装置艺术设计读书笔记

Ⅰ 装置艺术特点

装置艺术特点：
1、装置艺术的一个关键属性是它与观众进行身体互动的能力。虽然所有的艺术媒介都有吸引个人的能力，但大多数并没有让他们完全沉浸在互动体验中。

2、鉴于其互动性，大多数装置艺术作品都是大规模的。他们巨大的身材使观众能够完全沉浸在每一个比现实更大的环境中。在许多情况下，它甚至允许他们坐着、站着或走过它——这种独特的能力在更传统的艺术形式中并不常见。
3、与雕塑、绘画和类似的作品不同，装置通常是在特定地点进行规划的，从画廊和博物馆的房间到户外空间。鉴于其设计的战略性和环境的独特性，特定场所的艺术作品确保了独一无二的审美和体验。

Ⅱ 环境设计中的装置艺术

关于环境设计中的装置艺术

环境设计是指对于建筑室内外的空间环境，通过艺术设计的方式进行设计和整合的一门实用艺术。下面我为大家搜索整理了关于环境设计中的装置艺术，欢迎参考阅读，希望对大家有所帮助!想了解更多相关信息请持续关注我们应届毕业生培训网!

一、装置艺术的概念及其独特性

装置艺术(Installation), 架下的创意组合与放大。它始于20世纪60年代,它作为雕塑的一种崭新的形式,横空出世。

装置艺术源自于雕塑,但是却也有着不同的地方。装置艺术在诞生时就使用了与雕塑相同的物质材料和多维度空间。不同的是它利用了现成物象置换后互为动因文化意义,这是与雕塑相区别的地方。

在环境艺术设计范畴里,室内装饰与装置艺术有一定的区别。室内环境的设计往往更注重的是室内装饰,对室内墙壁、天花、门、窗、家具等的修饰,而装置更注重的是对空间的分割和意境的渲染。

二、装置艺术的主题性

《招魂》,作者吕胜中以人形剪纸为元素,“疯狂地”复制再复制,运用装置的手段,将自己的思想、个性以一个“招魂”作为主题,用装置的手段展现在世人面前。在环境设计中,装置艺术的主题性,给装置艺术在环境设计中的运用提供了很好的条件,它广泛的主题选择,涉及了当代人生活和思想的很多方面:如宗教、多种风俗、多种文化等等,这些使它无论是在怎样的环境空间中,设计者都能根据各式各样的主题变化来得到想要得到的效果。

三、装置艺术的实用性

一般来说,装置艺术供短期展览,不是供收藏的艺术。正因装置艺术不是供收藏的艺术,它更具备实用价值,他缤纷的出现形式,同样也具备了艺术品的美感和震撼力,同时,它在付出低、效果好的前提之下,设计者更能放开自己的创作思维,毫无保留的.实验自己的创意,在艺术品和实用品之间来一个结合,通过实用的作品给于人们艺术品般的精神享受。

四、装置艺术的迷惑性

为了激活观众,有时是为了扰乱观众的习惯性思维,那些刺激感官的因素往往该经过夸张,强化或异化。在《丧宴》作品中,登昆燕玩了把“装置小把戏”,在宴会场地里,他大胆地利用白色花球和蜡烛的装置,与以往人们常见的丧场不同,这样的装置效果削弱了丧场内原本悲伤的气氛,增添了一份浓浓的缅怀亲人的柔情。

在环境设计中,往往出现一些特定氛围的场所,它特定的内容、涵义、氛围,都要求设计者在创意上去突破、去创新。装置艺术的迷惑性,让它在这样的一些环境场合中,得到运用。就像灯光、声效等等这些普通的元素一样,装置艺术做为这些环境中的一员,可以在设计者的创意思维下,通过不规则的,刻意性的摆设、铺装和放置,改变原本环境物语。装置艺术变成环境的魔术转轮。

五、装置艺术的感受性

装置艺术创造的环境,是用来包容观众、促使甚至迫使观众在界定的空间内由被动观赏转换成主动感受。

当装置艺术成为设计,我们可以从作品中体味到不同的思想。一个作品的成与败,要看观众在作品中感受到了一些什么,这个作品是否与观众形成共鸣。“借实有以喻虚无,使现代象征以巨大的神秘性、模糊性、多解性,以及观众参与的见仁见智、莫衷一是而获得了更奇伟的审美效果”。每个人对于某一事物的感受都会不同,设计者可以运用装置艺术来引导观众在环境中“感同身受”,体会作品,体会作者。

六、装置艺术的可参与性

观众介入和参与是装置艺术不可分割的一部分。苹果社区展厅,在展厅内外,设计者搬来数以万计的苹果,创作了建筑装置《能吃的房子》,能吃的房子是一个大众参与性极强的装置作品,强调参与者与装置的存在关系,苹果作为材料在完成对空间的围合后又成为信息的载体进入参与者的思想与身体,并且构成话题。在苹果被吃掉的同时,装置的视觉效果又回到虚的状态,用这样的一个过程,强调了这一装置作品的可参与性。

环境设计中的装置艺术鼓励参与,加大了人们与环境的互动,让环境不仅仅是冰冷的环境,让人们与环境的互动中得到更多更好的感受。

七、装置艺术的可变性

装置艺术是可变的艺术。艺术家既可以在展览期间改变组合,也可在异地展览,增减或重新组合。正是因为装置艺术具备了这样的一种特征,所以它在以商业为社会运转和生存基础的时代里,频频以商业行为的形式出现。在商业空间环境里,有的商家用装置艺术作为哗众取宠的门面装饰,有的在 商铺里用激光制造任何形体和图案,制造相应的室内气氛,制造空间幻觉。大胆地运用了装置艺术的可变性。

总之，环境设计里的装置艺术有着独特性、主题性、感受性、可参与性和迷惑性,我们要在做设计的过程中去认识它、研究它、运用它。它能在很大程度上满足环境设计的精神需要和物质载体需求,同时,在很多成功的作品中,它还承载了作品的灵魂 ,将环境设计作品得到更高层次的提升。装置艺术的种种特性,在标新立异,不断变革的环境设计界里,被环境设计师们看中,在环境设计领域,设计师们纷纷拜倒在了装置艺术的石榴裙下。愈来愈多的设计者用装置的构置方式来充实和美化空间环境,他们把装置艺术与环境空间氛围进行了完美的结合,让空间结构更为丰富,独特,让环境更富于个性化。

Ⅲ 室内设计读书笔记

室内设计读书笔记
概念
按照人们对室内空间的功能要求及精神要求,作如下定义：室内设计乃是从建筑内部把握空间，根据空间的使用性质和所处环境运用物质技术及艺术手段，创造出功能合理，舒适美观，符合人的心理，人的生理，使用者心情愉快，便于生活工作，学习的理想场所的内部空间环境设计。

Ⅳ 装置艺术有什么理论意义

装置艺术是空间组成的一部分，在某种程度上有着点缀空间，强化空间，分割空间的意义。其在一定程度上增加了空间的层次；装置艺术还有其独特的美学意义，给人们一种思想和心灵上的启迪；装饰艺术还有着其无厘头的特点，或美或丑，或常见或令人匪夷所思，其存在就是意义。

Ⅳ 装置艺术赏析

低垂、无力，孤独、凄凉，就是这只狗带给我的感觉。让我不自觉地想起那些历经世事沧桑却无法得以安度晚年的老妪。身上同样的瘦骨如柴，似乎风一吹就会倒地。头低垂着，也许是对世间毫无眷恋。可笑又可爱的是，前后交替的腿，竟然摆出了心的姿势。

看着看着我在想，其实不止是年老之时，每个人都有“像狗”的时刻，我们无力、疲惫，却不得不一步一步的缓步向前，即使看起来随时会倒下，但我们总会坚持着走下去。

又找来贾科梅蒂的其他作品，似乎都有着这种干瘦孤独的感觉，让人在想是否他是一个悲观主义者呢？艺术家通过作品表达着自己，从某种程度上讲，不够偏执的人是否无法成为那么有特色的艺术家呢？也许平衡对于他们，是种奢求。

活着的人，其实死了。死了的人，其实活着。这不是生者对于死者的无动于衷，而是彼此无法站在对立面理解对方而已。看到的时间是感慨的，因为我知道这是一直在用福尔马林浸泡的标本，它是“活的”艺术品。它看似被切割，但切割的浸泡的只是它的肉体，也许它已经获得精神上的自由，然而有有的生物即使完整，它的灵魂也早已分割。

这不是达明安·赫斯特唯一的装置艺术，他还有更多的有争议的作品，非常希望有一天能够亲临现场感受那种震撼。我想绝对比画作或者简单的陈列艺术品带给我的触动更多。期待！

即使是简单的气球，当有了内涵，就赋予了艺术的意义。这就是我最大的感触。

童年、纯真是艺术永不过时的表达，也是我们永不放弃的追求，因为越是逝去的越是更加美好。人们往往通过看到这类作品试图唤起心中美好的部分，但对于我来讲这也是艺术最大的意义所在。不只为了揭露人性，不只为了记录岁月，更多的是唤起人们对于当下的生活的思考。

Ⅵ 《PPT设计的艺术》读书笔记（一）：掌握PPT的核心逻辑

我将PPT的等级分成以下几层：

入门级：掌握PowerPoint软件的入门操作，能够修改PPT中的内容，能够熟练演示PPT。

新手级：依靠模板，可以完成日常工作或学习中的PPT制作。

中级：能够熟练应用各种模板，将自己的思路融入进去，并能很好地体现出来。但是，依然能够从PPT中看到他人的影子。

次高级：根据内容、使用场合、演讲者特点、听众的文化水平等做出相应风格PPT，给观众一种美的享受。

高级：随手就可以创作出一些模型，供初学者借鉴。

—— 审美能力 ：一个人的审美能力就是Ta所制作PPT的“天花板”。一个饼再大，也大不过烙饼的锅。要想提高PPT水平，就必须提高自身的审美能力。

—— 结构化思维方式 ：更好的表达自己的观点，便于听众理解。

—— PowerPoint熟练程度 ：可以加快PPT制作、修改和完善速度，节约时间。（本文不再赘述）

请你一定仔细记住下面这个金字塔结构框架在PPT中的应用。

—— 红色 的页面就是整个PPT的架构，它们不可或缺；

—— 黄色 的页面根据实际情况不同可有可无；

—— 箭头 路径就是PPT的演示顺序。

PPT的表述过程其实是一个顺序结构，但是在其内部，是根据上图的内在逻辑进行构建的。PPT的最终目的是什么？ 就是讲观点传递给听众，并让其接受。

首先，需要抛出你的观点（Point）。 对应着金字塔结构上的G；

其次，说出你强有力的（Power）理由。 对应着金字塔结构上的A、B、C；

最后，附上相关事实作为支撑。 对应着金字塔结构上的A1、A2、A3……。

Ⅶ 对装置艺术的理解

就艺术装置与景观设施的关系而言，景观艺术装置的装饰性是景观设施以其形态、色彩等对环境起衬托和美化的功能特性，常常通过单纯的艺术处理或与环境的呼应渲染来实现。

一般而言 ,装饰性是景观设施的次要功能，但对某些或独立观赏的公共设施而言，其装饰性则是主要的。此时的景观设施，可以称之为景观艺术装置。

Ⅷ 《设计中的设计》读书笔记

原研哉的代表作《设计中的设计》，读过这本书之后更能够理解原研哉大师是带着怎样的逻辑与思考为小米设计的新LOGO，如果做设计仅仅是从形式上出发就像是古语“学而不思则罔”，仅仅是学习而不经过大脑的思考是不能产出令人信服的设计的。 设计是关系，是形式与内容的关系。 除了表象的形式之外，要注重形式所要呈现的内核与传递给用户的信息。同时拥有了以上两者之后，接着用语言来表达设计，让利益相关方&设计的受众理解并接受你想要传递的感知，从而让多方在思想维度与设计层面达成认知的一致性。思维认知+专业能力+语言表述是设计师最核心的三大竞争力，这便是我读此书后最大的感悟。（借用豆瓣网友的一句评论来表达此书：一位优秀的设计师与大师之间差了一位哲学家。）

读书笔记目录：1.设计的起源  2.设计的目的  3.设计与经济  4.设计与传播  5.设计的未来

设计从人类开始使用工具的那一刻便开始了，一般认为，工具起源于猿人开始直立行走，捡起棍状物，以其击打东西或作为武器。他们拿起棍棒的那一刻起，便开始以智力改变他们周遭的世界。像是经典科幻电影《2001太空漫游》里古猿拿起动物的骨头作为工具的那一瞬间。我们已经开始在头脑中利用智慧来设计如何使用棍棒了， 所以设计是在理解的基础上对世界的转变 ，并形成我们的环境，这便是第一件工具：棍棒。

随后当人类祖先开始直立行走，我们双手也开始自由，自然的把两双手放到一起就会形成一个容器。估计我们的祖先会以他们微曲的手掌为容器喝水。这种可以容纳某物的微曲的手掌，就是另一件工具：容器。这两样工具就像是生命的两种特性阴性与阳性。 从广义上来讲，设计起源于人类智慧的诞生以及对工具的使用。

【设计是什么】 设计通过做东西，通过传播，对我们自己生活的世界给予有力的承认。 设计并不是无中生有的，它们岂止是离不开，它们其实就是取自于对平常、单调的日常存在的大胆唤醒。设计是对感觉的刺激，一种让我们重新看清世界的方式。

【大脑的建筑】 人是一套极其精密的接收器官，同时又是一个图像生成器官。它配备了活跃的记忆重播系统。 人大脑中生成的图像像是通过多个感觉刺激和重生的记忆复合景象，这就是设计师需要致力的领域，感觉认知的领域。

设计师在其作品的受众头脑中创造出一种信息建筑。 其结构通过分类感觉认知渠道构成刺激。由五感的集合带来的刺激，在受众头脑中组装起来，在那里浮现出我们所谓的“图像”。图像这种东西不仅结合、联系着感官传送的外界刺激，以及这些所唤醒的记忆，从而生成假定为一种聚合的图像，而设计行为则意味着对此过程的积极参与。

【设计的目的】设计的目的是带给人一种全新的认知感受。 这种感受可以是视觉、触觉、味觉、听觉甚至是感觉。音乐同样也是设计出来的，通过音符间的碰撞与罗列，达成一种和谐的状态，从而一个音乐作品便诞生了。那些美食家、工匠师、画家都是同样的如此。他们都是在设计，只不过设计的载体不同，工具不同，但其本质是相同的，都是带给人全新的认知感受。

为什么是“全新”？为了满足大脑不断接收新信息的欲望，起源于人类的好奇心作祟。激发用户的新鲜与渴望感去消费它，在这个日新月异的行业，它永远不会满足于现状。需要保持创造性、好奇性、延续性才能不断维持着自身的变化， 满足人们对于新事物的认知感受，这也就是设计的目的本身。设计是把已知的变成未知的，用一种全新的视角去看待旧事物。

经济原则的诞生是干脆利落的。现代社会实现了，个人自由产生了。这就提高了占有并消费物品和服务以及积累财富的冲动。如此便生成了无数机构来更有利的满足这些欲望，经过分分合合，一种能够移动世界的强大力量形成了。这便是经济。

经济。旨在鼓励现代社会中的消费者花钱，其运转就是要保障新东西的持续生产。 为了让这些新产品作为消费者的欲望对象流通，媒介发展出各种样式，传播方式不断演变。当经济的力量开始驱动世界，设计只好被经济的新引擎拖着走。 经济力量加强了控制，经济是设计发展背后的主导力量。 面对越来越高的期待， 设计作为一种提供质量、创新与定位的服务， 开始响应对它的这些要求了。

设计在美国一直作为支持其经济发展的市场营销手段的一部分，跃动着生动的色彩。在美国，设计演变为一种极端实用主义的手段，与市场营销分析以及经营战略紧密联系在一起。过去，“经营资源”意味着人力资源、设备和财务资源。现在，他们还要加上信息，包括企业形象和品牌这两项渗透到普罗大众的概念，又是美国巧妙的发展出 企业形象和品牌管理这样的方法，战略性的阐释设计的角色以协助企业经营。

品牌要符合世界经济。设计也的确是与世界经济相联系的。设计是经济的一种驱动力，以及企业管理的一种有力资源。 酷而准确的设计应用能大规模 改进产品竞争力和企业传播的有效性。 一旦我们明白设计具有这种力量，我们就力争得到最高级的方法与最有效的设计。

【欲望的土壤】 设计如一颗树上的果实，土壤则对应着市场， 而构成市场的个人的”欲望水平“控制着土壤的质量。 重要的是大家胃口的质量：大家生活中具有哪些胃口？市场是产品的父母， 而该市场上的欲望质量决定了其产品在全球市场上的竞争力。 问题不在于我们能把市场营销在全球市场上做的多么精准。重要的是企业根基所在的局部市场中的欲望质量。换句话说，就是培育土壤。

一个品牌不是从真空里造出来的。它反映的是它所处的文化和国家的水平。香港的中餐棒极了，在东京就没那么棒。如果差异在于厨师的技术，我们可以从香港或大陆请很棒的厨师来，而且肯定这样做过，但这并不能消除落差。那是因为问题不在厨师身上，而在顾客。 品牌需要本土化，与当地欲望的土壤结出果实，缔造出符合本地市场欲望的品牌形象。 在全球背景下，差异就是价值。市场营销的基础市场就是我们脚下充满欲望的”土地“。

【广告的理念】 原研哉对于无印良品的广告理念建议是“空”，广告整体没有一个明确的画面，但是从效果上，向观众提供了一个空的容器，这个广告启动了信息的互相交换。 广告传播一般是指将你想让受众了解的观点进一步明确的过程：将其转化为一种好理解的信息，选择适当的媒介进行传播。 这是广告的一种传播原则。但在某些情况下，当受众得到的不是一条信息，而是一具空的容器时，传播因为受众自己提供了意义而发生。

广告的传播需要具有一定的差异化特性，它即可以传递一条明确的信息，同时它又是一具容器，可以容纳每个人的想法与印象。 当广告的视觉传达到用户眼中和他们产生不同的感受认知时，在此刻传播完成了。容器的作用是产生思想的焦点。

以日本国旗为例子，中央的红色圆并无任何意义，它只是一个几何形状，提供意义的是人 （人是一切价值的衡量标准）。 所有对形状的结对同等有效，解读依赖解读者。因为他无需认同一种解释。国旗中简单的红色圆就是一具空的容器。既然是空的，它就能容纳每个人的印象。这是一个符号的实质。 符号的功能可以和赋予它的意义一样大。它可以产生极有力的向心力， 因为它几乎覆盖了各种意义，无论是正面的还是负面的，都是广大观众赋予它的。

广告的核心在于包容许多种解读的向心力。 喜欢它的人将他们的各种期待与愿景放入其中。无印良品的广告理念即是对这一事实的承认，并发展为一种方法论。只有当一则广告被当作一具空的容器，观众能够自由的将其想法和愿望置入其中，传播才是有效的。

【知识的获取并非终点】 基本上， 知识不过是一个通过思考的入口， 交谈就是从一些零散的知识开始，围绕着它们一起聊，以此进行彼此的思考。通过将知识的断片与对话的推断进行巧妙的混合，我们就能得到尚未知晓的形象和想法。

【超越现代主义】 设计的故事，包括了引入风格变化的设计、与新技术紧密挂钩的设计，而设计终究不是经济或技术的仆从。在倒向趋势的同时，设计还一直在做另一件好事： 作为理性指针将形式赋予物。在其内心最深处，设计携带着理想主义思想的一种特殊基因：对形状与功能的追求， 即便是以经济能量运行，它仍保有一个酷而虔诚的探路者的形象。

传播也是如此。在混乱的环境中创造一个可信赖的指针就是积聚关于事物真实状态的合理、实用的观察。媒介数量和复杂度的上升导致的是我们传播途径的多元化。传播设计是对这些媒介进行有效组织的方式。 设计不是媒介的下属，设计探索媒介的本质。

对技术与传播间的关系挖的再深一点。某些设计师已经开始重新思考信息质量的可能性了。 我们认识到只有当感觉被调动起来才能觉察出信息质量的深刻性。 我专于传播但已想到，此法之理想并非抓人的图像去吸引观众的眼球，而是让图像渗透五感。这种传播难以捉摸而又牢固，因此极其有力，甚至在我们知道它们存在之前就已经成功了。

最后，设计不只是做东西的艺术。 设计这个职业是在揪着我们的耳朵和眼睛去发现日常生活中的新问题。 人们通过生活创造环境。在对此事实的理性观察之外是技术与设计的未来。在其松散的交汇处，我们会发现现代主义的未来。

【表达的设计】 认识到这句话的重要性是在刚入行的前2年，一次因为意外导致需要我来进行方案提报，方案提报的过程简直可以用“惨不忍睹”四个字来形容，结果自然也是以失败告终，这件事就像在我心里埋下了一颗种子， 应该如何将思维认知与专业能力用合理的语言表达出来。这是我在设计这条道路上必须攻破的难题之一。

从去年疫情开始期间有刻意的去养成读书与写笔记的习惯，有一部分原因是希望当年这颗在心里埋下的种子可以受到阳光而长成参天大树。输入和输出两者都必不可少，读书大部分分为两种取情况，一是消磨时光，最大限度的满足即时愉悦感，这与听音乐看电影别无他样。二是带着学习的目的去读书，这类方式最重要的不是读书，而是阅读过程中自己的思考，古圣先贤们讲过“学而不思则罔，思而不学则殆。” 经过大脑对信息的消化理解后便能形成独特的认知， 从而再去对外输出，去获得更多其他人的认同感。

【思维与专业】 用语言来表达设计固然重要，但是设计终归是门手艺，我们也都是手艺人，无论前期的理性分析思路及设计的表达如何顺畅，表现出来的依旧是那些带有感性思维与富有寓意的颜色与形状。思维层次要与实践能力相辅相成才能让最终呈现的方式更接近完美，有点类似于阳明先生的心学主张：知行合一。把自己知道、了解、认知层次的思维用行为、方式、方法表现出来才是真正的掌握了这些东西。通俗一点来讲： 头脑认知与手上功夫同样重要，手上功夫决定下限，头脑认知决定上限。

2021年5月5日

Ⅸ 设计的六个阶段——《设计思维》读书笔记

本书属于设计类的实用教材，涵盖了设计前中后六个阶段的工作。读完，你可以很清晰地了解到如何进行有效的设计沟通和创意制作。好了，开始写读书笔记。

设计的六个阶段：

一、思考阶段

设计是一个过程，即把一项任务或要求转换为一个产品或设计方案。设计进程可以归纳为七个阶段：定义、调研、构思、打样、精选、实施和总结。设计思维贯穿于每个阶段。

首先，需要定义设计问题和目标受众。对于问题的准确理解有助于制定更多合理的解决方案，这一阶段决定了什么是项目成功的必要因素。

调研阶段主要是收集信息，如设计项目的历史资料、用户研究资料以及反馈意见等，并且找出潜在的障碍。

构思阶段必须围绕满足用户的目的和需求进行讨论，可以采用头脑风暴等方法。

打样是对设计构思的初步确认，在用户组和参与方审核后提交给客户。

精选是改进那些经审查不太符合目标的方案。有些方案可能很实用，但并不一定是最好的。

实施确保了设计的顺利进行，并且将最终交付给客户。

总结有助于提高设计人员的能力，因此设计师应收集客户和目标受众的反馈意见，并确定方案是否达到了既定目标，这也有助于日后进一步改善设计。

二、调研阶段

调研阶段旨在确定设计动力，以便促进目标群体对于设计的作用。同时，还需明确可能阻碍设计成功的因素。

步骤：

1、收集信息。在进行调研时，信息可以分为两类：定量信息和定性信息。这有助于确定一个目标市场的规模及特征；

2、目标群体：调研阶段确定并提供了对一个领域梅的不同消费者或用户群的初步分类以及他们的特征；

3、抽样和反馈：对目标群体的动机、行为和愿望的了解，往往需要对该群体进行详细研究。由于不可能——测验目标人群中的每个成员，所以通常会确定一个抽样组；

三、构思

设计任务书经过确定和调研后，在构思阶段产生创意或形成解决设计问题的概念，这也是设计进程中释放创造力的一个阶段。构思的目的是创造在随后的阶段中能够发展并解决问题的概念，因此需要关注创意而不是设计的词汇。

创造力体现出一种纯粹的独创意识，并且众所周知，它是没有边界的。但是平面设计需要的是适用于特定目标的实用型创新，这受到了设计任务书以及在调研阶段所产生的定量信息和定性信息的影响或制约。

步骤：

1、基本设计方向：从已知点开始（通常是现有设计或竞争产品、品牌和团体），设计人员可以按特定的“方向”思考，以便从现有的设计中形成新的思路。特定的“方向”包括：差异，趋同，转换；

2、构思的主题：设计人员经常要面对挑战，这种挑战是要在有限空间中整合大量信息。有几个原则可以用于设计进程，并有助于战胜这一挑战：

（1）KISS:Keep It Short and Simple；

（2）中心点：只挑选关键信息要素作为设计的中心点；

（3）自上而下和自下而上：系统地审视设计问题，然后向下挖掘，以在铁定区域添加细节（自上而下）；或首先聚焦于基本要素，向上运作以把这些链接成为系统的一部分（自下而上）；

（4）奥卡姆剃刀选择：应缩减并不是真正需要的内容来简化事物；

3、灵感和参考：灵感是任何创造性活动中必不可少的，设计也不例外。灵感是专业设计人员从无数来源中吸收好的想法，产生激动人心的设计思路的关键；

4、头脑风暴法：是一种集体开发创造性思维的方法，它同时有助于在构思阶段产生解决方案；

5、价值：价值是设计中经常使用的术语。例如，设计师通过视觉识别的创新提高一个品牌的“附加值”，然而在设计思维领域，我们所关注的是设计为客户所创造出来的价值，比如说直接刺激销售，或者间接地提升一个品牌或机构的信誉；

6、包容性：整合设计过程中，重要的是牢记谁是目标受众，并考虑怎样的设计思路才可能与这些受众产生共鸣。设计必须关注与谁沟通，而不仅仅代表设计者的品味。包容性意味着需要征求目标群体的观点、意见和看法；

7、草图：大多数设计师通过草图把想法快速地记录在纸上。草图能够非常直接地传达出一个设计或设计元素的视觉观念，可以被用于设计进程的许多方面；

8、设计提案：一定要把几种具有可行性的设计方案同时介绍给客户，他们会在这些提案中选出一个自己满意的设计。能够很好地表达设计想法很重要，想法再好，可是展示介绍做得很差，那么也达不到想要的效果；

四、改进

逐步创建一个设计方案包括两个方面，一是对艺术作品的不断改进，二是对传达信息的不断完善。改进主要是指设计方案中微小却重要的改动，以深化设计理念，增强作品的表现力。

五、打样

样品制作为测试设计创意提供了机会，以不同的方式检验它的实际效果，从而更全面地了解它作为视觉传达的一部分起到怎样的作用。

六、实施

设计方案一经选定，就需要付诸实施和生产。在这个阶段，需要完成设计工作，并交付给客户。实施是设计进程的终点，需要将先前的设计方案切实表现为实际效果。然而，这部分工作并不是作为生产指南，而是提供了一个设计思想概要，这些实体背后的设计思维需要在实际生产过程中体现出来。

结语：本书概述了设计思维背后的基本理念，这些理念也正由设计师日复一日地实践着。不同的工作需要运用不同的思维过程和技巧来发展和实现有创造力的设计概念，其最终目的是以最好的方式来展现信息，并与受众进行有效的沟通。此外，设计思维还为设计进程提供了一个运行框架，有助于设计师从创意产生或概念阶段顺利推进到最终产品和审查复核。

Ⅹ 装置艺术的如何解读

装置艺术“Installation art ” 兴起于上个世纪70年代的美国，是当代艺术的重要表现形式，目前还是非常活跃的一种艺术类别，看看这几年各地双年展和巴塞尔的报道，刷爆了各种媒体和社交网络的艺术作品十个里有九个是装置艺术。
装置艺术作为一个门类，目前自身还在发展和完善。在我看来，由于“空间”、“技术”和 “人们的体验”是装置艺术的创作本身非常重要的元素，所以随着这些概念的不断延伸，装置艺术自己也在不断的变化。这也是为什么学术界至今还比较难给装置艺术下定义、分流派的原因，一个是因为其历史还较短，没有像绘画雕塑那样有明显的年代推进带来的流派划分，二是装置艺术性质复杂，包罗万象，自身还在变化。

但是要来说说装置艺术的几个发展类型和代表作品，那还是可以一谈的。
首先，我要说我这篇回答是基于我自己在美国艺术学院学习Installation Art一课后的感受和自身体会谈的，在欧洲学习艺术的朋友可能有不一样的理解。二个，我的理论支持主要来自于两本书，也是美国学院派比较认可的关于装置艺术的两本书：第一本是美国人Claire Bishop写的《Installation Art: A critical history》；第二本是MIT和Whitechapel Gallery联合出版的当代艺术文献系列的 《Participation》这一本，编者其实也是Bishop。