抽象表现主义装置设计

『壹』 抽象艺术有什么特征

抽象艺术是指艺术形象较大程度偏离或完全抛弃自然对象外观的艺术表现形式，那么你对抽象艺术了解多少呢?下面就让我来给你科普一下什么是抽象艺术。

抽象艺术的简介

抽象艺术一般被认为是一种不描述自然世界的艺术，它透过形状和颜色，以主观方式来表达。

在很多时候，抽象艺术的概念指的就是抽象画。当然，除了抽象画以外，抽象艺术还应该包括更多的艺术领域、抽象雕塑、抽象装置、音乐、抽象诗歌、抽象摄影、建筑、抽象舞蹈等。

抽象是外来语，在艺术中的抽象最初只是对具象的概括和提炼，使得画面消解了具体的轮廓和细节，变得高度象征性。我们可以从毕加索的《牛》和蒙德里安的《树》的演变来理解西方人的抽象概念最初的含义。后来，抽象走向了极端，彻底摆脱了具体的形象和物象，画面必须没有任何我们的视觉所熟悉的物体，纯粹由色彩、构成、符号、点线面、肌理构成的画面，才称为抽象画。

抽象艺术的历史起源

“抽象”一词原义指人类对事物非本质因素的舍弃与对本质因素的抽取。一部分原始艺术品和大部分工艺美术作品以及书法、建筑等艺术样式，就其形象与自然对象的偏离特征来说应属抽象艺术。但作为自觉的艺术思潮的抽象艺术则在20世纪兴起于欧美。诸多现代主义艺术流派如抽象表现主义、立体主义、塔希主义等均受此影响。

抽象艺术是与具象艺术相对的名称，也可称为非具象艺术。它的特征是缺乏描绘，用情绪的方法去表现概念和作画，而这种方法基本上就是属于表现现实主义的，最早见于康定斯基的作品。它是由各种反传统的艺术影响融合而来，特别是由野兽派、立体派演变而来。

“抽象”艺术在毕加索看来并不存在，他认为只不过有人强调风格，有人强调生活罢了。在米歇尔·塞弗尔看来，抽象艺术是：“我把一切不带任何提醒，不带任何对于现实的回忆——不管这一现实是否是画家的出发点——的艺术都叫作抽象艺术。

实际上野兽派和立体派促进了形与色的独立发展。是康定斯基进一步发现了它的奥妙，他在1910年画了第一幅断然抽象的水彩画，是一幅无具象愿望的、充满活力的重叠色点。康定斯基的创造性发明是从音乐中获得美学启迪，尔后捷克人库普卡直接从音乐中获取灵感进行抽象艺术创作。人称他是音乐主义画家鼻祖，后来他们共同组成抽象派。

抽象艺术的本质

抽象是宇宙的空间概念，永恒是宇宙的时间概念。抽象与永恒，共同构成宇宙时空的本质。

抽象是宇宙的原生态，诞生于人类之前。宇宙是由构成(星际关系)、色彩(宇宙本色)、点(星球)线(星球轨迹、流星和光)、面(宇宙空间)、肌理(星系或星球表面)组成的抽象世界。

天空、云层、电闪、水浪、岩缝、草茎、泥沼、叶脉、斑马纹、虎纹、蝶纹，大自然的很多画面和细节都是抽象的。人的生命中的血象、细胞、基因，瞳孔、肤色、指纹也是抽象的。物质世界里的粒子、质子、中子、夸克，都是抽象的。

抽象是宇宙的自然本质，也是人类认识世界的一种视觉方式。人类可以通过抽象阅读来感觉宇宙。欣赏抽象美是人类与生俱来的能力，是人类的天赋，也是人类不可缺少的生命方式。

抽象艺术的范围

世界架上抽象绘画，是100年前从康定斯基开始的。在康定斯基之前，世界上还没有出现过“抽象艺术”、“抽象画”这个词。但是，这并不表明在他之前，抽象符号、图案没有在世界上发生过。人类对太阳系的认识，只有几百年，可是太阳系存在了永恒的时间。同理，我们只能说世界认识架上抽象画是从康定斯基开始的，但是，人类的抽象文化和艺术创造，已经有了几千年的历史。

宇宙原本就是抽象的。人类有抽象审美和抽象艺术创造的天赋。

在中国5000年的历史上，抽象符号、抽象元素、抽象形式、抽象装饰、抽象审美比比皆是。从人类早期的涂鸦、彩陶纹饰、瓦罐图案、甲骨刻痕、青铜铸纹、服饰佩戴，到后来的庭院设计、山石摆设、斗拱窗格、缕衣绣品，篆刻书法、玩玉赏石，无不透露出生命和抽象审美交织、纠缠的渊源。中国人创造和欣赏抽象美的历史已经几千年。中国是一个有着灿烂抽象文化悠久历史的国家。

没有西方抽象美术史，宇宙抽象依旧，人类抽象审美和抽象创造依旧。因此，即使我们不从西方美术史来认识和理解抽象艺术，而从宇宙的本原，从人的生命本质和天赋来认识抽象艺术，也能找理解和解读抽象艺术的途径。

抽象艺术的特征

抽象艺术是无主题无逻辑无故事的艺术，是经验之外的生命感受，是通过抽象的色彩、线条、色块、构成来表达和叙述人性的艺术方式。

抽象艺术追求独创性，并把创新作为唯一的艺术。抽象艺术要挑战经验与世界，创造出前所未有的新美图画。

我们常常会觉得抽象艺术的不可接受与不可理喻，会感叹抽象艺术作品惊人的陌生和晦涩。其实，这一切只是经验与想象的矛盾所致。要知道艺术并不是具体的物质展示，而是抽象的感觉过程，是主观意识的活动。抽象艺术的独创性，给我们主观意识以最大的活动空间，感受艺术才能成为最美好的享受。

抽象艺术注重形式更甚于注意内容。形式可以千变万化，可以柳暗花明。抽象绘画还特别强调绘画语言的单纯性，即绘画形式的纯粹性，不带任何经验的构想。不模仿任何已有的创造，刻意在视觉空间，创造出独特的绘画语言，以鲜明的个性及艺术符号来完成画家对艺术的生命体验。

欣赏抽象艺术，懂与不懂是相对的。而人的文化修养、艺术修养决定了人的审美能力，这是绝对的。

灵魂艺术

抽象艺术的世界是缥缈的世界，是游离的捉摸不定的世界，这个世界里的语言和生命深处的灵魂里的语言更为接近。因此当现实以精确的尺寸与标准让心与视线受禁锢，抽象艺术无边无际的漫游和没有围墙时空感应，给现代人的审美提供了新的平台，激活着现代人的猎奇心和创新意识，人们愿意在抽象艺术提供的平台上，编织自己的美感网络，构筑独属于自己灵魂的色彩世界。

思维艺术

具像艺术是经验艺术，是理性和逻辑艺术，欣赏成为习惯，所以很少审美障碍。抽象艺术是非理性的，既无主题又无故事，完全要靠审美者自己的创造能力，思维想象能力，才能完成审美，因此抽象艺术对审美者要求特别高。在色彩线条面前，每个人的答案是不同的，不同的答案即是不同的思维。一个没有创造性思维的人是很难体会抽象艺术的奥秘的。

高雅艺术

普及艺术是大众艺术，抽象艺术是高雅艺术。艺术的初衷也许只是玩耍，是轻松的发泄，是一种调皮，更是一种形式发现。是社会更让艺术成为生活备忘录，承担起本来应由政治来独自承担的责任。抽象艺术使艺术回归人性。着力于开发人性尚未被开发的潜意识和想象空间。人的需求分低级需求(温饱)、次低级需求(物质炫耀：如豪宅、汽车)，高级需求：艺术享受：音乐、绘画等。

抽象艺术作为高级生命享受物，无疑是会受到越来越多的关注和发现。

抽象艺术符合现代人的审美观点和创造欲望，现代家居装潢空间、现代生活理念、服装品位元素是抽象艺术得以发展的前提。越来越多具有独立价值判断的高智商人群，将是抽象艺术消费的主流人群，他们不满足现实的空间，需要想象空间，来完成审美精神上的探寻。(许德民)西方抽象

架上抽象画是现代艺术的一部分，是和现代艺术一起发展和起步的。

现代艺术是在19世纪中期在欧洲起步，从印象主义开始。在西方艺术史教材里，被视为现代艺术划时代的作品是马奈1863年创作的《草地上的午餐》。莫奈是最具代表性的印象派画家，印象主义的“印象”之名，就是出自他1872年的作品《印象·日出》。

后印象主义的代表人物之一塞尚，是第一个把现代主义艺术从具象带往抽象形式的画家。塞尚对色彩的理解是现代画家中最精辟的。他认为，对于一个画家来说，只有色彩是真实的。他的“把自然还原为圆柱、圆锥与球体的三种基本形状”的认识，影响了立体派的诞生，从而促成抽象艺术的发展。塞尚是理论意义上的西方现代形式主义主流艺术的鼻祖，而被尊称为“现代艺术之父”。

从塞尚那里，抽象画有了理论和实践上的萌芽，立体主义的出现，让抽象画有了表现和施展拳脚的机会。最初抽象画和具象画是混杂在一起的，也就是半抽象的。在画面上有一些形象，只是这些形象是通过几何体的方式变形表现的，还不是纯粹的抽象。即使是一些纯粹以几何体加颜色的方式来表现的绘画作品，也会用一些具象的符号，来表达某种象征的意味。立体主义的出现，大大缩短了迈向抽象艺术的步履，并且直接导致了抽象画两大流派(热抽象和冷抽象)的诞生。

荷兰艺术家蒙德里安1911年在巴黎接受了立体派的绘画观念，并且把立体派演化为具有自己鲜明特色的几何抽象画。蒙德里安认为，造型艺术表现为两种倾向：写实主义和抽象主义，前者是我们的审美情感的一种表现，这种审美情感是被自然和生活的外表形象唤起的。后者是一种色彩、形和空间的抽象表现，它是通过一种更抽象的手段表现出来的，而且常常是几何状的形和空间，其目的是创造一种新的真实。

总的来说，抽象艺术具有以下三个特点：一、看似平凡简单甚至拙劣，却极为传神;二、人，景，物，经久生趣，耐人寻味;三、其中传达的，通俗且文盲看得出的伟大精神。

『贰』 抽象表现主义

1. 二战后，整个世界的势力范围被重新划分，世界秩序被重新塑造，艺术领域也不例外。美国无疑是二战的最大赢家，由于没有受到战火波及，欧洲大量的艺术家、科学家等涌向美国。美国作为当时一个开放的避风港，成为了世界的文化中心、艺术中心，抽象表现主义是这一时期美国最具有代表性的风格流派。

2. 抽象表现主义（Abstract Expressionism）是奠定纽约作为新的艺术中心的第一次艺术运动，之前的众多主义流派都是目标明确、观点具体，但抽象表现主义在艺术风格上没有明确的定义，没有共同的视觉观感。

3. 抽象表现主义是对一种绘画精神的描述，而不是对某种绘画观感的概括，代表艺术家杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）和马克·罗斯科（Mark Rothko），前者偏向线条式的抽象艺术，后者则是完全没有线条，全都是色块，甚至抛弃了形状，两位代表艺术家总体的视觉效果完全不同，而在精神根源上又有着共性。

4. 抽象表现主义中的“抽象”指的是绘画表现的手法，“表现”则是指绘画的精神内涵，本质上还是一种表现主义，只不过表现方式是抽象的。

5. 波洛克，全名杰克逊·波洛克（Jackson Pollock，1912-1956）是抽象表现主义最重要且最具有代表性的艺术家，他是一位美国人，被认为是让美国现代绘画摆脱欧洲标准的重要功臣。

6. 波洛克的作品完全看不出具体的形象，大量的泼墨和线条，是一种非常凌乱的画面效果。与康定斯基的画作相比，两人虽然在画面上有相似的效果，但是所追求的目标并不同。康定斯基的追求是理性的，用抽象的图形表达具体的事物，例如音乐中具体的、具有功能性的元素。而波洛克的作品从表现手法到表达目的，都是抽象的。

7. 波洛克的创作过程是纯粹、无意识、自发的创作过程。画家们大多是支起画布作画，但波洛克是将画布平铺在地板上，画幅通常都非常大，他会以一种非常快速类似于舞蹈的方式，将颜料直接洒在画布上。这种创作方式是纯粹的表现主义形式，非常具有行为艺术的特征。

8. 波洛克的抽象表现主义中，表现主义的特征更为明显，不只是创作的作品，就连创作方式都非常表现主义。波洛克将颜料甩在画布上，最终呈现的效果他自己也无法控制。从这个意义上来讲，表现主义内涵更为深刻。

9. 罗斯科，全名马克·罗斯科（Mark Rothko，1903-1970），出生于俄国，后来移民美国，是一位和波洛克重要程度相当的抽象表现主义艺术家，但是二人的画作风格截然不同，罗斯科的作品中没有任何线条，甚至不存在形。

10. 从表面上看，罗斯科的画作是由很多方块形状组成，但其实是罗斯科想要尽可能地去破坏形。因为如果想要在长方形的画布上让形状接近消失，最应该用方形。罗斯科还会将方形的边缘处理得非常模糊毛糙，在过渡中逐渐边缘消失。

11. 罗斯科的表现主义是用纯色彩带来情感上的巨大冲击，罗斯科的真迹作品给人极大的冲击，在视野完全沉浸在整个画布范围中时，会给人全身心沉浸的感受，就好像闭着眼睛在阳光下产生的视觉感受。

12. 罗斯科作品给人的沉浸式体验，突破了人们传统观赏画作的视觉界限，只是通过色彩的搭配组合，激起不同的情绪观感，非常了不起。

『叁』 抽象表现主义画派都有哪些著名画家

印象画派对光和色有着浓厚的兴趣,认为光和色就是表现的目的,大千世界,万物造化的生动和美感,同志归于光和色的作用；印象画派作品的画面明亮灿烂,令人耳目一新;画面不秒度第秒了丰富生命力和光色和谐的艺术风格.后期印象画派主张书法个性,吸收东方艺术的特点;他们的画大多线条粗犷形式夸张,色彩明快,富有装饰味.
抽象艺术是有着严格界定的，只有无形象、非理性、纯形式的绘画、雕塑和装置，才是真正意义上的抽象艺术。在整个艺术史上，只有抽象表现主义中没有形象和意象的那部分、抽象艺术、至上主义、光效应艺术、抽象的极多主义或极少主义、抽象的装置艺术等，属于抽象艺术范围。
宇宙是抽象的，地球的内核是抽象的，细胞是抽象的，原子、中子、核子、质子是抽象的，基因是抽象的。还有大自然的许多细节是抽象的，石纹是抽象的、水纹是抽象的、光影是抽象的、泥泞是抽象的。世界的视觉本质是抽象的。即使有一天，地球毁灭了，人类消失了，所有的具象都烟飞云散，只有抽象还在。
抽象处处都存在，存在与我们的理性之外，存在于我们的忽略中，存在于陌生的领域‘存在于虚无飘渺中，存在与我们的理性之眼忽略的地方，存在于我们肉眼看不到看不见的地方。
抽象艺术，就是把自然界的抽象，把生命中的抽象，把人类想象中的抽象，通过艺术的方式表现出来。艺术，应该是把人的肉眼看不到，只有灵魂可以感应的画面呈现出来。
希望我的回答对你有用，呵呵，我也是美术教师

『肆』 抽象画怎么去欣赏

亲近抽象艺术——怎样欣赏抽象画12008-03-18 12:13抽象艺术的概念
非理性的纯粹视觉形式。有三个内涵：
首先：绘画作品中不描绘、不表现现实世界的客观形象，也不反映现实生活；
其次：没有绘画主题，无逻辑推理和理性诠释，既不表达思想也不传递情绪；
第三：纯粹由颜色和点、线、面构成的视觉形式。
抽象艺术是非理性的，抽象艺术的纯粹形式将人类有史以来的理性排斥在外。这里的艺术非理性，只是说明抽象艺术表达的不是一个社会的、政治的、道德的道理，这种道理是人类社会用理性加以分析和总结的。而艺术不需要这种思想和道理，艺术就是艺术自己。
非理性的意义包含两个方面：一是心理学意义上人的本能和无意识；二是哲学意义上人的认识结构中的非逻辑的认识方式。
在艺术创作中的本能和无意识我们通常理解为那种没有事先构思好或者是在创作中自由发挥的创作方式。就是在创作中注重即兴创作和偶然性。
非逻辑的创作，就是无主题、无形象和无故事人物的，纯粹形式的创作。
历来的艺术都是有主题的，包括一些现代艺术、后现代艺术。艺术的主题从来不是为了艺术自己，往往是社会问题、道德问题、民族问题或者政治问题。这种主题让艺术成为工具。艺术不是工具，当艺术成为生命方式的时候，艺术是目的。
抽象艺术是唯一把自己当作自己的艺术。他没有庸俗的、无聊的、教条的、烦琐的思想，也没有强权的、自私的、指令的主题。它不需要任何现实的强加于它理念和形象，
它用完全属于自己的脸注册，不再需要看别人的眼色或者听别人的指令。抽象艺术不仅让创造者自由，更让审美者自由。
抽象艺术不需要思想（角度强调观点），不需要那些以现实的利益为驱动的各种思想。因为所有的思想的目的并不是为了思想。思想是人类生存的一种思维工具，思想不是生命的目的。人在受苦受难的时候，往往是思想的时候，是思想让人类变得复杂变得精明。而一切复杂和精明都是针对别人的，任何个体生命对自己都不需要复杂和精明。生命在享受的时候，往往是不思想的时候，思想是为了不思想。既然生命是这样认识思想的，艺术为什么非要有思想？没有思想的抽象艺术就是真正意义上的公正的、公平的、公开的艺术，它让人类接受它无私的给予和洗礼，它给人们的享受是阳光和空气般的慷慨。我们有见过有思想的阳光和空气吗。如果阳光和空气也有思想的话，我们还怎样裸露我们的身体和自由呼吸。思想是人类为了应付生存而被迫发生的思维过程，这种过程使得生命变得更加敏感和脆弱。而抽象艺术不想再接受它的羁绊，抽象艺术将直接面对生命本体，成为生命方式。
创造艺术就是创造阳光和空气。享受艺术就是享受阳光和空气。
我们要创造的抽象艺术是阳光的温暖和煦，是阳光折射时光晕的朦胧和感觉的直白，是阳光透过重重云雾仍然不改初衷的义无返顾，是阳光的芳香盖在你的肌肤上的那种渗透和舒展。
我们的抽象艺术还是空气般的灵动和悠扬，是空气的旷远和博大，是空气的无私和富有，是空气的慷慨和大方，是空气无处不在无时不在的虔诚和执著。也是空气什么也不争不想的姿态，是无须感激和思考的存在，是你可以忘记但绝对不可缺少的需要。
享受阳光和空气的时候，是生命最放松、最自在、最没有思想的时候，也是最幸福、最惬意的时候。抽象艺术，你还有什么可以怀疑的吗？
抽象艺术也不需要情绪（这是角度独创观点）。几乎所有的艺术样式尽管形式不同，但是都不否认艺术作品中情绪的重要性。甚至抽象艺术的鼻祖康定斯基也是明确的认为，他在表达自己的情绪。所有的过去的艺术家们都认为艺术是在表达情绪。
对具象艺术来说，通过理性来表达的情绪是可以通过画面来完成的。画家通过画面把自己的情绪表露出来。因为画家的情绪是理性的，或者是直白的，因此表现出来的画面也是简单的理性，情绪也是单元的。按照心理学的观点，情绪是人作为社会的人在生活的环境里受到了刺激所发生的情感波动，它带有强烈的指向性。在这时，情绪的产生的原因是清晰可辩的，是理性的，甚至是具体的。因为贫穷而情绪、因为不平等而情绪、因为压抑而情绪，情绪的物质性是十分突出。当情绪成为艺术的驱动力，艺术的情绪化并不能扩张艺术的内涵，而只能限制艺术的张力，让艺术成为情绪的累赘。
抽象艺术的本质是纯粹的视觉形式，你的个人情绪和这种形式的情绪并没有直接的关系。即使艺术家自以为是的情绪产生了作品，但是作品并不是情绪。当你的情绪在转化为颜色和形式的时候，已经变成了颜色和形式自己，而已不是你原有的情绪。你说你的情绪还保留在形式里，这只是你的一厢情愿或者是自作多情。
同时，作为无主题的抽象艺术，也不需要你用情绪来作为主题，因为对于那些看到你的作品的人来说，他们的欣赏的只是他们眼里的艺术，不是你心里的艺术，他们不必要也不可能来了解你创作时的心态，你的情绪和心态和他们也没有必然的联系。当作品从艺术家的手里完成以后，还不是真正意义上的完成，真正的完成必须在审美者那里。
审美者没有义务要接你的情绪的接力棒，他根本就不用在看一幅作品时考虑作者的情绪和想法，他完全由画面本身作出自己个人独立的审美价值判断，他在完成的艺术审美时，即使动用了情绪也是自己的，和作者的情绪无关。他以自己的个人的审美方式来最终完成他心目中的艺术。作者创造作品时的情绪，在作品完成时，已经和作品无关。
既然无关，那么作者的情绪还有什么用？看到这样的提问，肯定会有人觉得好笑，没有了创作的激情，那么怎样完成作品创作？答案已经出来了，我们创作作品时需要的是激情而不是情绪。作为一个职业的艺术家，是不需要情绪来制造画面的，他只需要形式和对形式的研究和理解，对形式的迷恋和游戏，形式会把更多的非理性的思想和情绪，把人的经验之外的时空，通过形式完美的呈现给你。
这些原因，足以说明艺术家在创造抽象艺术的时候，作品里的思想和情绪并不重要，重要的是让你的艺术产生自己的思想和情绪，而不是艺术家的。
事实上，当颜色离你而去，当图式独立存在，当画面自己展开的时候，你完成了你宣泄的过程，而它，已经成为不需要你的思想和你的情绪来照顾的作品，它已经有了自己的语言和形象。
思想和情绪，到作者为止，和作品无关，这就是抽象艺术的个性。
形式，形式，还是形式。形式至上，形式高于一切。每一个光顾形式的人，都能在形式里找到自己的回味，这种回味可以是单纯的也可以是复杂的，可有是情绪的也可以是理性的，那是他自己的，和作品无关。
抽象艺术是独立的，它独立的存在与作者和审美者之间。
形式就是意味。寻找不一样的形式，就有了不一样的意味。只有不一样的形式，没有一样的意味。抽象艺术更需要不一样的形式。
抽象艺术，无中生有，有中还无；莫名其妙，妙不可言！

抽象艺术的特征界定（人文的和自然的）
抽象艺术是20世纪初最早出现在欧洲的艺术形式，公认的开派代表人物是俄罗斯的康定斯基和荷兰的蒙德里安。康定斯基的抒情抽象被认为是“热抽象”，而蒙德里安的几何抽象被认为是“冷抽象”，从而形成了抽象艺术的两大流派，一直延续到今。
与抽象艺术相对应的是具象艺术。在一份艺术史的编年表上，我们可以看到这样的变化，在抽象艺术出现之前，一直是具象艺术的一统天下，抽象艺术出现之后，就是两统天下了。不管艺术发展的概念怎样变化，称号如何改变，从其艺术的本质来说，只有两大类的划分：抽象艺术和具象艺术。凡是有现实世界的客观形象的，不管是古典主义、浪漫主义、写实主义、印象主义，还是立体派、野兽派、达达主义、超现实主义、波普艺术、观念艺术、后现代主义、行为主义、摄象艺术等等，都是属于具象艺术范围的。这些艺术门类里，大多都是有主题的、有人类社会意识、政治观念的，有的主题清晰一些，有的模糊一些，有的单元主题，有的是复合主题，但是都是有主题、有逻辑推理在艺术方式中的，一律是具象艺术，或称为主题艺术。
抽象艺术是有着严格界定的，只有无形象、非理性、纯形式的绘画、雕塑和装置，才是真正意义上的抽象艺术。在整个艺术史上，只有抽象表现主义中没有形象和意象的那部分、抽象艺术、至上主义、光效应艺术、抽象的极多主义或极少主义、抽象的装置艺术等，属于抽象艺术范围。
还有一些介于两者之间，我们称之为半抽象。有时是画面上是有一点形象的或变形的，而题目又是抽象的。有的是画面是超现实的，尽管有具体的形象，但是时空是错位的，通感的，给人的理性判断是非常规的，而是特别的。这样的画似是而非，主题模糊，有抽象的意味，因此被纳入半抽象范围。
以上所说的是人文的抽象艺术的历史脉络。而自然的抽象是宇宙天生的，也是永恒的。
宇宙是抽象的，地球的内核是抽象的，细胞是抽象的，原子、中子、核子、质子是抽象的，基因是抽象的。还有大自然的许多细节是抽象的，石纹是抽象的、水纹是抽象的、光影是抽象的、泥泞是抽象的。世界的视觉本质是抽象的。即使有一天，地球毁灭了，人类消失了，所有的具象都烟飞云散，只有抽象还在。
抽象处处都存在，存在与我们的理性之外，存在于我们的忽略中，存在于陌生的领域‘存在与虚无飘渺中，存在与我们的理性之眼忽略的地方，存在于我们肉眼看不到看不见的地方。
抽象艺术，就是把自然界的抽象，把生命中的抽象，把人类想象中的抽象，通过艺术的方式表现出来。艺术，应该是把人的肉眼看不到，只有灵魂可以感应的画面呈现出来。
关键词组：只有抽象是永恒的。抽象艺术的起源和形成
抽象艺术是现代艺术的一部分，是和现代艺术一起发展和起步的。
现代艺术是在19世纪中期在欧洲起步，从印象主义开始。在西方艺术史教材里，被视为现代艺术划时代的作品是马奈1863年创作的《草地上的午餐》。莫奈是最具代表性的印象派画家，印象主义的“印象”之名，就是出自他1872年的作品《印象·日出》。
后印象主义的代表人物之一塞尚，是第一个把现代主义艺术从具象带往抽象形式的画家。塞尚对色彩的理解是现代画家中最精辟的。他认为，对于一个画家来说，只有色彩是真实的。一幅画首先是也应该是表现颜色。直至今日，当我把抽象艺术理解为颜色和形式的艺术时，才知道，颜色曾在印象派画家里，占据了多么重要的意义。他的“把自然还原为圆柱、圆锥与球体的三种基本形状”的认识，影响了立体派的诞生，从而促成抽象艺术的发展。塞尚是理论意义上的西方现代形式主义主流艺术的鼻祖，而被尊称为“现代艺术之父”。
从塞尚那里，抽象艺术有了理论和实践上的萌芽，立体主义的出现，让抽象艺术有了表现和施展拳脚的机会。最初抽象艺术和具象是混杂在一起的，也就是半抽象的。在画面上有一些形象，只是这些形象是通过几何体的方式变形表现的，还不是纯粹的抽象。即使是一些纯粹以几何体加颜色的方式来表现的绘画作品，也会用一些具象的符号，来表达某种象征的意味。立体主义的出现，大大缩短了迈向抽象艺术的步履，并且直接导致了抽象艺术两大流派的诞生。
立体主义的代表人物是毕加索。在塞尚几何分割画面的观念的影响下，1907年毕加索画了他著名的《亚威农少女》。立体派将透视散点化，用大小的几何形状镶拼，使画面的人和物几何立体化，使得绘画有了明显的抽象意味。但在立体派绘画里，大部分作品还是能够找到生活中的原形，题目也是具象的，即使是完全无形的立体派作品，也不是真正意义抽象作品，但是，是立体派的巨大影力，直接导致了几何抽象主义的产生。
荷兰艺术家蒙德里安1911年在巴黎接受了立体派的绘画观念，并且把立体派演化为具有自己鲜明特色的几何抽象画。蒙德里安认为，造型艺术表现为两种倾向：写实主义和抽象主义，前者是我们的审美情感的一种表现，这种审美情感是被自然和生活的外表形象唤起的。后者是一种色彩、形和空间的抽象表现，它是通过一种更抽象的手段表现出来的，而且常常是几何状的形和空间，起目的是创造一种新的真实。
康定斯基于1910创作的一幅取名为“即兴”的抽象绘画，被视为人类有史以来第一幅纯粹抽象的作品。这幅作品是完全无形的，不是象在这幅画以前，多少还有一点具象的痕迹或影子，抽象意味只是使得具象的东西简单和概括，最典型的例子就是毕加索的“牛”，从具象慢慢的抽离成几根线条构成的极其简洁的牛的象征。我们在习惯上也称这样的艺术方式为抽象艺术方式，把毕加索最后的一头牛称为抽象牛，但是和我们这里讨论的抽象还是有本质的区别的。真正的抽象是没有任何具象或象征的启示。
康定斯基在创作第一幅抽象作品的时候，不仅在实践上有了质的突破，而且还有理论上的重要的阐述。他在1912年发表的艺术专著《论艺术中的精神》，就提出了艺术应该是艺术家内心的主观感受，艺术应该从客观物象中解救出来。他还十分明确的提出：形式和色彩本身就能构成一种足以表达情绪的语言因素，如同音乐一样直接诉诸于心灵。艺术家的工作就是寻找形式和组织色彩，以完成表达艺术家的情绪和沟通审美者的作品。
康定斯基的早期抽象都是自由抽象，也被称为抒情抽象，特征是构成和色彩非常随意，常是即兴发挥，自由奔放。1921年以后，康定斯基从自由抽象转化为几何抽象，以精确的几何体和点、线、面构成绘画，并且在1926年出版了又一本抽象艺术专著《点、线、面》，从而确立了他作为抽象艺术之父的学术地位。
康定斯基对抽象艺术的贡献是巨大的，他的对形式的研究和实践，为后人开辟了广阔的道路，并且使得抽象艺术在短短的时间里，就席卷整个西方艺术界，成为100年以来生命力最顽强的艺术。 与康定斯基和蒙德里安一起，俄国人马列维奇创造了“至上主义”艺术。他们三个人被称为是抽象艺术的三驾马车。至上主义的最高境界就是“空”和“无”，空和无才是纯粹抽象的绝对存在，也是绘画的最高境界。最著名的画就是《白色背景上的黑色方块》（1913）和《白色背景上的白色方快》。马列维奇对抽象艺术的境界的理解是比较纯粹的，接近现在的对抽象艺术的观念。
抽象艺术是现代艺术的一部分，是和现代艺术一起发展和起步的。
现代艺术是在19世纪中期在欧洲起步，从印象主义开始。在西方艺术史教材里，被视为现代艺术划时代的作品是马奈1863年创作的《草地上的午餐》。莫奈是最具代表性的印象派画家，印象主义的“印象”之名，就是出自他1872年的作品《印象·日出》。
后印象主义的代表人物之一塞尚，是第一个把现代主义艺术从具象带往抽象形式的画家。塞尚对色彩的理解是现代画家中最精辟的。他认为，对于一个画家来说，只有色彩是真实的。一幅画首先是也应该是表现颜色。直至今日，当我把抽象艺术理解为颜色和形式的艺术时，才知道，颜色曾在印象派画家里，占据了多么重要的意义。他的“把自然还原为圆柱、圆锥与球体的三种基本形状”的认识，影响了立体派的诞生，从而促成抽象艺术的发展。塞尚是理论意义上的西方现代形式主义主流艺术的鼻祖，而被尊称为“现代艺术之父”。
从塞尚那里，抽象艺术有了理论和实践上的萌芽，立体主义的出现，让抽象艺术有了表现和施展拳脚的机会。最初抽象艺术和具象是混杂在一起的，也就是半抽象的。在画面上有一些形象，只是这些形象是通过几何体的方式变形表现的，还不是纯粹的抽象。即使是一些纯粹以几何体加颜色的方式来表现的绘画作品，也会用一些具象的符号，来表达某种象征的意味。立体主义的出现，大大缩短了迈向抽象艺术的步履，并且直接导致了抽象艺术两大流派的诞生。
立体主义的代表人物是毕加索。在塞尚几何分割画面的观念的影响下，1907年毕加索画了他著名的《亚威农少女》。立体派将透视散点化，用大小的几何形状镶拼，使画面的人和物几何立体化，使得绘画有了明显的抽象意味。但在立体派绘画里，大部分作品还是能够找到生活中的原形，题目也是具象的，即使是完全无形的立体派作品，也不是真正意义抽象作品，但是，是立体派的巨大影力，直接导致了几何抽象主义的产生。
荷兰艺术家蒙德里安1911年在巴黎接受了立体派的绘画观念，并且把立体派演化为具有自己鲜明特色的几何抽象画。蒙德里安认为，造型艺术表现为两种倾向：写实主义和抽象主义，前者是我们的审美情感的一种表现，这种审美情感是被自然和生活的外表形象唤起的。后者是一种色彩、形和空间的抽象表现，它是通过一种更抽象的手段表现出来的，而且常常是几何状的形和空间，起目的是创造一种新的真实。
康定斯基于1910创作的一幅取名为“即兴”的抽象绘画，被视为人类有史以来第一幅纯粹抽象的作品。这幅作品是完全无形的，不是象在这幅画以前，多少还有一点具象的痕迹或影子，抽象意味只是使得具象的东西简单和概括，最典型的例子就是毕加索的“牛”，从具象慢慢的抽离成几根线条构成的极其简洁的牛的象征。我们在习惯上也称这样的艺术方式为抽象艺术方式，把毕加索最后的一头牛称为抽象牛，但是和我们这里讨论的抽象还是有本质的区别的。真正的抽象是没有任何具象或象征的启示。
康定斯基在创作第一幅抽象作品的时候，不仅在实践上有了质的突破，而且还有理论上的重要的阐述。他在1912年发表的艺术专著《论艺术中的精神》，就提出了艺术应该是艺术家内心的主观感受，艺术应该从客观物象中解救出来。他还十分明确的提出：形式和色彩本身就能构成一种足以表达情绪的语言因素，如同音乐一样直接诉诸于心灵。艺术家的工作就是寻找形式和组织色彩，以完成表达艺术家的情绪和沟通审美者的作品。
康定斯基的早期抽象都是自由抽象，也被称为抒情抽象，特征是构成和色彩非常随意，常是即兴发挥，自由奔放。1921年以后，康定斯基从自由抽象转化为几何抽象，以精确的几何体和点、线、面构成绘画，并且在1926年出版了又一本抽象艺术专著《点、线、面》，从而确立了他作为抽象艺术之父的学术地位。
康定斯基对抽象艺术的贡献是巨大的，他的对形式的研究和实践，为后人开辟了广阔的道路，并且使得抽象艺术在短短的时间里，就席卷整个西方艺术界，成为100年以来生命力最顽强的艺术。
与康定斯基和蒙德里安一起，俄国人马列维奇创造了“至上主义”艺术。他们三个人被称为是抽象艺术的三驾马车。至上主义的最高境界就是“空”和“无”，空和无才是纯粹抽象的绝对存在，也是绘画的最高境界。最著名的画就是《白色背景上的黑色方块》（1913）和《白色背景上的白色方快》。马列维奇对抽象艺术的境界的理解是比较纯粹的，接近现在的对抽象艺术的观念。
亲近抽象艺术——怎样欣赏抽象画 32008-03-18 12:15抽象艺术的几种类型1.热抽象和冷抽象
2.理性抽象和非理性抽象
3.自由抽象和规则抽象
4.平面抽象和透视抽象
5.抒情抽象和几何抽象
热抽象和冷抽象的划分界线有两个角度，一是根据图式标准，二是根据色彩标准。
在图式上比较活泼、自由、随意、热情和富有动感、节奏感的抽象画，称之为热抽象。在图式上比较严谨、理性、冷静，有明显的图案规律的称之为冷抽象。
从颜色上来区分，颜色比较明亮、明快，保持着较强视觉冲击的为热抽象，而用冷色调，黑、灰、蓝调子的称为冷抽象。
热抽象也叫自由抽象和抒情抽象。冷抽象也叫规则抽象或者几何抽象。
热抽象的代表人物是俄罗斯的康定斯基，冷抽象的代表人物是荷兰的蒙德里安。
形式的意义一.形式是独立自主的。形式是独立的视觉存在，形式是不依赖社会思想和政治的自觉的存在，形式决定形式，形式影响审美意识。
二.形式是自由多变的。形式的自由体现在形式的无穷变化----形式的组合是无穷的，这让抽象艺术最大的资源
三.形式是轻松游戏的。形式是轻松和游戏的。形式是一种游戏，没有思想，没有歧视和偏见，没有情绪，没有骄横和失落。形式的游戏性让形式成为意义。
四.形式是永恒的。形式是宇宙的延伸，形式永恒。宇宙是最大的形式，是宏观的形式体现，宇宙让我们感到了神秘和新鲜，探索宇宙的奥秘成为人类生存的一种乐趣。抽象艺术是人类唯一能够融入宇宙创造的形式，也是宇宙唯一可以认可的延伸。
抽象艺术的价值标准抽象艺术由于多变和评判标准的不确定性，因此如何评介抽象艺术的价值，就成了一个比较困难的问题。事实上，现代艺术在他们诞生之初，都是不被认可甚至是遭到当时的主流艺术贬毁的。但是最终现代艺术得以流行，是和社会的文化和观念的发展联系一起的。
评介一幅作品的价值标准从严格的意义上来说，是模糊的，因为每一个人的价值标准不同。对作品的认知程度也不同。第一，原创，原创的意义是创新一种新的艺术图式，原创不是原作的意思，现在的很多人把原作当作原创是错误的，对古典主义来说，印象主义是原创，立体派是原创，野兽派是原创，超现实是原创，抽象画是原创。
同样的道理在一个派别里，原创的概念就是图式不同，或者题材不同、画风不同。抽象画里，康定斯集是原创，蒙德里安是原创、博洛克是原创，每一个人的画风不同，这种不同的距离越大，原创的形式就越纯，原创的价值就越高。第二，原创的作品还必须是唯美的，所谓的唯美是一种美学理念，就是一幅画须是美的，美的也就是能够给人的审美带来愉悦给生命带来呵护给未来带来祝福的艺术。美不是指一个单独的审美取向，而是关于艺术的本质。唯美不是为漂亮，。美是多种多样的美，美是平衡、是协调、是有形式的意味、是和谐、是独特。美有含蓄、奔放、热情、冷静、力量和粗犷之美。唯美，就是符合人性的生命性。
人性的唯美体现在人对生命的美好的向往。人的心理总是希望拥有一个健康的、幸福的、吉祥的、太平的人生，因此，人心总是愿意陶醉在小资情调和浪漫里，而不希望生命中早早就出现不愉快或者悲剧。事实上，生命的悲剧性是一个人人皆知事实，从来也不用谁来提醒。

『伍』 波普艺术、装置艺术、大地艺术，三者之间相同和与不同的艺术观念

波普艺术：是正当抽象表现主义在美国风行之时，有人提出抽象表现主义完全依赖画布和颜色的革新既是前进的，又是退缩的，因为它逾越传统纯绘画的程度不够，于是一部分艺术家从达达主义那里得到启示，生活中的实物也是艺术。他们开始大胆的用材料实验，采用画面与接拼的方法，或者干脆用实物集合的办法达到打破艺术之间各门类，艺术与生活之间的界限，以此替代活力耗尽的抽象表现主义，这便是波普艺术。
1960年前后美国开始盛行的一种艺术，不久英国与欧洲也流行起来，波普（Pop）一词含通俗，大众，流行之意，这是由英国艺术评论家阿劳威提出的，他在给利用大众影像为内容的美术命名时所作的一个统称，后来被评论界所接受而广泛采用。60年代初期，先在伦敦后在纽约相继举行了大型的波普美展，波普美术最早的作品可能要数英国艺术家汉密尔顿的照片拼贴画《是什么使我们今天的家如此不同，如此吸引人》，画中现代公寓内一个傲慢的裸女和一个作健美姿态的男子正看着画外，男子手握上面印有Pop的网球拍。波普艺术的表现手法多种多样，但其表现的对象基本可分为两类：一是以日常生活用具为对象，一类是对画报，连环画，影星和名人照片进行复制，广泛展出与散发。所以波普艺术具有低廉，浮华，短暂，大量生产，很快流行等特点。

装置艺术： 是艺术家在特定的时空环境里，将人类日常生活中的已消费或未消费过的物质文化实体、进行艺术性地有效选择、利用、改造、组合，以令其演绎出新的展示个体或群体丰富的精神文化意蕴的艺术形态。简单地讲，装置艺术，就是“场地+材料+情感”的综合展示艺术。
装置艺术的发展如同其它艺术发展的景况一样，都是受当下多种单一与复合的观念所左右的，也受其自身发展经验的积累所促动。装置艺术日渐在内容关注、题材选择、文化指向、艺术到位、价值定位、情感流向、操作方法等方面，都呈现出多元繁复的状态。

大地艺术20世纪60年代末出现于欧美的美术思潮，由最少派艺术的简单、无细节形式发展而来。
大地艺术家普遍厌倦现代都市生活和高度标准化的工业文明，主张返回自然，对曾经热恋过的最少派艺术表示强烈的不满，以之为现代文明堕落的标志，并认为埃及的金字塔、史前的巨石建筑、美洲的古墓、禅宗石寺塔才是人类文明的精华，才具有人与自然亲密无间的联系。大地艺术家们以大地作为艺术创作的对象，如在沙漠上挖坑造型，或移山湮海、垒筑堤岸，或泼溅颜料遍染荒山，故又有土方工程、地景艺术之称。是60年代活跃于美国的现代主义后期的艺术活动，它可说是介于工程与雕塑，建筑与风景，艺术与大自然之间的一种边缘概念，也是一种荒谬的反艺术现象。它除了依仿照概念艺术否弃作品实体外，还不需要购买人而只需要赞助人，且作品尺寸，材料，形态，价值观早已与传统观念决裂，对艺术的界定漠不关心，他们一般以广阔的大地，田野，海滩，山谷，湖泊，为艺术材料，通过大规模的挖掘，堆叠，染色，包裹，筑构等方式，改造自然的某一部分外观，企图创造一种体量巨大的，不能为博物馆接受的永不被人占有的环境艺术。

波普艺术不是以“作品”的形式来确证自己的存在的，至少，它不是被审美性地欣赏，它也用不着有以往作为一个艺术家所必需的绘画或造型技艺，它不可作为某种范本供学习者临摹，它经过大批量印刷丝毫不会造成效果的衰减，它的原作收藏不具有艺术价值，甚至它作为一种行为瞬间就消逝了，等等。事实上，波普艺术只是一种“现象”，这种现象智慧地向人们传达了某种意义，而这个意义只是更集中、更强烈地加深了政治的、经济的、社会的、文化的等各方面已经存在的某种观念或道理。
装置艺术似乎满足了繁忙的当代人的生理需要和心理平衡。由于装置艺术中众多的艺术门类，以及众多实物的非逻辑，非再现的陈列，它们之间的张力构成了无穷大的观念的“排列组合”关系。同时，装置艺术还充分反映变化中的世界，因为装置艺术中静止的物品并不是绝对静止的，它们所存在的空间环境和社会处于永恒的运动中，因此它们本身的意义也在不断变化。装置艺术正是这样一个说不清的世界－－杂乱的实物，令人目不暇接的录像，昏乱怪异的声响，玄言断句，雕塑加绘画。这体现西方当代人迷茫而又无可奈何，不得不以自我为中心，放弃传统宗教，在神秘中寻求对不可知的答案。装置艺术解读的不确定性暗示这种神秘，承认人类的认知是相对的，而无法逾越的不可知才是绝对的。

后期的大地艺术家很少大规模挖掘工程，更多借助摄影完成。

『陆』 抽象绘画的发展历程是什么样的以及抽象绘画在西方现代主义艺术运动中显示出活力的表现是什么

抽象绘画在20年代30年代的西方现代主义艺术运动中便显示出活力，尤其是俄罗斯先锋派艺术家和荷兰的“风格派”艺术家，他们的抽象绘画创作和艺术理念直接影响了“包浩斯”的设计。战后抽象绘画得到了新的发展，在战争刚刚结束的1945年，巴黎一批抽象艺术家便组织“五月沙龙”，同年在巴黎举办了题为“具体艺术”的抽象绘画展览。1946年巴黎的“新现实沙龙”成为首次展出抽象艺术的沙龙，展出了大量的抽象艺术作品。1949年“新现实沙龙”与“五月沙龙”合并，抽象艺术有了更大的声势。在美国则有“抽象表现主义”艺术的兴起。像战前从德国来到美国的“包浩斯”设计家莫霍里—纳吉、阿尔伯斯和同样来自德国的汉斯·霍夫曼，对于美国的“抽象表现主义”艺术都产生了巨大的影响。50年代美国抽象表现主义绘画的代表人物德·库宁和杰克逊·波洛克创作出了挥洒点滴的“行动绘画”，新一代艺术家作品有着强烈的感染力，与当时的装饰艺术设计具有密切的联系。

『柒』 为什么欧洲英国工业革命的大脑没有产生前卫艺术 为什么会先在法国产生前卫艺术

西方艺术发展史
在西方漫长的古代史中，因为宗教占据了社会整体的核心地位，是这个整体的基本凝聚力，艺术不仅因为依靠宗教而得到了纵贯历史的辉煌发展，而且艺术本身的存在（形式和内容）也是统一于宗教的——它是宗教活动的一种基本工具和方式。在西方艺术发展史的研究中，不深入理解西方宗教精神，不把这种精神作为艺术的内在动机，是不能真正把握自古希腊以至于前浪漫主义时代的西方艺术实质的。比如，人体艺术的发达，是西方艺术的一个基本传统。这个传统的确立，是以西方世界根深蒂固的宗教情怀为基础的。传统艺术家是把为人塑像作为为神造像的神圣事业来进行的。在此，我们看到艺术与宗教的内在统一性，也因此艺术是传统西方社会所绝对必须的。

14—16世纪的文艺复兴运动拉开了西方近代美术史的开端，它在很大程度上拉动了整个艺术史的步伐，影响之深，涉及之远，范围之广在艺术发展的长河中都是高高卷起的浪花，闪耀夺目。任何事物的发生都不是独立存在的个体，既不会突然出现，也不会瞬间消失。在整个文艺复兴背后的推手是欧洲封建社会内部出现了资本主义经济的萌芽，城市工商业的繁荣及其政治上的相对独立或自治。经济基础决定上层建筑，人们在满足了物质需求后必然会追求更高层次——精神需求。文艺复兴期间涌出了众多著名的艺术家，代表人物有.达·芬奇、 米开朗琪罗、拉斐尔、安吉利特、尼德兰等，他们的艺术手法深深地影响了后世的艺术爱好者们。
二十世纪虽然不及文艺复兴来的精绝，可在整个艺术史中也是一个活跃的年代，短短百年间，涌现出众多的艺术流派，从野兽派开始，经历了表现主义、立体主义、未来主义、抽象主义、达达主义、风格派、形而上画派、包豪斯、超现实主义、巴黎画派、抽象表现主义、新现实主义、波普艺术、欧普艺术、地境艺术、观念艺术、行为表演艺术、照相写实、激浪派、极少主义、女性主义、涂鸦主义、装置艺术、影像艺术、新媒介艺术、全球化时期、象征主义、俄国前卫艺术、构成艺术、八人画派、现代雕塑、后现代名词解释，直至世界现代设计。
从最初的野兽派到最后的世界现代设计，我们大可以将其看作是一个社会发展史，只不过形式上用了另一种语言。
事物发展到一定阶段必定会有质的改变，野兽派的产生是对学院派的背叛，他们对感动力稀薄，表现不够深入的印象派画风持一种反抗的态度，继续着后印象主义凡高、高更、塞尚等人的探索，追求更为强烈的艺术表现。第一次世界大战的爆发后，社会动荡不安，一群受着康德哲学、柏格森的直觉主义和弗洛伊德精神分析学的影响，强调反传统，不满于社会现状，要求改革，要求“革命”的艺术家形成了表现主义，他们在艺术中强调表现主观感情和自我感受，而导致对客观形态的夸张、变形乃至怪诞处理的一种思潮，用以发泄内心的苦闷，认为主观是唯一真实，否定现实世界的客观性，反对艺术的目的性，它是20世纪初期绘画领域中特别流行于北欧诸国的艺术潮流，是社会文化危机和精神混乱的反映，在社会动荡的时代表现尤为突出和强烈。
20世纪初工业文明、机器时代的到来，年轻的艺术家们普遍关注的是如何革新形式，来表现在迅猛变革的工业社会里人们的内在情绪和心理。立体主义的产生时期和表现主义差不多，不同的是表现主义宣泄的是艺术家们对战争、社会现实的不满，而立体主义起源于塞尚的理论和创作实践，艺术家们把塞尚的“要用圆柱体、圆球体、圆椎体来表现自然”这句话当着自己艺术追求的理想。立体主义更多是在折射工业文明、机器时代的社会现实。代表人物就是全民偶像的毕加索，他热衷于前卫艺术创新，也不放弃对现实的表现。《亚维农的少女》这幅不可思议的巨幅油画，不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折，而且也是西方现代艺术史上的一次革命性突破，它引发了立体主义运动的诞生。

有人反对战争就必定有人支持，未来主义者们就是一群支持战争的艺术家们，他们对现代战争大加颂扬，认为战争是艺术最终极的形式。一些未来主义者们曾是第一次世界大战的幸存者，怀有深刻的民族主义思想，这些经历使得他们未来主义者公然支持意大利的法西斯主义。正好迎合了帝国主义侵略扩张政策的需要，使意大利的未来主义成为官方的艺术，也成了我前面所说的所谓的“御用画家”。而抽象主义则是属于第三种，他们提倡“抽离”，在艺术创造中,除了情移的冲动以外,还有一种与之相反的冲动支配着,这便是“抽离的趋势”。产生抽离的原因是因为人与环境之间存在着冲突,人们感受到空间的广大与现象的紊乱,在心理上对空间怀有恐惧,并感到难以安身立命。人们的心灵既然不能在变化无常的外界现象中求得宁静,祗有到艺术的形式里寻找慰藉。当然抽象主义的产生除了有逃避现实的因素外,还有受到工业、科学技术推动的原因。

达达主义在我看来是艺术史的一次小意外，却也是一场惊天动地的变革。达达主义最初的含义是为了反对艺术，其中最著名的人物就是杜尚，他从不把艺术当回事，以滑稽幽默的方式给严肃的艺术开了一个巨大的玩笑而正是这种态度打破了一直以来艺术的遮羞布，艺术总被人们当做是一件多么了不起的事物，而杜尚用自己的行动作品告诉我们，Art isnothing! 他颠覆了人们的惯性思考，随手拿起的一个小便池放在了不同的环境就变成了一件艺术品！达达主义有其特殊的政治意识形态原因：第一次世界大战期间，人们的日常生活和周边环境遭到严重摧毁，导致精神上的崩溃，以往安闲平稳的绘画面貌已经不再能够打动人，达达主义用一种幻想和离奇的视觉形象来表达对世界的反映。

随着社会的逐渐稳定，社会环境有了很大的提高，这一期间出现的画派大都没有太多革新，受着前面一些流派影响。值得一提的是包豪斯，1919年在德国成立的一所设计学院，世界上第一所完全为发展设计教育而建立的学院。虽然只经历了短短的十四年，但在艺术史上却有着重要的地位，包豪斯优越严谨的教学体系更是沿用至今。它本身就是一件艺术品，无论是外在还是内涵，都值得人们学习欣赏。一直被称为20世纪最具影响力也最具有争议的艺术院校，在当时它是乌托邦思想和精神的中心。它创建了现代设计的教育理念，取得了在艺术教育理论和实践中无可辩驳的卓越成就。包豪斯的历程就是现代设计诞生的历程，也是在艺术和机械技术这两个相去甚远的门类见搭建桥梁的历程。设计在艺术史上始终不能像绘画那么受人关注，而正是包豪斯，引发了人们对设计的重视，这也顺应了工业高度发展的社会需求。

在此之后的艺术流派中不得不提的是抽象表现主义，在艺术内容上它没有什么巨大的创举，但却是第一个由美国兴起的艺术运动。美国兴起此艺术运动跟当时纽约想要取代巴黎成为世界艺术中心是有影响的。也是二战之后西方艺术的第一个重要的运动，享有的地位无与伦比。它是战后漫长风格实验的开端，标志着一个新的时代的到来，自此之后的一段时期里，西方现代艺术的中心从巴黎转移到了纽约。研究中国美术史也会发现，艺术中心往往代表着经济中心，这也从侧面的反映，随着艺术中心的转移，世界的经济中心也发生了变化。

正像波普艺术，虽然起源于英国，真正发展至鼎盛却是在美国，文化的传承抛开不说，经济在无形中犹如一张大手暗自操控着。美国波普艺术家声称他们所从事的大众化艺术与美洲的原始艺术和印第安人的艺术类似，是美国文化传统的延续和发展。波普艺术也是一个探讨通俗文化与艺术之间关连的艺术运动。它试图推翻抽象艺术并转向符号，商标等具象的大众文化主题。简单来说，波普艺术是当今较底层艺术市场的前身。60年代，波普艺术的影响力量开始在英国和美国流传，造就了许多当代的艺术家。后期的波普艺术几乎都在探讨美国的大众文化。波普艺术特殊的地方在于它对于流行时尚有相当特别而且长久的影响力，不少服装设计，平面设计师都直接或间接的从波普艺术中取得或剽窃灵感。 可以这样说，在艺术精神上波普虽没有深造，却发展了艺术的其他道路。其中的代表人物是安迪.沃霍尔，他成了恶搞、前卫、疯狂、流行、经典的代名词。

伴随着社会稳定，高科技的诞生也对艺术带来了重大的影响，其中照相写实就是一个最好的体现，而社会涌现的各种思潮也影响了艺术的发展。女性主义、激浪派、极少主义、地境艺术、涂鸦主义正是由各种社会思潮带来的结果。

影响艺术的到来意味着人类已经迈入了科技时代，人类在科学技术领域里最伟大的进步，不是原子弹的爆炸和航天飞机的上天，而是信息技术的发展；人类在艺术领域中最重在的突破，不是电影和电视技术的发明和发展，而是数码影象技术的诞生。数字影象是真正的科学技术与文化艺术完美。接踵而来就是新媒介艺术，它将艺术变换了一种手段不再是单纯的平面空间，而用动态改变了艺术一直以来的静止。

艺术随着历史长河的流动也在不断地向前发展，不管什么时期的艺术，都是艺术家们用自己的方式传递着信息，可以是个人的，可以是社会的。艺术的发展也在经历着大大小小的分裂合并，趋同创新。艺术史是人类历史的另一种语言，它用美的形式撰写了整个历史的变迁，绘出了人类一个个前进的脚步！
希望采纳

『捌』 名词解释：野兽派、表现派、立体派、未来派、达达派、超现实主义派、抽象派美术、波普艺术、新达达派。

野兽派 ：
野兽派也叫野兽主义(Fauvism)是自1898至1908年在法国盛行一时的一个现代绘画潮流。它虽然没有明确的理论和纲领，但却是一定数量的画家在一段时期里聚合起来积极活动的结果，因而也可以被视为一个画派。野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩，往往用直接从颜料管中挤出的颜料，以直率、粗放的笔法，创造强烈的画面效果，充分显示出追求情感表达的表现主义倾向。

表现派：
表现派是二十世纪初叶兴起于德国的艺术运动。18世纪法国启蒙主义哲学家D·狄德罗在《关于演员的是非谈》 表现派
一文中，谈到演员表演时，主张刻苦钻研人物性格，创造“理想典范”，在每次公演时，演员应准确地像一面镜子那样把这典范形象真实地重现在舞台上。他反对演员只凭天赋和敏感，主张冷静和判断力，依靠对四周物质世界与精神世界的现象进行勤勉的观察，并用心模仿自然。19世纪法国演员哥格兰继承并发展了狄德罗的观点，在《演员的双重人格》一文中提出了“两个自我”论，认为第一自我的演员始终冷静地随心所欲地控制着自己的创造物第二自我，不论角色应如何激动，演员“在竭尽全力、异常逼真地表现情感的同时，应当始终保持冷静，不为所动”，不能让角色“拐跑”。他认为第一自我是扮演者，是灵魂；第二自我是工具，是声音和肉体。因此他主张演员要把工具锻炼得像雕塑家手里的一堆柔软的粘土，可以让扮演者随心所欲地捏成各种形状。他非常强调演员创造人物性格，要求演员钻研剧本，理解角色，不仅外形相似，还要像角色那样“走路、谈话、倾听”，用属于角色的“那种脑筋来思想”。他的名言是“艺术不是‘合一’，而是‘表现’！”因而被称为表现派。

立体派：
立体派是西方现代艺术史上的一个运动和流派。又译为立方主义,1908年始于法国。这个名称的出现含有偶然性。1908年,G.布拉克在卡恩韦勒画廊展出作品,马蒂斯批评勃拉克的画是在描绘立方体.评论家L.活塞列斯在《吉尔.布拉斯》杂志上引用此话评论说:”布拉克先生将每件事物都还原了……成为立方体”,这种画风因此得名。

未来派：
未来派(Futurism)，是由意大利诗人菲利波·托马索·马里奈缔（Filippo Tomasso Marinetti)作为一个运动而提出和组织的。他在1909年整个一年中，向全世界发表了一个宣言，这个宣言以浮夸的文辞宣告过去艺术（过去派）的终点和未来艺术（未来派）的诞生。未来派的理论反映了一群意大利的年轻美术家要求创新的意图。他们不满足意大利文艺在19世纪停滞不前、落后于欧洲其他国家的状况，希望本民族的文艺跟上前进的步伐。他们的艺术追求，也确实受到工业和科技革命鼓舞的一面。但是，未来主义又是在意大利民族主义情绪高涨的情况下出现的，它既多少反映了意大利民族自我觉醒和自我奋起的精神，又反映了这个民族在历史转折时期傍徨、不稳定、虚无和偏激的弱点。

达达派：
达达主义艺术运动是1916年至1923年间出现于法国、德国和瑞士的一种艺术流派。达达主义是一种无政府主义的艺术运动，它试图通过废除传统的文化和美学形式发现真正的现实。达达主义由一群年轻的艺术家和反战人士领导，他们通过反美学的作品和抗议活动表达了他们对资产阶级价值观和第一次世界大战的绝望。关于“达达”一词的由来，历来众说纷纭。有些人认为这是一个没有实际意义的词，有一些人则认为它来自罗马尼亚艺术家查拉和詹可频繁使用的口头语“da, da”，在罗马尼亚语中意为“是的，是的”。最流行的一种说法是，1916年，一群艺术家在苏黎世集会，准备为他们的组织取个名字。他们随便翻开一本法德词典，任意选择了一个词，就是“dada”。在法语中，“达达”一词意为儿童玩耍用的摇木马。 因此，这场运动就被命名为“达达主义”，以昭显其随意性，而非一场一般意义上的“文艺运动”。

超现实主义派：
超现实主义是指人们在室内设计中追求并体现超现实的艺术再现。通过调动所有的设计手段，力求在有限的设计空间中创造出所谓的“无限空间”，体现出设计师在现实与理想的矛盾冲突中，渴望虚幻空间成为寄托自身困惑的载体。在超现实主义的室内空间中，注重奇特的造型、浓重的色彩和变幻莫测的灯光效果，突出其流动的线条以及抽象的装饰图案的艺术效果。

抽象派美术：
抽象表现主义(Abstract Expressionism)，即抽象艺术、抽象表现派、抽象主义、抽象派，又称纽约画派(The New York School)或行动画派(Action Painting)，一般被了解为一种非直接描绘自然世界的艺术，反而透过形状和颜色以主观方式来表达。是二次大战前的艺术运动，受超现实主义及继承苏俄构成主义的影响。20世纪初期，抽象艺术主要是指表达自然世界的艺术，譬如立体主义和未来派艺术。虽然夺取某事它不变的内在质量而不是由仿效它的外在表现。抽象派被定义为没有比喻现实参考的艺术。更广阔的定义是以简化但又可以保留原始自然的方式来描述真实题材。Joan Miro的抽象画是这个更宽的定义一个好例子。

波普艺术：
波普艺术是流行艺术（popular art)的简称，又称新写实主义，因为波普艺术（Pop Art）的POP通常被视为“流行的、时髦的”一词（popular）的缩写。它代表着一种流行文化。 在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。它反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。

新达达派：
新达达(New Dada)，现代艺术流派。新达达追求的目标是在日常生活的意外现象或状况与人们因此产生的直接反应之间，做一个批判性的分析。凡能表现艺术家思想的一切材料、环境和行为，画家都可以拿来使用。因此，新达达与大众写实主义、新写实主义等都不存在明显的界限。
具有不同面目的新达达，可说都渊于杜尚的观念。新达达的萌芽可追溯到50年代。到1960一1977年间成为西方各国美术家共同的实验领域。达达艺术可以说是对日常物体做物理性的探讨，而新达达除继承其手法以外，则对于幻想与现实之间的关系，做进一步的精神分析和哲学性的探讨。杜尚1962年在一封信里写道：“新达达也就是有些人所说的新写实主义、波普艺术、集合艺术等，是达达的余灰复燃而成的。我使用现成品是想侮辱传统的美学，可是新达达却干脆接纳现成品，并发现其中之美。”达达是以怀疑和破坏起家的，并没有建设性的艺术创造，而新达达则想用能表达艺术家思想的视、听、味、嗅、行为等作为媒介来创造新的艺术，这是他们之间的主要区别。

『玖』 抽象表现主义是人人能画的艺术吗你怎么看

小朋友喜欢涂鸦，尽管他们没有造型设计专业技能，但涂抹出的儿童绘画作品，艺术的主要表现惟妙惟肖，鲜活而有意思。他们没有艺术的认知，它的涂抹无拘无束，天马行空的想像，手随心动。少年儿童涂鸦，也是抽象化的艺术著作。小朋友可以抽象地涂鸦，更何况成人。

他向往单纯的艺术表述。抽象表现主义美术绘画，或抽象绘画从外表来说，似乎是人人都能画的艺术，因为它对造型设计工作能力的标准并不是乃至不要求，对颜色的冷色和暖色的需求也并不像写实性和印象派绘画那样严苛，咋看上去很随意，好像人人都能够搞，没有美术基础知识也可以担任，其实要不然。这就像我们的传统书法一样，一切会写汉字得人都可以书法写作，看上去门坎很低，事实上在艺术的行业里，要求越低的类别到后来对人规定越高。抽象表现主义美术绘画也跟他们的书法艺术艺术一样，它对一个人的本质文化修养，本人经验和见识的标准非常高，看起来无意间，好的艺术家可以掌握的物品是许多的，它对艺术史的熟悉和了解，他对工艺美术时尚潮流的分辨和掌握，他们的本人气场和涵养，都会影响到他创作的质量。因此，抽象表现主义艺术或抽象绘画艺术的行业人人都能进到，但是想要好的成绩和发展趋势还要看自身后天性的拼搏和先天的才能。