互动装置设计艺术家

『壹』 谁知道最早关于互动艺术的作品

找了N久
1968由瑞迪哈第(Jasia Reidhardt)策划 具 程碑意义的 位艺术展「神经机械奇缘」(Cybernetic Serendipity),共有43位作曲家,艺术家,诗人以及87为工程师,医师,电脑科学家,哲学家共同 与, 计45000~60000人次 观.瑞迪哈第在此展中首次探究 科技与艺术创作之间的实验关系,呈现人 使用电脑新科技延伸创造性,并提出互动艺术过程中的艺术观赏经验必须重新被定义之看法.

电子书格式
http://www.yutseng.com/yutseng/doc/tseng_200506.pdf

互动装置艺术的概念界定及其特征研究
http://blog.hxsd.com.cn/blog/2003xin/category/c1009.html

世界之城——影像多媒体互动艺术展
http://www.china-meishujia.com/Article/6/5/200508/13424.html

『贰』 雾幕投影，亦真亦幻的人造「海市蜃楼」

雾幕投影 又叫 水幕投影 ，顾名思义就是 在水幕或水帘上投射影像 ，利用 海市蜃楼的成像原理 ， 借助空气中存在的微粒将光影图像呈现 。

薄薄的水雾墙代替传统的投影幕，使人能在影像中随意穿梭，达到真人可进入画面的虚幻效果，带来前所未有的视听体验。

还可以设计人体动作追踪，人们可以在影像中穿行、触摸、与之交互，让参与者身临其境，带来娱乐和互动趣味性。

宝马采用水幕投影技术，用一场不可思议的发布会诠释了宝马3系澎湃卓群的动力表现和动感犀利的外观设计，这场“水上芭蕾”不仅描绘了宝马产品的创新精神，更表达了宝马对未来技术的引领决心。

表演开始，宝马LOGO从水面浮出，关于宝马3系的故事就此展开。一只手在水幕上绘制出一辆全新宝马3系汽车轮廓，之后车辆淡化成水雾。

宝马以各种运动项目的运动精神来定义新宝马3系的汽车属性，代表“能力”的网球运动员击打网球，代表“精度”的高尔夫球手挥杆击球，代表“速度”的田径选手，快速奔跑，跨越障碍......

随后迎来了发布会的重点，宝马3系在一条鲨鱼的追赶下快速飞驰，一个完美的漂移逃开了鲨鱼的血盆大口，接着汽车在湖面上旋转，展示车辆的每一个细节，最后宝马的LOGO从水下浮出首尾呼应，一场3D水幕投影产品发布会完美收场。

韩国国立果川科学馆设计的互动雾幕将海洋、太空的图像投到水蒸气上，形成了一片雾气屏幕。

装置还设计了运动传感器，可以进行体感互动，感应孩子们的行为，并相应地变化图像。

借由雾幕，孩子们与海中泡泡可以进行亲密接触，寥寥深海、太空景色触手可及。

屏幕的气流使得投影画面微微起伏，海洋生物就像在现实中隐隐绰绰地穿行。孩子们纷纷聚集在这个神奇的屏幕前，探究这一切广阔的未知。

荷兰艺术家Thijs Biersteker与Amp.Amsterdam的声音设计团队共同创造了一个神奇的迷雾互动装置Periscopista。

在Down The Rabbit Hole音乐节上，Periscopista作为节日艺术装置被放置在湖面上，人们可以通过视频输入、声音和动作来控制它并创造出炫目迷幻的视觉效果。

Periscopista通过传感器技术和运动跟踪技术将观众转变为创作者来激发互动，它的视觉变幻借助相机捕捉到的场景变化而变化，音乐效果则根据数个麦克风所拾取的人群噪音量而巧妙改变。

人们向湖岸边潜望镜似的装置里大喊，湖面上的迷幻动画会随着声音明艳多彩；人们跳舞和喊叫的次数越多，对画面的影响越大。

4 Puma新品发布会水幕投影

Puma在伦敦采用了一种霸道的手段来为新品发布会造势。这是一场规模空前的发布会现场，制作团队竟承包了“整个”泰晤士河来播放Puma & Arsenal最新的联名系列宣传片，并在Twitter上全球直播，给过路的游人留下了深刻的印象。

这是一组巨大面积的水幕投影装置从观众的视角望去，比伦敦眼的圆盘还大，制作团队在泰晤士河河面设置了一排数百加仑功率的水泵制雾机，用来制造投影所需的雾面幕布，在编排上，制作团队还巧妙地将其与伦敦眼并排排列，将伦敦眼作为投影动画中的实体背景进行互动。

在投影的影片中，敦伦眼被扮演成一个巨大的互动背景，影片中它时而扮演表盘的盘面，投影指针在中心转动从而营造出倒计时的效果；又或是在被射出的球靠近伦敦眼的轮廓时产生回馈，制造撞击感。

所有的内容都是经过与背景的精心定位设计而成的，这使得现场的观众有一种身临其境的互动观感体验。

PUMA 利用这种令人印象深刻的营销技巧引起了一连串的媒体关注。通过在现场活动环境中结合新颖的多媒体技术和令人兴奋的视觉表现力成功的霸占了当时社交媒体的热门标签和推荐，这种特别的广告方式为品牌带来一种全新的营销形式。

5 香港的海洋公园环形水幕电影

2011年初在香港的海洋公园上映了一幕环形水幕电影，震撼的视觉冲击，配合超大功率的音响效果，变幻莫测的激光束，让现场的观众好像进入了神秘奇幻的仙境一般。

水幕投影的感官是透明的，可完全透过水幕，结合后面的背景画面，而且水幕可以无限拉高，不受光线的影响，观看表演的观众，不用担心位置不佳影响效果。

6 迪拜Festival City水光投影秀

迪拜Festival City举办了一场水光投影秀，这个作品是由Laservision Mega Media团队设计创作，其灵感来源于一个影像故事「A Child's Dream」，故事讲述的是一个小男孩通过飞机、鲸鱼、树屋和跳舞的机器人等这些虚构的事物来谱写他的神奇之旅。

12台同款投影机来营造美丽的海湾水幕，6个水幕共同组成一个宽68米、高13米的无缝巨幕，总面积达892平方米。

投影机并排投射出360°多媒体影像，以“火、水、光、敬畏”为主题，演绎了一场庞大惊艳的水幕表演。

*如有「相关项目需求」，欢迎留言。

『叁』 北京SKP2020年销售额出炉，达到了多少

3FDISCOVERY

三层因为SKP SELECT占了较大的区域，也因此这层品牌与环境的融合度则更高。顺着SKP SELECT 往前走即到达了时空隧道，这也是“人类由陆地去往火星”的过程。拍照的时候小朋友一直说他在太空舱里，这或许就是品牌文化在下一代的延续。再往前走，即抵达了GENTLE MONSTER的全球首家创意奇幻主题咖啡厅NUDAKE。

B1FENDEAVOUR

ENDEAVOUR字面意义上，即是旅程到此结束。也因此在这一层以“补给”类的餐饮品牌较多。

『肆』 极星携手X美术馆推出艺术车 基于极星1双门GT跑车打造

《御风而行》艺术装置，

艺术家Thijs Biersteker与极星可持续发展官弗雷德里卡·克拉伦（Fredrika Klarén）

本次极星艺术车的合作是一次艺术与科技融合的崭新开端，极星将与X美术馆共同提供一个多元化平台，鼓励有才华的艺术家从艺术、科技、创新的角度打破边界，重塑我们的社会。

『伍』 新媒体艺术设计的相关作品

最具浪漫气质的作品
作品名：十六只鸟
艺术家：基口·迈克马赫特里/ 无定型机器人作坊 (美国)
材料： 机器人装置
作为第一个“无定型机器人作坊”膨胀技术的多重雕塑装置，“鸟儿们”通过对动作、图像、比例和声音的研究体现出对生命循环的沉思。十六个巨大的白色编织物好像是简单线条勾勒出来的鸟，又像是一只蝙蝠柔软而无生气的萎缩残骸，或者是经过时间侵蚀的棱纹建筑物遗迹。当参观者走近，这些枯萎无生气的东西就会逐渐充气膨胀，加长变大为锥形，舒展成优美丰满的羽翼。
它们的固定旅程是：由伺服机控制的空气囊鼓动产生缓慢而优雅的拍打动作。一系列的多次拍打动作形成一种持续而有节奏的微风声。在短暂的飞行后，这些鸟儿走到了它们生命的尽头，从其顶端开始放气，萎缩成原来的状态。
《十六只鸟》的艺术家来自美国。他拥有一头乱发并需要安静的环境来思考作品。
如果读者中有曾经在美术馆看过这个作品的话，会搞不清楚为什么作品名称是《十六只鸟》，但是现场只有十五只鸟，另外那只鸟在展厅的任何角落都找不到踪影。关于这个作品最有趣的一个幕后话题是，其中一只鸟在运往中国的路途中神秘消失。
最具未来感的作品
作品名： 行走的头
艺术家：Stelarc (澳大利亚)
材料：机器人系统
这是一个直径为2米的自控交互式行走机器人。它有六条腿，垂直安装在其底盘上的液晶显示屏由计算机成像显示出人头像，象征“头脑”。头脑可以向各个方向转动，以配合所显示的头像动画。机器人带有超声波扫描传感器，可以感知是否有人从它前面经过。无人经过时，它会坐在原地不动。一旦有人进入展示空间，它就会站起来，从预排程序库中调出一些动作指令进行几分钟舞蹈表演，然后停下来直到再有人经过。机器人活动的舞台直径约为4-5米，其传感系统会探测它是否已接近舞台边缘，使它及时退回转向。这是一个真实-虚拟并存的系统，其机械腿的动作是真实动作，而其显示屏中面部表情的点头、转动、倾斜、眨眼等则是虚拟动作。通过压缩空气的旋律和机械声音，行走的头也可以发声。该机器人还可以通过基于网络的三维模型来驱动，由运动图像菜单来控制其具体动作。整个机器人是以压缩气作用作为运转动力的。
《行走的头》的创作者，艺术家Stelarc，也是媒体报道的《六腿机器人让您开眼界 》的创作者，向我们展示他的另一件作品《手臂上的耳朵》，这个耳朵内部装有蓝牙耳机，可以“听到”我们的对话。
最具神话色彩的作品
作品名： 铁床贼之路
艺术家：让.迈克尔.布鲁约尔 (法国)
材料： 电子机械床装置
（达玛斯忒斯(Damastes)是希腊神话中的著名强盗,外号铁床贼;）
“铁床贼之路”是一件雕塑作品，由21架白色的医用床及悬挂在其上面的21根荧光日光灯管组成。这些床在计算机的设定和同步操作下处于一种永远舞动的状态。它们在表演一场芭蕾舞剧。
每张床都配有一个剪式千斤顶，使床的垂直运动幅度能从距地面38厘米到81厘米。床的上面还装有控制位置的机动装置，可以使床垫某一部分的旋转角度达到0-70度。其垂直运动和旋转运动既可以同时进行也可以分别完成。
这21张床由一个个人计算机的数码音响系统连接在一起。计算机可发布并同步其运动程序指令。床可以独舞也可以群舞，从而上演着场面宏大的芭蕾舞。床下面的格架在舞动中发出变化多端的吱吱声，恰好组成了这场芭蕾舞的配乐。
“铁床贼之路”所安置的房间将全部铺满厚厚一层枯萎的叶片，并通过定时喷雾来保持其湿润和芳香。除了其审美意义和隐喻性之外，这些叶片也能遮盖住每张床下的电路控制系统。
根据装置展出的空间条件，床可以摆成一行、一圈或是其他队列形式，但总是严谨而有规则地连接在一起（床间距根据其条件限制可以在90-115厘米的范围内）。
床上配有床垫、枕头、床单、枕套以及白色的毯子。
荧光灯管悬挂在每张床中心上方2.10米处。它们和床一样按照非常精确地方式排列。
最富情感的作品
作品名：因缘
艺术家：昆特·亨特斯莱格尔 (奥地利/美国)
材料： 沉浸式虚拟现实装置
这是一个“有生命”的环境，一个渐变的视听装置。作品呈非线性展开，冥想的宁静紧随着混乱与骚动。看似不适且颤抖晃动着的三维人形悬浮在空间内，彰显出这个装置的活力，其运动制造出一种嗡嗡作响的声音效果。这些三维人形像木偶一样悬挂在绳子上，在注入亲切而又暧昧的人类生活意识之后，它们就像傀儡一样在绳子上乱舞。
“因缘”（Karma）一词恰好也是多人电脑游戏“虚拟竞技场”中一个物理仿真体的名字。“虚拟竞技场”或是“三维实时装置”中的“因缘”都描述了对重力或动能力等物理法则的模仿。
在“因缘”/细胞中，三维人形的运动和动作由一个附加的声音软件合成，它们在空中合成一条动态声轨。在多个人形构成的交响乐队中，每个人形都是其中的一个乐器，他们各自的“运动和情感”变化，形成了多层音效空间。无论是三维人形动态的实时组合还是其音效建构，在艺术家为它们设定的脚本内，都能够展开变化万千的情感表达。
最拓展视听的作品
作品名：声音绘画
艺术家：金基哲 (韩国)
材料： 互动装置
声音是作品中的要素。由于声音无法被观察到，它作用于大脑不同于视觉感受的部分，因此，通过作品，艺术家在寻找一种方式“看”声音。想法源自佛教的《莲花经》 。
原意是说：当我们正在遭受苦难，我们讲avalokiteśvara菩萨的名字，他便可以听到，并帮助我们达到涅槃。因此，艺术家从2001年开始试图所做的作品皆具有“观音”的含义。这种风格的作品创作告诉我们菩萨的名字。 avalokiteśvara菩萨的名字翻译成韩文是kwan eum ，意思是“观音”。
声音绘画
通过思考为何我们不能描画声音、怎样才能描画声音，艺术家的答案原来是如此的近在眼前：铅笔和电阻器是同样的工具，那意味着只需赋予铅笔以电阻器的功能。声音是纯正的正弦波，声音并不酷，但可以感受到这种原始的真实感……
最全球化的作品
作品名：地书
艺术家：徐冰 (中国)
材料： 互动装置
《地书》是一本可读的小说，是用徐冰几年来搜集整理出的一套“标识语言”写成的。读者不管是何种文化背景，只要被卷入当代生活，就可以读懂它。通过这本书的“字库”软件，使用者将英文句子打入键盘，电脑即刻转译成这种标识语言，既起到《字典》的作用，将来也会有实用价值。
观众可以在电脑屏幕上看到转换为标识的对话
在艺术家看来，艺术重要的不是它象不象艺术，而是能否提示一种新的看事情的角度。从二十年前的一部叫《天书》的作品创作开始，称它为“天书”，因为世上没人能读懂；用这套“标识语言”，艺术家又写了一本让说任何语言的人都能够读懂的书——《地书》。事实上，这两本书有共同之处：不管你讲什么语言，也不管你是否受过教育，它们平等地对待世界上的每一个人。
《地书》的作者，艺术家徐冰和助手在电脑前观看标识语言的对话
最铭记于心的作品
作品名：不朽的使命—石棺
艺术家：etoy 小组 (瑞士及其他多国)
材料： 集装箱，发光二极管装置
这是网络艺术先驱etoy小组的最新作品，并宣称是信息技术数字时代的后生命崇拜。自2004年以来该项目就在不断推进，涉及有关存在的主题，诸如守恒与失忆，未来、现在和过去，以及生命和死亡。作品大胆地将这些主题植入数字交流和信息技术的时代无疑是具有挑战性的。
不朽的使命—石棺
通过运用数字媒体技术，使所选择的“飞行员”在肉体死亡后仍能够在时空旅行中得到永生。在“奥秘胶囊”中存有飞行员的综合信息数字化肖像，从而使他们虽死犹生。肖像由多种元素组成：附加了诸如姓名、出生日期、家庭和法律关系等标准信息，还有遗嘱、合同等法律文件。更进一步的信息深入洞察到“飞行员”的生活：他（她）的传记、消费模式、社会关系网图示。作品的可视部分包括多种数字照片：“飞行员”本人各时期的生活照、亲友照片、以及360º扫描的全息肖像，还有录影胶片及会面场景。这些信息中也有音频部分，诸如本人的声音采样、亲友的声音、最喜欢的音乐等等。而根据发送时间表进行讯息储存等内容也包括在这个计划之内。如果“飞行员”本人希望的话，甚至还可以储存他们的骨灰。
作品既出人意料又富吸引力，它糅合了些许无政府主义的音调，且忽略了目录或论文等固有程式——但这具情感飞行器仍然会带给人深深的触动。
《不朽的使命—石棺》刚刚运至美术馆前广场
最令人驻足的作品
作品名：接触我
艺术家：blendid 创作团队 (荷兰)
材料： 互动装置
参与者可以通过这个互动装置，创造出个人图像，并且将其展示在不同的公共场所中。装置的尺寸可以变化，从而记录并且展示完整的人体尺度。在互动中，参与者将身体的某个部位或者其他物体与磨砂玻璃表面接触，互动的结果是玻璃板会留下某些烙印，继而创造出图象。图像会作为玻璃板的一部分被保留下来，在没有其他互动的情况下展出一段时间，供大家参观。
《触摸我》的艺术家投入的在自己的作品前留下影像
参与者从互动过程中体验到乐趣，而他们所创造的额外印记还会被永久保留下来，作为作品的一个部分。
最亲密的作品
作品名：亲密的交流
艺术家：Transmute (澳大利亚)
材料： 互动/远程通信/机器人装置
这是一个令人兴奋的新式交互装置，可以使身处异地的两个人同时以身体动作互相交流。每个参与者需要使用一种叫做“身体板”的物理界面。通过在这个“巧妙的家具”上轻轻移动他们的身体，他们之间就产生了“亲密交流”。由数字肖像、多波段声音和触觉反馈所创造的“世界”就这样在“亲密交流”的影响下展开。
《亲密的交流》的艺术家们在布展现场有序的分工合作
尽管参与者身处异地，不能直接看到或听到对方，但这种共享体验可以使他们逐渐形成相互间感官的亲密关系。因此，在作品生态系统中，参与者被聚焦于理解相互作用和相互关系的焦点上。
最亲近大师的作品
作品名：电脑空间的最终审判
艺术家：缪晓春 (中国)
材料： DVD投影，全境灯箱装置
绘制于1536年到1541年的罗马西斯庭大教堂壁画，是西方艺术史上最重要的作品之一。蓝色背景上分布着一系列如群星闪烁般的人物形象，在当时是十分少见：飞动的天使和十二门徒环绕着极具古典美的耶稣。画的前景上并没有突出宗教气息；相反，米开朗琪罗着力描绘了每个人物的动态，彰显出其艺术大师的风范。
新媒体艺术作品《电脑空间的最终审判》正在布展
缪晓春为作品注入了迷人的魔力，根据自己的身体创作了电脑雕像，并以其置换米开朗琪罗画作中的所有人物。他严格遵循原作中的视觉结构，在虚拟空间中安排这些替身。通过娴熟地运用数字技术使米开朗琪罗的画作透明化，并在其中打开了五个不同的透视点。这一技术使艺术家能像游客一样在作品中漫步。通过探索“绘画中的人物看到了什么”、“壁画中的角色看到了什么”，从而为观众提供得以窥探此中奥秘的视角。
最有趣的作品
作品名：生动的厨房
艺术家：Stefan Doepner, Jan Cummerow (德国)
材料： MIDI驱动系统
世界在很大程度上是由机器构成。我们使用这些“黑盒子”比用最简单的工具，如铅笔或锤子更顺手。技术开发的复杂性，机械和电子的日常设备并没有进入我们的观感。在系统的背后，创造过程和条件，是没有透明度的。这个论题贯穿于发展和发明应为我们服务，让我们使用的设备简单、有效。
“生动的厨房-快乐的21世纪末”提供观众探讨他/她自己的日常生活中自动化和生活义务的机会：在瞬间内平凡的环境会产生审美的情感。作品通过将一个标准化的厨房配备无所不有的设备和工具，所有设备运作到一定程度，厨房家具及家居物品便具有了自己的生命；使他们自己诗意的发出声响，而且不断强化好像要脱离其环境。但是它们的功能并非是通过使用来产生，它们有自身的活力。有如一个乐队，厨房设备、工具和箱子、椅子、桌子有节奏的跳跃。然后它们的动作逐渐放慢，灯光变暗。
最晕眩的作品
作品名：你在哪里？360度全景
艺术家： 卢克·库彻斯恩 (加拿大)
材料：实时三维控制系统装置
置身于作品中，观众如同在梦中飞翔，穿过一个多维的世界，在过去与未来之间穿梭，在明亮与黑暗之间游走，在私人与公众之间转换。沉浸其中，通过一个操纵杆在X,Y和Z三个轴中调换，进入一个以等级衡量的信息/体验空间。
处在等级0的时候，世界是一个简单的空间，犹如航海时用XYZ三个坐标定位。处在等级+1的时候，世界变成了一个混合体，充满了图片、声音、文章以及作品创作者的物品。当到达+2的时候，就进入了一个“分子”化的世界，各种物体都变成了微粒，自然构成的光影组合而成了世界，让人回想起19世纪印象主义对世界的看法，同时也孕育了抽象主义的雏形。当继续上升至等级+3时，展现在观众眼前的是庄严的山川幽谷的风景，充满了18世纪独特的绘画思维格调。
处在任何等级中，观众都将遭遇到其他的居住者：有远程设备连接的活生生的事物（如果启动的话），有提前录制好的展示在视频窗口的事物，参观者还会遇到他们自己——隐藏的摄像机会将参观者的图片融入这个构造出来的世界中。 在这个作品中，主体（演员、观众、参与者）控制了自身的状态：他/她的位置、他/她的行走路径以及速度，或许会更为有趣的是，可以决定他/她将在哪个等级中“生存”。
最好玩的作品
作品名：飞艇攻击
艺术家：知识机器人研究小组 (瑞士)
材料： 互动装置
“赤身人/在此,亦不在此/白色至上”表述的是在一个假想的关押地点，嫌疑人的公民权利或其战俘的法律地位被悬滞。在互动装置中，克里斯蒂安·胡伯勒，亚历山大·塔查塞克和伊冯·威廉共同创造了一个无可名状的流动权力的随意空间。进入房间内，参与者被一群黑色气球环绕。银色飞艇徘徊在头上，非常脆弱并轻如鸿毛。飞艇装有一个具有方向感的照相机，不断向四处扫描。相机的程序设定为跟综距离最远的一个气球，但同时也对人身作出反应。回避飞艇的袭击是很容易的，但是我们尊重它脆弱的科技，不愿予以还击。这个不知疲倦的，被叫作 白色至上 的匿名攻击者，使人感到畏惧，有时亦颇为滑稽。
在这种让人感到压抑的环境中，一个匿名男声不断重复着一句话“赤身人/在此,亦不在此/白色至上”。它带有指挥的语气，第二个声音回答赤裸裸的强盗。通过这种方式，装置暗示囚犯被剥夺了一切权利时的地位，他们在这里 是非常真实的。但他们法律上的存在是被否认的不在场 。
此外，房间还有电脑显示器敦促观众的介入。按下按钮逃脱指示是模糊的。艺术家利用软件代码作为创作媒介，设计并模拟数字行为，而不是人物或形象。程序不仅可以重新启动，还可以改变自身，使“白色至上”失去控制功能。如果有足够的观众采取主动，程序会引发打断男子独白第三个声音：“赤身人/在此，就在眼前”！结束赤身人的语言徘徊，白色主权的马达停止。
最数字时代的作品
作品名：信息漩涡
艺术家：克里斯托夫·希尔德布朗德 (德国)
材料： LED 网络装置
以2000年在凯马博物馆参展的“矩阵”，2004年欧洲多媒体美术展的“词汇”，和2006年在格罗宁根·屈米博物馆的“意味”为基础。 作品由210 个带有各种图标的LED嵌板组成以展示全球社会、经济和科学的表征，形成一个21米长3米高的大屏幕。
“信息漩涡”运用LED，使每个嵌板看似一个能展示不同文字的流动电子招牌的一个像素，文字和图标的混合创造出不停的对话并形成的叙事的一个场景。
最喧闹的作品
作品名：zgodlocator/version zII
艺术家：赫维戈·怀瑟 (奥地利)
材料： 电磁影像雕蒴
装置是根据计算机硬盘上的磁原理来组合带有磁性的金属微粒。这些微小的金属颗粒实际上是磨碎的电脑零件：电路板、硬盘驱动器、处理器、监察器屏幕，等等。这个磨碎的硬件沙尘被铺放在可以突然引发转变金属微粒的电磁格段上。他们产生磁刺激反应形成的奇异和突发性雕塑似的变形。这些颗粒看起来就像是黑色金属材料，如此美丽。观众还可以通过旋转表盘来改变产生的图案。因此，颗粒状的计算机网格，一次又一次形成新的惊奇和不断变化的形状。当然，不像电脑硬盘，zgodlocator/版zii并不关心长期存放文本或图像。它的主题是动态模式。如果有记忆，也是很短和随时变化的。在zgodlocator中，磁性成为一个存放处，并是操纵和处理信息原始形式的地方。作品的意图可能是强调发生在一个电脑环境中不断再生的信息。它同时用微妙的方式结合视觉和音响效果。各种各样的麦克风和电磁感应器设在电子土壤中捕捉'硬件的声音'。作品中的程序编码把原始的音频转换成图形，化为颗粒景观。
最具游戏感的作品
作品名：北京加速器
艺术家：马尼克斯 (荷兰)
材料： 互动装置
艺术家在访问北京后感受到北京飞速的变化，体会到一个加速迈入现代化城市的活力。 北京加速器所面对的正是速度对现今城市生活的影响，从这个意义上讲，它类似于一个以前的作品：全景加速器。 但是北京版通过优越的设计增强画面感，使观众的体验更为直观。
作品与身体和视觉感知产生一种游戏关系。参与者坐在装有操纵杆的电动转椅上，面前屏幕上显示出北京的全景，随参与者的方向与速度旋转。在旋转时，参与者控制坐位的方向和速度，如果与画面无法同步，人体平衡系统将发出不同的信息到大脑和眼睛，会导致激烈的失控感觉，并最终导致恶心。但其目的是使动态影像与坐位的旋转速度一致。一旦达到这个目标，参与者可以查看没有失去方向感和不令人恶心的图象。不过在很短的时间内，一个新的景色会用更高的速度设定旋转。游戏变得更难以取得平衡及看清图片。游戏总共由六个级别组成。
最捕风捉影的作品
作品名：拿走
艺术家：大卫·洛克比 (加拿大)
材料： 互动装置
该作品由两部分展示组成，两个庞大的投影出现在一面墙上。在展览空间的左侧，系统从地面以及墙面等多个角度共同搜捕参观者的踪迹，每隔20秒恢复到原位。20秒内展览空间内所发生的动作通过电脑传输到屏幕上，随后继续重复。众多图像制造出一种混乱的火热场面，既可以被理解成与统计学有关的展览策划（大部分的人选择站在那里？人们会走动吗？），也可以看作是针对每一个参观者的参观纪录。这些图像是高度社会化的，并且是极为混乱的。展览空间的右侧是为参观者准备的目录。展览空间里的每个参观者都被跟踪。他们的头像被放大投影在屏幕上，同时会出现评论他们的形容词（例如“信任的”，“相关联的”，“饥饿的”）。最近参观的200位参观者头像变幻成矩阵，通常是100个头像的矩阵，偶尔会是200个，矩阵以缓慢的速度移动。右侧的这种展示形式是充满解析的，同时也是高度秩序化的甚至让人产生一种胁迫的感觉。
最宏大的作品
作品名：气流声场
艺术家：埃德文·万德·海德 (荷兰)
材料： 声音装置
建筑：NOX
由一组空气阀门组成的作品用来制作风、压力和声音，在观众头顶上产生出类似呼吸的声场。这种奇特的声响是我们周围空气中临时压力变化造成的，而音箱则通常是利用颤动的薄膜来产生这些压力变化使我们感觉到“音响”。在“气流声场”中，压缩的空气被用来生产音响。压缩气体非常快速地通过空气阀门在空中释放。“气流声场”由一个有42个相互独立且可控制的阀门构成一个10x20米的涵盖面。声音和风力在这个面积里以不同的速度、方向和强度交错、穿插。其格式由一种自生的方式生成，是对风的空间动向的解释。观众须自我把握在这一氛围里的位置所在。
尽管每个阀门制造出自己的声音，但观众将会感受到其音响带有一种流动的形状，过程与观看电影相似。电影画面并非单独的系列镜头，而是时间中一连串的动作。作品利用42个阀门运作时的时差，以不同的速度，延缓和重复创造有诗意的音响环境。

『陆』 ALIENWARE m15/m17新品发布，让想象力再飞一点

ALIENWARE启动「创造即 游戏 」新品发布会， 迄今为止ALIENWARE最薄的15英寸、17英寸笔记本电脑 — ALIENWARE m15与ALIENWARE m17超轻悍PC上市中国！薄至20毫米以内的超轻悍PC以"超强性能"打破想象力边界。

ALIENWARE m15与ALIENWARE m17超轻悍PC上市中国

戴尔中国消费及小企业市场部 ALIENWARE及戴尔 游戏 品牌高级经理 陈伯然与戴尔中国消费及小企业事业部ALIENWARE产品经理 陈依婷介绍全新ALIENWARE m15/m17

发布会现场众多艺术家、音乐人、 游戏 大咖云集，与ALIENWARE共同诠释「创造即 游戏 」。八位艺术家们还以ALIENWARE m15/m17超轻悍PC为灵感，结合ALIENWARE"未来 科技 "理念，创作出多种大型梦幻 科技 装置，用卓越的创造力与ALIENWARE的 探索 创新精神发出共鸣。新锐多媒体互动装置艺术团体pink;money团队表示："艺术家需要强大的灵感来源以驱动创作过程，全新ALIENWARE m15/m17笔记本电脑成为我们此次两个装置的"缪斯"。我们是 游戏 玩家，也是艺术创造者，而无论是 游戏 还是创造都需要持续的 探索 与破界。"

pink;money以ALIENWARE m15/m17为灵感的作品《情绪流明》

pink;money结合ALIENWARE"未来 科技 "理念打造作品《离线的风景》

除了pink;money现场构建的大型灯光装置《情绪流明》与《离线的风景》，摩登天空创意视觉厂牌MVM特别打造「I.M.O. の REZ_特别作业工程师」，并展映「无限宇宙 / 不思议な无数 COSMOS_Infinite Cosmos_SE2」；新锐视觉艺术开拓者曹业，创作《临界》、《B.O.O.M!!!》、《Deep Creation》，通过点线面的转化形变为观众演示了极具趣味的创造过程；视觉艺术家、DING DONG STUDIO创始人丁东以作品《时间的惯性》，让观众沉浸在 游戏 的虚拟世界中获得 娱乐 趣味的同时，还可以感受到切身参与推进 游戏 剧情的"创作体验"；还有氛围音乐厂牌"Sound Blanc 白"的首位签约音乐人Janjee Wang，也在现场用《来自异空间的回响》为现场观众带来一场精彩的氛围音乐演出。

MVM特别为ALIENWARE打造「I.M.O. の REZ_特别作业工程师」

曹业作品通过点线面的转化形变演示了极具趣味的创造过程

丁东以作品《时间的惯性》让观众感受到切身参与推进 游戏 剧情的"创作体验"

"Sound Blanc 白"用《来自异空间的回响》带来精彩的氛围音乐演出

ALIENWARE全新家族设计语言 缔造超乎想象的轻薄与强悍

ALIENWARE m15/m17超轻悍PC，采用全新ALIENWARE家族设计语言。INFINITE环形灯带，将工业设计推至全新维度；蜂巢形结构散热孔设计，兼顾 科技 美学与强效散热；机身表面高密涂层带来丝绸触感；高强度镁合金材质注入机身后，不但提高机身坚固系数也极大限度降低机身重量。两款超轻悍PC全面重塑后，ALIENWARE m15最薄机型薄至17.9mm，而ALIENWARE m17最薄处也仅为18.6mm，甚至搭载有170°的超广亮度视角屏幕，应用EYESAFE®技术，在还原真实色彩的同时让低蓝光为眼睛提供贴心保护。

全新ALIENWARE m17超轻悍PC采用全新ALIENWARE家族设计语言

在20mm以内的轻薄机身下，全新ALIENWARE m15与m17超轻悍PC将更强悍的硬件配置无缝衔接至其中：最高搭载全新移动平台9代i9K级处理器和Turing核心的GeForce RTX™ 2080 Max-Q显卡，同时ALIENWARE m15与m17应用"超高效电压调节工程技术"，从最根本的电力原理角度，为CPU和GPU增加"电压调节"装置，能够对GPU进行8相电压调节，对 CPU进行6相电压调节。共计14相的电压调节设计，从而更好地提升效率延长睿频加速时间，完全确保CPU和GPU的性能全面释放，令CPU、GPU可以长时间高速运行。

ALIENWARE m15可选240Hz刷新率 或OLED 4K高清屏幕 强悍性能于细节处展现

ALIENWARE m15也是外星人有史以来性能最强悍的15英寸笔记本电脑，内置新一代Tobii 眼动追踪技术，着力打造立体化 游戏 体验，是理想的VR 游戏 就绪设备。传感器更加小巧，且具备唤醒功能，能精确追踪头部姿势、仪态、细微注视和眼睛位置。

全新ALIENWARE m15可选240Hz刷新率 或OLED 4K高清屏幕

ALIENWARE m15也带来更多可选配置：玩家可选配144 Hz刷新率或240 Hz超高刷新率的显示屏，以及更高版本的OLED 4K高清显示屏。240Hz超高刷新率将为 游戏 玩家有效解决 游戏 过程中的画面卡顿和撕裂等问题，而OLED 4K屏幕快至1ms的响应速度、400-NITS亮度和100%色域也将满足对色彩有着极致追求的艺术类创造者，带来更精准、丰富的色彩呈现效果。

ALIENWARE Command Center智动能技术平台 实现个性化智能管控

ALIENWARE Command Center（简称AWCC）智动能技术平台是ALIENWARE开发的核心软件技术之一，仅需简单操作，就能统管设备的声光电热，对电源选项、灯光效果、设备温度等进行集成式管理，还可根据自己的操作习惯对每一款 游戏 进行单独设置，这样第二次打开 游戏 时无需再花费时间成本重新调试。AWCC智动能技术平台还内置智能音效系统，提供多 游戏 种类的专业音效预设，支持动态音量增强，个性化智能音效确保战术清晰传达。最新版AWCC智动能技术平台在优化UI及操作流程的同时增加了"全新的热量管理功能"，用户可根据使用习惯或使用状态，深度自定义散热模块的各项功能。而ALIENWARE标志性的AlienFX™灯效联动，可支持约1680万色灯光调节，为不同 游戏 快速分配个性化灯效，目前已对超过180款 游戏 提供AlienFX™情绪同步RGB灯效支持。还可通过AlienFusion电源管理控件，简单点击就能完成对CPU或内存进行超频操作，进一步释放其性能。

最新版ALIENWARE Command Center智动能技术平台个性化设置界面

ALIENWARE家族专业外设产品组合 全方位加持 游戏 体验

ALIENWARE以"全系列家族外设"打造出全面沉浸式体验的外设生态圈：ALIENWARE AW959专业电竞 游戏 鼠标，采用标志性ALIENWARE脊椎线设计，支持多达11种可编程按键；ALIENWARE Pro AW768 游戏 键盘 ，采用拥有5,000万次击键生命周期的机械茶轴配置，可选配磁性连接掌托，为玩家进一步增加舒适度；ALIENWARE AW988无线 游戏 耳机采用ALIENWARE 7.1声道虚拟环绕声技术，具有清晰、宽广的音质特色，让玩家在 游戏 中尽享卓越的专业级音效；ALIENWARE 25英寸 游戏 显示器 AW2518HF及34英寸 游戏 显示器 AW3418DW则可凭借其更快的响应速度、更流畅的画面和更顺畅无阻的运行，提升玩家的视觉享受。全套外设均支持AlienFX™灯效联动，一切沉浸式体验都值得用ALIENWARE全副武装。

全新ALIENWARE 7.1 游戏 耳机（AW510H）

广受欢迎的戴尔先智服务 为用户带来可靠的专属保障

ALIENWARE标配戴尔最高等级的服务支持产品——2年先智服务（Premium Support Plus），让你安心 游戏 ，剩下的交给更懂电脑的戴尔专业工程师。用户可享有24x7 全天候专业工程师电话支持，和两年整机保修，更有菁英工程师上门服务，而独一无二的 游戏 电脑意外损坏保护服务也为跌落、挤压、进液、电涌等意外风险提供保障。购买新上市的ALIENWARE m15/m17 用户可以享受"两年保留硬盘服务"活动，详情请参考。全球联保服务，使得在中国购买的产品可以畅行全球，跨国旅行、留学也可享受全球售后电脑服务支持。更加值得一提的还有基于SupportAssist 支持的各种附加功能，包含 游戏 调优、驱动下载、硬件扫描、文件清理、优化网络、软件加速、主动预警、工程师排查病毒木马等多项服务支持。

『柒』 新媒体艺术之互动影像装置艺术的内容简介

同时，本书也介绍了在互动装置艺术作品中常用的硬件和软件，并就近几年展出的部分实例作了简要的分析，并且结合具体项目对互动影像装置艺术作品的创作过程进行了详细阐述。

『捌』 杜震君介绍

杜震君。1961年出生于上海。现生活，工作在巴黎。1991年赴法，靠着平和的心态和坚定的信念，杜震君已成为当代法国以至欧洲为数不多的独立数码多媒体艺术家之一。

今天看他在数码多媒体大型装置中对影像语言的理解和运用，我们很难想像当年在上海美术学院的杜震君是中国画系出身的。1991年，30岁的杜震君离开上海赴法，后到法国雷那美术学院(Regional School of Fine Arts of Rennes)进修，并于1999年获得“数码空间”硕士学位。从今天数码多媒体艺术在西方当代艺术界的发展来看，当年毅然选择这个艺术门类作为主修专业是杜震君作出的一个相当聪明的决定，但同时也是一个非常冒险的决定。倒退十几年看法国的当代艺术，即使在法国本国艺术家里，有条件有资本尝试以数码多媒体艺术作为生存手段的人也是寥寥无几，成功者更是屈指可数，更不用谈连生存都成问题的艺术系外国留学生。得到今天的成功和认可，曾经承受了多少压力，又曾经为这个选择付出了多少代价，个中艰辛恐怕只有杜震君自己心里最清楚。

作为第一代将数码科技运用到艺术创作的艺术家之一，杜震君始终对互动装置抱有极大的兴趣。他在2003年在巴黎举行的个展, “对于人类来说太沉重”(Too heavy for Human Beings), 作为法国数码艺术史上第一个个展，得到了艺术界极大的赞赏。杜震君的大多数装置作品都在阐述人性悲剧这个主题，如在他早期的作品“人狗”(Chienman) 中，我们可以看到一个数码技术创作的半人半狗的生物分裂为两部份，在观众触动投影屏幕时扑向对方并相互撕咬。在杜震君的作品中，行为的麻痹是主要的论点，其论证的素材通常来自于艺术家对人类所经历的苦难和挑战的关注。通过将观众带入他的作品，或是引入他所设的圈套，或是强迫他们在他的作品中扮演一个中心的角色，杜震君的创作抛弃了以艺术为中心的传统路线，而试图对人类本身进行更深入的考察和关注

『玖』 改变空间的美国装置艺术家——Robert Irwin

Robert Irwin（生于1928年9月12日）是一位美国装置艺术家，他经常通过特定场地的建筑干预来探索感知和艺术条件，改变空间的物理，感官和时间体验。

Robert Irwin in the studio working on an early line painting, 1962 (© Marvin Silver, courtesy of Marvin Silver and Craig Krull Gallery) (click to enlarge)

他在20世纪50年代开始了他作为画家的职业生涯，但在20世纪60年代转向安装工作，成为先锋，他的工作有助于定义西海岸光与太空运动的美学和概念问题。他的早期作品经常使用光和纱布来改造画廊和博物馆空间，但自1975年以来，他还将景观项目纳入了他的实践。Irwin在盖特中心（1992-98），Dia：Beacon（1999-2003）以及德克萨斯州Marfa的Chinati基金会（2001-16）等机构构思了超过五十五个特定场地项目。洛杉矶当代艺术博物馆于1993年首次回顾了他的作品; 2008年，圣地亚哥当代艺术博物馆展出了另一个，他的职业生涯长达五十年。Irwin于1976年获得古根海姆奖学金，1984年3月获得麦克阿瑟奖学金，并于2007年当选为美国艺术与文学学院的成员。他在加利福尼亚州圣地亚哥生活和工作。

Robert Irwin, “Untitled” (1969), acrylic paint on shaped acrylic, 53 1/4 in. diam., installation view, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC (artwork © 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], New York, photo by Cathy Carver)

起点

Robert Irwin于1928年出生于加利福尼亚州长滩，Robert Irwin和Goldie Anderberg Irwin。从1946年到1947年在美国陆军服役后，他参加了几个艺术机构：1948年至1950年在洛杉矶的奥的斯艺术学院，1951年在杰普森艺术学院，以及1952年至1954年在洛杉矶的Chouinard艺术学院。他花了未来两年生活在欧洲和北非。1957年至1958年间，他在Chouinard艺术学院任教。

Installation view of “Band in Boston” (1962), “Bed of Roses” (partial) (1962), and “Untitled” (partial) (1962), in ‘Robert Irwin: All the Rules Will Change’ at the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (artworks © 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], New York, photo by Cathy Carver)

工作

1977年，罗伯特·欧文（Robert Irwin）写下了关于他自己的一些信息：“我开始作为一名画家在一个不知名的地方，几乎没有问题......我的第一个真正的问题涉及我画作的任意性......我用我的画作作为一步一步的过程，每一系列新作品都直接回应了前一系列提出的问题。我首先质疑商标作为意义然后作为焦点;然后我将框架作为遏制质疑，边缘作为我看到的开始和结束...考虑到没有任何东西真正超越其直接环境的可能性......我试图直接回应我所处的每种情况的质量，而不是将其批量转变为新的或理想的环境，而是直接参与其如何的性质当它充满真实和触觉事件时，一个空间怎么可能被认为是空的呢？”（Robert Irwin，1977）Robert Irwin的艺术概念源于一系列经验感知。作为一个抽象的，思想开明的思想家，他首先将经验作为感知或感觉呈现。他的结论是，一种认识感或识别能力有助于澄清感知。例如，“我们知道天空的蓝色，甚至在我们知道它是“蓝色”之前，更不用说“天空”了。

Installation view of “Untitled (Acrylic Column)” (1969–2011) and “Untitled (Acrylic Column)” (1969–2011), in ‘Robert Irwin: All the Rules Will Change’ (artwork © 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], New York, photo by Cathy Carver) (click to enlarge)

他后来解释说，抽象思想的概念是通过自我的概念在思想中发生的。然后，识别物理形式，将形式传达给社区。然后，客观化合物发生，描绘行为规范和艺术规范，变得可识别。然后边界和公理引入逻辑和推理，并且可以做出决定：归纳法或演绎法。形式主义随之而来，证明并说服了关于被感知对象的决定。Irwin所做的研究表明：“所有的想法和价值都源于经验，它们可以在任何时候分开，并在功能和使用的基础上直接发展，这两者实际上都与条件保持相关，我们的主观和客观存在。”Robert Irwin的哲学将他的艺术观念定义为一系列美学探究，文化创新的机会，与社会的交流互动，以及复杂的历史发展。

劳伦斯·韦斯勒勒 （ Lawrence Weschler）在他的着作“ 看见忘记了一件事的名字”中记录了欧文作为南加州年轻人的早期过程，以及他作为后抽象艺术世界的领导者的出现。Weschler在他的书的封面说明中描述了这些作品的迷人和常常令人着迷的品质：

Larry Bell's "6 x 6 An Improvisation", 2014

1980年5月，罗伯特·欧文回到加利福尼亚威尼斯的市场街，到那里他一直保留着一个工作室，直到1970年，他完全放弃了工作室的工作。Melinda Wyatt在他以前的工作空间隔壁的大楼里开了一家画廊，并邀请Irwin创建一个装置。

Robert Irwin’s Excursus: Homage to the Square³ at Dia: Beacon, Dia Art Foundation, June 1, 2015 – May 2017

他清理了大的长方形房间，调整了天窗，将墙壁漆成了白色，然后将面向街道的墙面敲了一下，用一块透明的半透明白色平纹棉布代替。房间似乎改变了它的方面与过去的一天：人们来了，坐在对面的路边，看着，有时几个小时。

由于他作品的短暂性或微妙性，本书不仅仅是一本介绍，而且对于许多艺术家和艺术学生来说，罗伯特·欧文的作品经历的主要方式。2007年，他告诉“纽约时报”的 Jori Finkel，人们仍然会在他的讲座上找他签名。在那篇文章中，曾任命欧文“设计我们的Dia：Beacon体验”的LACMA主任迈克尔·戈万表示，他相信这本书“已经说服了更多的年轻人成为艺术家而不是天鹅绒地下乐队创造了摇滚乐手”。

Similar to what Gabriel Dawe’s work, but no way related, here’s another series of colored string suspended to look like movement and reflection. Absolutely stunning and labor intensive, I would imagine.

绘画

欧文的早期作品始于绘画。1959年，他画了一系列手持物品，并作为个人参展商第二次在洛杉矶的Ferus画廊展出。次年，1960年，他被要求再次在帕萨迪纳艺术博物馆展出。到那时他开始了一系列连续的实验。1962年，他开始在加州大学洛杉矶分校教学，并再次在Ferus画廊展出。那一年，他开始了他的线条画。他于1964年在Ferus画廊展出并展示了他的点画作。

Robert Irwin. Installation view, Sprüth Magers, Los Angeles, January 23 - April 21, 2018. Courtesy the artist and Sprüth Magers. Photograph: Robert Wedemeyer.

在1966年至1967年间，他开始画铝盘。他被邀请作为纽约佩斯画廊的个人参展商。1968年，他开始在加州大学欧文分校任教。在接下来的两年里，他开始了他的工作，采用透明的亚克力圆盘，白色凸起结构固定在墙上，并用灯照亮。1970年，他开始研究“柱子”，这是一系列透明的丙烯酸柱。1972年，他开始研究西南地区的“视线”和“地方”。

Robert Irwin. Installation view, Sprüth Magers, Los Angeles, January 23 - April 21, 2018. Courtesy the artist and Sprüth Magers. Photograph: Robert Wedemeyer.

光作品

欧文在20世纪70年代首次使用荧光灯。他的场地条件装置Excursus：对Square3的敬意，对画家Josef Albers的冥想以及他对色彩关系的探索，于1998年至2000年间在Dia：Chelsea展出。它由18个小房间组成，被绷紧的纱布墙壁分开; 每个房间的灯光，其值取决于与窗户的距离，通过四个白色和彩色双荧光灯泡增强，每个灯泡垂直悬挂在每个墙壁的中心。 2015年，它在Dia：Beacon重新安装，并将在2017年继续展出。 2015年在纽约佩斯画廊举办的展览中，他安装了多排柱状灯，用彩色凝胶涂抹不同的灯管，改变光的传播。

Robert Irwin. Installation view, Sprüth Magers, Los Angeles, January 23 - April 21, 2018. Courtesy the artist and Sprüth Magers. Photograph: Robert Wedemeyer.

安装

自1968年以来，Irwin通过在房间，花园，公园，博物馆和各种城市场所创建装置，专注于场地本身。尤其受约翰·麦克劳林，欧文和其他光与空间艺术家的绘画影响，对于推动艺术和感知的界限变得充满好奇，在20世纪70年代，罗伯特·欧文离开工作室去追求直接涉及光的装置艺术和空间：视觉感知的基础，在室外和改良的室内场所。这些装置允许对艺术家和观众进行开放式探索，通过操纵环境的环境而不是保留个别艺术作品的范围来创造改变的体验。参与光与空间运动的其他艺术家包括John McCracken，James Turrell，Peter Alexander，Larry Bell，Craig Kauffman，Doug Wheeler，Maria Nordman等。

Light and Space, 2007

115 fluorescent lights

271 1/4 × 620 in

689 × 1574.8 cm

1970年，现代艺术博物馆邀请欧文创作装置。使用整个项目空间，Irwin悬挂了一块距离地面10英尺的白色平纹棉布，并在墙上贴上闪闪发光的不锈钢丝。1971年，沃克艺术中心委托艺术家为爱德华拉腊比巴恩斯设计的建筑的首次展览创作无题（倾斜/光/卷）。对于1974年在纽约佩斯画廊安装的软墙，欧文只需清洁并涂上一个长方形的画廊，并在其中一个长墙前面悬挂一个薄薄的，半透明的白色剧院十八分之一的网格，创造出一种效果。空荡荡的房间，一面墙似乎永远失焦。在艾伦纪念艺术博物馆入口走廊的永久性墙壁装置，无题 （1980）的尺寸恰好重复了对面的深层窗户。在20世纪80年代早期，欧文被邀请作为合作艺术家参与设计迈阿密国际机场的复兴和改善。1997年，他在圣地亚哥当代艺术博物馆的拉霍亚分馆改造了一个俯瞰太平洋的房间。为庆祝其成立125周年，印第安纳波利斯艺术博物馆委托欧文创作“光与空间III”（2008），从而成为第一个永久性室内装置艺术家的美国博物馆。对于这件作品，欧文在自动扶梯周围的墙壁上布置了不规则网格图案的荧光灯泡，两侧各有一层稀松布框架; 随着博物馆参观者在楼层之间上下移动，他们穿过这件作品。Trifecta（Joe's Bar＆Grill）是位于印第安纳州Fort Wayne的 瑞士再保险公司总部的三层永久灯具，于2012年落成。

1º 2 º 3 º 4º, 1997

Apertures cut into existing windows

115 × 320 × 221 in

292.1 × 812.8 × 561.3 cm

2013年底，欧文的一个33英尺高的丙烯酸柱在圣地亚哥联邦法院大楼揭幕，艺术家在法院的户外广场上与他的长期朋友和合作者，建筑师Martin Poirer和景观设计师Andrew Spurlock合作。这座三层楼高的丙烯酸立柱建于几十年前，但由于一系列不可预见的情况而从未给出适当的住所，当太阳穿过大厅时会折射光线和铸造颜色。柱子的制作和与材料有关的技术问题都由杰克布罗根执行，他是光与空间运动技术演变的核心人物。Brogan发明了将柱子抛光到所需透明度的挑战和技术，并且仍然是该领域的高水位标记。

Prism, 1971

Acrylic

143 7/10 × 5 9/10 × 5 9/10 in

365 × 15 × 15 cm

对于洛杉矶郡艺术博物馆（LACMA），欧文创建了一个原始棕榈树的户外装置（Primal Palm Garden ，2008-2010）以及一个室内36英尺长的荧光灯雕塑，Miracle Mile （2013），它每天24小时在它们后面发光。

Untitled, 1969

Acrylic lacquer on cast acrylic

53 × 24 1/2 in

134.6 × 62.2 cm

自从21世纪初开始工作并重新设计他的想法为Chinati基金会创建一个巨大的装置后，Irwin在Marfa的装置-一个约10,000平方英尺的U形建筑-将于2015年初开始，并在公众面前完成并向公众开放。该装置位于原军营军营医院的建筑物内，将成为自2004年以来第一个加入Chinati基金会的主要装置，以及第一个由Irwin专门致力于他的工作。

Yellow Jacket, 2015

6 ft. single pin-14 tubes and 6 ft. double pin-1 tubes, fluorescent light, colored gels

72 × 95 1/5 × 3 1/2 in

182.9 × 241.9 × 8.9 cm

其他装置包括：碎裂光-部分平纹棉麻织物-纽约现代艺术博物馆的眼睛水平（1970-1971）; 纽约惠特尼博物馆的黑线室部门+扩展表格（1977年）; 华盛顿特区旧邮政局的48架影子飞机（1983年）;升入法国巴黎现代艺术博物馆（Musee d'Art Moderne de Ville）（1994年）;和双钻石在法国里昂的当代艺术博物馆（1997-1998）。

Sculpture/Configuration 2T 3L, 2018

Acrylic

119 × 36 × 32 in

302.3 × 91.4 × 81.3 cm

景观项目

Irwin在开发了一个体验空间的风格之后转向了景观项目，将他所学到的线条，颜色以及最重要的光线投射到建筑环境中。自1975年以来，Irwin已经构思了五十五个网站项目。9空间9树（1980-3）最初由西雅图艺术委员会于1980年委托为公共安全大楼的屋顶; 它于2007年重新设想，并位于华盛顿大学的校园内。Irwin的Filigreed Line（1979）为马萨诸塞州韦尔斯利学院制作，由一条不锈钢线组成，沿着湖边的草脊延伸，在其中切割出一些叶状的图案。他的1983年作品“ Two Running Violet V Forms” ，两个穿越蓝色紫罗兰色的塑料涂层铁丝网，用高杆固定，是圣地亚哥加州大学校园内Stuart系列公共艺术品的一部分。对于位于帕萨迪纳市政中心区的 Sentinel Plaza（1990），Irwin选择了小型沙漠植物和仙人掌。他后来咨询了Dia：Beacon的总体规划，特别是创造了室外空间的设计和景观，以及入口建筑和窗户设计。

#4 x 8FT. FOUR FOLD, 2012

Light+shadow+reflection+color

96 × 17 1/4 × 4 1/4 in

243.8 × 43.8 × 10.8 cm

后来他在洛杉矶盖蒂中心设计并开发了中央花园，建于1997年。在中央花园，欧文将体验关系与建筑环境融为一体的概念非常清晰。那些经验元素填补了空间。该项目因其设计和流程而受到广泛赞誉。134,000平方英尺（12,400平方米）的设计拥有天然的峡谷和绿树成荫的走道，引导游客体验景点，声音和气味。他选择了花园里的所有东西来突出光线，色彩和反射的相互作用。规划始于1992年，是盖蒂中心项目的重要组成部分。自该中心于1997年开业以来，中央花园随着植物的发展而不断发展。欧文的声明，“永远改变，永远不会两次相同”，刻在广场楼层，提醒游客这种生活艺术的不断变化的本质。令艺术家感到沮丧的是，20世纪50年代的FernandLéger雕塑被放置在花园的广场上。

Swiss Made, 2015

Fluorescent light, colored gels

72 × 95 3/10 × 3 1/2 in

183 × 242 × 9 cm

Irwin最近完成了2007年洛杉矶郡艺术博物馆安装原始棕榈园的第二阶段。棕榈园以“T”形排列，东西轴线介于两者之间。周围，广泛的当代艺术博物馆和Resnick亭。南北轴线以日期手掌网格终止，作为艺术家Chris Burden的Urban Light装置的对位。欧文长期以来一直对棕榈树如何捕捉和反映南加州的光线感兴趣; 设计棕榈园为Irwin提供了一个机会，可以同时掌握手掌的现象和文化观念。个别种类的棕榈树种植在Cor-Ten箱子中，现代和正式的普通木质育苗箱。雕塑容器参考传统上表示艺术品的基座。Irwin对棕榈树的使用考虑了棕榈树和洛杉矶图像之间无处不在的标志性连接。

『拾』 卓凡的主要个展

《我要写字——卓凡行为艺术》个展（人工装置） 策展人：利博尔-塞奇卡（捷克） 展地：捷克驻华大使馆 2011年10月8日北京
《我要拈花——拈花八式》个展（人工装置） 策展人：赵寂惠 展地：中国陈设委总部 2011年9月29日北京
《我要拈花——卓凡装置展》个展（人工装置） 策展人：邱志军 展地： 福建美术馆福建省福州市 2011年9月24日福建
《机械复制时代的人工装置》个展（人工装置） 策展人：胡斌 展地： 广州53美术馆 广东省广州市 2011年8月6日广州
《尚品》个展（人工装置） 策展：高燕 展地：798艺术区红三房 2011年6月18日北京 《食言者》个展（人工装置） 策展：利博尔-塞奇卡（捷克） 展地：捷克驻华大使馆 2010年10月1日北京
《自动全自动——卓凡人工装置艺术展》个展（人工装置） 策展：张海涛 展地：宋庄美术馆 2010年8月1日北京 1、《捷豹速度》机械装置——展览主题：创客嘉年华 策展团队:创客嘉年华组委会 展地:中华世纪坛 展地：北京市朝阳区长安街 2012年4月
2、《我要捉影》 机械装置——展览主题：ART北京影像展 策展：赵力吴秋罨 展地：北京中国农展馆 2012年4月
3、《我要抓住》 机械装置---展览主题：任我行国际新媒体展 策展人：顾振清 展地：北京工体--北京市东城区 2012年6月25日 北京
《我要驯兽》----雕塑展览主题：阅水成川 策展人：范迪安 展地： 中国美术馆北京市东城路朝阳门内街2011年9月25日 北京 1、《我要驯兽——豹子》---机械装置——展览主题：清晰的地平线——1978年以来的当代雕塑 策展人：何桂彦 展地： 寺上美术馆--北京市顺义区火寺路 2011年11月 北京
2、《我要驯兽——熊》---机械装置——展览主题：龙生九子 策展：吴鸿 展地：红星画廊 中展德美 2011年11月
3、 《红雾》---装置艺术---展览主题：复感 动观 2011海峡当代艺术双年展 策展人：范迪安 黄才郎 展地（一）： 中国美术馆 展地（二）： 国立台湾美术馆 展 地：北京市东城路朝阳门内街 台湾台中市路台中市 五权西路 2011年3月7日 北京 2011年6月10日 台中
5、《我……》系列（我·很用力……我·很高兴……）装置艺术---展览主题：《异体·异在——“生理实验”当代艺术专题展》 策展人：胡斌 展地： 广州53美术馆广东省广州市2011年2月27日 广州
6、《呢喃·自在之莲……》---装置艺术---展览主题：超验—当代艺术家实验展 策展人：宁佳 展地：以太空间 展地：北京市朝阳区三里屯路11号院N2-43号 2011年1月2日 北京
7、《X光片·运动……》---装置艺术---展览主题：超现实波普 主办：中华文促会、卓达三溪堂 策展：彭峰 承办：流动艺术北京红风汇 展地：天津卓达三溪堂雕塑园区三溪塘 2011年1月 天津
8、《X光片·我很用力……》---装置艺术---展览主题：艺术日新——清华大学美术学院当代艺术研究所成立暨当代艺术邀请展 展览委员会：杭间 杜大恺 石冲 陈辉 岛子 张敢 策展：岛子 展地：清华大学美术学院当代艺术研究所 中国当代艺术基金会 2011年1月 北京 1、《自动化﹒我很高兴》--- 装置艺术---展览主题：轨迹与质变 北京电影学院60周年院庆当代艺术邀请展 暨第二届北京电影学院国际新媒体艺术三年展 策展：刘旭光 王鸿海 展地：北京电影学院 2010年10月 成都
2、《产生泡沫的速度是……》---装置艺术 展览主题：“隋建国和他的学生”当代艺术展 策展：刘礼宾 展地：成都A4画廊 2010年8月 成都
3、《悬挂》---装置艺术 展览主题：首届多媒体艺术展 策展：吴秋龑 展地：798创意广场 2010年7月 北京
4、《狂奔》---装置艺术---展览主题：集美首届国际当代艺术作品展 策展：王新轮 展地：集美大学 2010年6月 厦门
5、《奔跑的捷豹》---装置艺术---展览主题：北京首届动画艺术节 策展： 孙 炎 展地：北京王府井步行街 2010年7月 北京
6、《旋转﹒产生泡沫的速度是》---装置艺术---展览主题：当代艺术青年批评家邀请展 策展：杭春晓 展地：北京时代美术馆 2010年6月 北京
7、《雾爆……》---互动影像—装置作品---展览主题：“独白”当代艺术展 策展：盛 葳 展地：成都A4画廊 2010年5月 成都
8、《西红柿》---影像作品---展览主题：2010年ART北京 策展：吴秋龑 展 地：北京农业展览馆
2010年4月 北京
9、《喘息》---互动装置艺术---展览主题：2010北京车展之“同做公益人 南登陆大厅主场开幕式” 策展：罗 明 展 地：北京新国际展览中心 2010年4月 北京
10、《悬挂的高度3米3》---现成装置艺术---展览主题：“不确定的可能性”——798及周边青年群落展 策展：张海涛 夏彦国 展地：宋庄美术馆 2010年元旦 北京 1、《捷豹。速度》（互动雕塑—机械装置作品）展览主题：经验惊艳 中国当代艺术展 策展：盛葳 何桂彦 展地：北京中汽南方捷豹旗舰4S店 2009年10月 北京
2、《对视》 （互动造型装置作品）展览主题：“制造生活”策展：刘晓辉 展地：中间艺术馆（北京市海淀区杏实路65号） 2009年10月 北京
3、《白布·清洗成白布的时间是……》（互动图片—装置作品） 展览主题：北京大学首届实验短片展之中国青年影像艺术家实验电影（影像）作品展 策展：沈朝方 展地：北京大学 2009年10月 北京
4、《旋转.被牵动的奥古斯都右臂》（互动雕塑装置作品） 展览主题：“岸·月亮河首届学院雕塑展” 策展：田华丰 展地：月亮河美术馆（北京通州） 2009年10月 北京
5、《触感·这个手指捅烂番茄的力度是……》（互动影像—置作品）展览主题：“回忆未来？未完成”实验媒体艺术展——青年策展人邀请展（第五届中国宋庄文化艺术节）策展：吴秋龑 展地：小堡美术馆 2009年9月 北京
6、《东方即白· 被捅痛而惊醒的雄狮》（互动雕塑机械装置作品）展览主题：“再实验：智性与意志的重申”青年艺术家推荐展（2009北京798艺术节之主题展 ）策展：鲍栋 杜曦云 刘礼宾 展地：798艺术区 2009年9月 北京
7、《每分钟·脊骨抽动的频率是……》 （互动现成品装置作品）展览主题：“同行”——德中当代艺术展 策展：邹跃进 王春辰 展 地： 武汉市美术馆 2009年9月 武汉
8、《 你，最高的肺活量是……》 （互动影像—装置作品） 展览主题：“国际新媒体艺术展——我们的能力”及研讨会 策展：全丙森（韩国） 王春辰 展 地：中央美术学院美术馆 2009年7月 北京
9、《每分钟：这部车的激情频率为18次每分钟》（互动造型装置作品） 展览主题：“各搞各的” 当代艺术展 策展：顾振清 展 地：台北现代美术馆 2009年2月 台北
10、《每分钟：来回抽动的频率为30次每分钟》（互动现成品装置作品） 展览主题：“无法——草场地的春天”展 策展：顾振清 展 地：荔空间 2009年3月 北京 1、《刺痛》（互动现成品装置作品）展览主题：中央美术学院教师作品展 展 地：中央美术学院美术馆 2008年12月 北京
2、《每分钟：这部车的呼吸频率为22次每分钟》（互动造型装置作品） 展览主题：“中国幻想”展 策展：黄笃 展 地：铸造美术馆 2008年11月 北京
3、《这部车轮胎的直径比是61：55：50：39》 （现成品改造作品） 展览主题：“图画手工”展 策展：阎 安 展 地： 偏锋艺术中心 2008年9月 北京
4、《透视》（现成品改造作品）展览主题：“空白·北京”巡回展 策展：周 翊（美籍） 展 地：北京丰联广场.北京中间美术馆.北京华联广场 2008年7月 北京 《材料研究》（现成品改造作品）展览主题：中央美术学院2006年“研究生毕业”展 展 地：中央美术学院王府井美术馆 2006年5月 北京
2004年《四环.晴》（雕塑作品）展览主题：中央美术学院“宾虹意象”展学院之光展 展 地：中央美术学院多功能主展厅 2004年4月 北京
2003年《门》（空间装置作品）展览主题：“界限”当代艺术展 策展：吕胜中 展地：中央美术学院雕塑研究所展厅 2003年5月 北京
2003年《结构》（材料作品）展览主题：中央美术学院“工作室联”展 策展：隋建国 展地：中央美术学院雕塑系通道展厅 2003年10月 北京
2002年 艺术活动《苹果树》（材料作品）展览主题：中央美术学院“毕业创作”展 展 地：中央美术学院多功能主展厅 2002年6月 北京
2002年《记忆1》（金属材料作品）展览主题：中央美术学院“通道画廊”巡回展 策展：文 楼 展 地：中央美术学院雕塑系通道展厅 2002年4月 北京
2001年 艺术活动《手》（雕塑作品） 策展：孙 伟 展览主题：中央美术学院“雕塑系学生作品展” 展 地：中央美术学院雕塑系通道展厅 2001年10月 北京