税收的形式，填补财政投入的赤字。
对此，作者批判凯恩斯的理论：只是一种魔术和欺诈
首先，建筑物外观体积庞大且对物质资料损耗严重。凯恩斯的意识里，并没有物质和能源有限这一概念。
其次，凯恩斯打着“弱者逻辑”的幌子（公共事业是为了弱者而展开），政治家也同样巧妙地利用弱者的存在，借着大规模的建筑行为筹措竞选经费，建筑业利益相关方又反过来以投票的方式支持政治家。但一来世界上不存在绝对绝对的弱者（比如网络争论拥有北京n环内一套房但流动资金紧张的差头司机算不算中产阶级）；二来，公共事业规模的一味增长，与实际经济状况以及乘数效应无关，财政赤字若无限制增大，将导致恶性循环。
最后，凯恩斯对时间的概念考虑不周全：建筑是一个非连续行为，可以在很短时间内完成；凯恩斯的时间是不连贯的，分裂的，重复被割裂的瞬间，才有了时间的延续（这段比较难理解)。
而欧洲的方法不同，由政府建设公共集体住宅，其缺点在于住房易得，租金低廉，人们的工作热情低。记得有一期罗辑思维说，欧洲的穷人拿着政府救济金、住在政府提供的住房里，好吃懒做吸毒生子，恶性循环下去。如何修补这个方案？我的想法就是要细分对象，尤其是对于有劳动能力者，必须劳动打卡满足一定额度才有享受住房和救济资格；或者，政府雇佣这些人参与到公共事业的建设和维护中去。
区域规划制度，一般分为用途区域规划、高度限制和空地率三大部分。目的是为了使土地资产化，并稳定土地资产的价值。例如，无限高、容积率高的建筑大批出现导致办公室大量过剩，办公楼内出现无数空房，以至于资产价值和租金急剧下跌。
另外一个角度看，区域规划制度本质上就是“圈地功能”。为了找到廉价的土地来建设超大型建筑，开发商不得不把目光投向都市外围，结果都市原有的中心不断向外扩散，被留在圈地之外的都市空间逐渐失去了它原有的魅力，巨大的圈地物体需要庞大的建设费用以及建成以后的维修成本等等，从而又给都市财政带来巨大的危机。金融体系也像圈地一样，把风险作为商品，投入更多的资本来试图避开风险，开发了各种规避风险的金融衍生品，使得金融系统的圈地极速扩张。这种虚假繁荣有误导性，人们错误地以为经济在快速增长。实际上，风险没有真正得到回避，只是暂时的延迟。（我国现在就是在走这条老路子）
有人质疑凯恩斯：你的经济学不过是解决恐慌的一个短期处方，从长远看它还能解决什么问题？对此，凯恩斯玩世不恭地回答说： 从长远来看，我们都已经死去了
“20世纪的建筑是割裂的”
空间：确定建筑物的用地范围，从周围土地中割裂；建设孤立的建筑物，是第二次分割
物质：使用异质材料，无法回归泥土
时间：混凝土在很短时间内”突然“成形，难以回到原样
作者是主张建筑物应该是可以与周围环境统一的一种存在，他在作品中也运用“在地性”(on-site)材料。比如我住的云上之上别馆，外墙覆盖着茅草；wooden bridge musuem运用木材料。作者还阐述了木结构建筑的妙处：老的建筑会留下一个框架，在这个框架的基础上，新的建筑会慢慢地渗透其中，一步一步发生变化。相较下，安藤忠雄对水泥混凝土始终如一地热爱，观者的审美疲劳和距离感也由此产生；而隈研吾构筑的在地性建筑，却仿佛通人性，有自己的生老病死、兴荣衰败。（这种主张更适合我国木构建筑，如何创新和传承）
中产阶级出现打乱社会力量的均衡，导致一战爆发，一战和住宅危机必然同时发生；中产阶级过分热衷于追求体积庞大的东西。一战导致无数住宅毁于一旦，因此住宅问题成了战后最大的、最迫切需要解决的问题。
现代主义的住宅设计理念是客观的空间表现手法，是对学院派艺术风格所倡导的固定空间结构的批判，是对遮盖结构体的表面材料和装饰材料采取的批判姿态。柯布西耶和密斯能够看准郊外住宅这一销售热点，适时把握中产阶级的需求欲望；另一方面，他们对于现时流行的建筑式样及其美学基础不断地加以批判和抨击。通过这两方面的努力，他们很快地获取了建筑领域的领导权。在丧失了贵族庇护的社会里，明智的艺术工作者就会不再徒劳地寻求贵族的庇护，而是选择去取悦中产阶级的所欲所求。
现代主义取得了一次划时代的成功。而其成功的原因却只是它巧妙地与欲望保持了一个最佳的距离。
1、风格化建筑：有装饰的外观、特定的建筑风格。建筑与物紧紧相连，建筑完全屈从于欲望。
2、现代主义：否定装饰，否定风格化建筑，如”办公大楼的经济学“无主体，中立的建筑表现。
3、后现代主义：资本制度的变异（资本和商品模糊，资本从主体变成了客体）。人们投资房地产，以住宅为担保的资金衍生出了无数个后现代摩天大楼——引入视觉表现力，便于销售。
总结与思考
隈研吾的建筑理念一方面是东方的，追求简素和自然，带有道家和禅宗的趣味，另一方面却以传统美学的基础反叛现代主义的传统。隈研吾的建筑与它们的环境和平共处，并且不试图破坏或战胜它们的直接背景。它们的构成简单、直接，并且尊重一直存在当地的东西。
这大概可以视为隈研吾在中国走红的原因。他的建筑理论全是以人与自然为本，人是主角，建筑是配角——这正好跟当下中国建筑的大趋势（建筑成为主角，人却沦为配角）背驰。在建筑中重新发现人与自然的和谐共存，重新发现人性，透过建筑展现人文关怀，这是他带给中国建筑界的深刻启发。
隈研吾的“负建筑”理念是建立在对“强”建筑理念的批判上的。也因此，他对于中国建筑师的这句话显得语重心长：“在当今中国，因为经济的高速发展，只要是有才能的设计师，基本都会处于一个不会缺活干的状态，但在我看来，这种状态是一个很危险的状态。在这个时候，希望大家能够保持一种批判性，能够时常问一下自己，做这样的建筑真的可以吗？而不是为了建筑而去做建筑。
❻ 居瑜舍，感受艺术生活居舍的每个角度
（2021年9月29日，北京）位于北京繁华闹市的三里屯，北京瑜舍，作为太古酒店在中国开设的第一家居舍系列酒店，于近日完成了其公共空间及客房的翻新工作，正式以灵感迸发后的面貌启程。居舍系列旗下各家酒店各具风格、特色独立，作为独领“艺术生活居舍”之称的北京瑜舍，此次焕新从北京的城市创造力中汲取灵感，为宾客提供了一个形似当代美术馆的城中隐逸之所, 从任何角度欣赏，都能邂逅一“瑜”一美学。
风格源于设计
瑜舍由日本著名建筑大师Kengo Kuma（隈研吾）设计，采用浓烈的时代风格和无限舒展的空间设计，唤起瑜舍的宁静秘感。尚未踏入瑜舍，便能看见其外墙夺目的翡翠绿玻璃，与三里屯太古里耀眼的玻璃幕墙相互辉映。步入大堂，由隈研吾设计的“折纸”装置映入眼帘，如今它被作为新的迎宾墙并会在入夜后照亮中庭。巨型帷幔垂在高耸的中庭半空，创造了一幅有机纹理和色调的光屏，随光线的强弱而展现不同的纹理特质和明暗变化，营造出戏剧感的背景效果。当宾客踏入大堂中庭，便仿佛踏入了世外桃源，远离了外界的喧嚣，重返静谧恬淡。移步至崭新的客房，浅绿及米白色的软装饰品诉说出木质自然结构之外，柔软的空间语言。大落地窗将太古里的郁郁葱葱引入室内，透明隔断发挥了区隔空间的功能性，同时开放性布局使得空间的动线流畅。最新放置于客房内的装饰品呼应酒店的艺术性，带有一些北京特质的表达与所处城市产生互动，同时也不失摩登前卫的特质。
新任北京瑜舍总经理杜明硕 (Olivier Dumonceaux) 表示：“北京瑜舍此次以全新面貌启程，从新出发，我和我的团队都感到无比兴奋。作为艺术生活居舍，瑜舍源于设计，并将艺术、文化、体验及细致服务相融合，打造成为一个独特的目的地，带给宾客非凡的体验。我们期待能够邀请宾客前来透过不同角度来欣赏瑜舍的美，邂逅一‘瑜‘一美学” 。
艺术生活美学
艺术源于生活的点滴，在瑜舍，一“瑜”一美学，处处又可感受到艺术的存在。从与艺术家的合作、到甄选艺术品、甚至是一杯鸡尾酒，每个角度都展示着艺术的震撼之美。瑜舍每一季都会在酒店展示不同系列的艺术作品，为宾客呈现一个充满新鲜文化见地的当代艺术世界。每个装置都独立存在，与众不同却又彼此和谐，从而在建筑空间内带来亲密感和共鸣感，将革新派的酒店定义演释得淋漓尽致。2019年，居舍系列首次推出的“异国的相遇：初露蜂芒”于瑜舍展出，特邀跨媒体艺术家卡佳·洛尔（KatjaLoher），联合多位北京艺术家以及来自舞蹈剧院的舞蹈编导，打造出漂浮于北京瑜舍大堂的五行“影视星球”。今年，“异国的相遇2021”再次来到瑜舍，现当代舞蹈艺术家余锦鹰以及李欣蒙强强联手，以舞蹈作为创作的共同基础，打造交互式艺术装置，呼应酒店的建筑之美，吸引观众驻足欣赏， 探索 全新的体验方式。
瑜舍的美学渗透于酒店的各个角度，也吸引到了城中潮人前来体验，更为三里屯这一潮流腹地增色不少。无论是以 时尚 为灵感发想的下午茶，还是精品品牌的快闪店，瑜舍将 时尚 与艺术完美融合，潮流之中尽显优雅，宛如 时尚 T 台，吸引着八方宾客纷至沓来。市场传讯部总监周敦千 (Ami Tsou) 表示：“无论是与各界艺术家合作带来‘异国的相遇’艺术项目，还是与 时尚 品牌合作带来特别活动，我们希望为瑜舍的宾客继续创造不一样的美学文化。
文化交融之舍
三里屯太古里热闹繁华，北京瑜舍居于此，不断汲取创意能量，多元文化在这里共生。在超级飞餐厅，复古的风格与四川地区流行的街头文化相互交织一起，碰撞出别样的风格；而京雅堂中，主厨李冬的米其林星级大餐反映着中国 美食 在传统和摩登之间的联系；在Union 现代沙龙鸡尾酒酒吧内，以古丝绸之路为灵感的鸡尾酒，诉说着现代文明与古老文化的交融；Frasca 则用传统的地中海 美食 ，向饕客们述说着纯正的意大利风情。Union 酒吧经理经理高万超 (Will Gao) 分享：“无论是京雅堂,超级飞,Frasca 还是Union，都体现了我们对于古、今、中、外文化的致敬。在北京瑜舍，每个餐厅和酒吧相互关联。从不同角度来体验文化、 美食 和工艺。
“瑜”众不同体验
居三里屯一隅，当旅行者踏入瑜舍的一刻，便宛若步入世外桃源，隐逸于都市绿洲之中。赏写意的竹丛，于漫天的“星光”之下肆意畅游，通过池畔的瑜伽发现自我，北京瑜舍宁静与浪漫，让宾客们告别外界的热闹与世事的喧嚣，重返静谧恬静的悠然时刻。从公共区域到客房，贴心的工作人员都将竭诚为宾客们提供优质而个性化的入住体验。宾客体验团队领队鞠伽盈 (Jessica Ju) 说道：“我们的团队始终秉持着为宾客提供个性化优质服务的理念，我们希望为每一位宾客带来全新的体验，让他们感受到真正的休闲与放松。“